25 geriausi kada nors sukurti trumpametražiai filmai

Yra daugybė tokių, kurie negali skirti 90–120 minučių per dieną žiūrėti filmą. Jie yra susirūpinę ir turi tam tikrą laiką varginti įvairias užduotis. Na, trumpi filmai yra puiki tokių žmonių rezoliucija. Yra žmonių, kurie svarsto alternatyvas skirtingomis meno formomis, tačiau griežtų filmų mėgėjai turi patirti vizualinį filmą, o aš esu toje spektro gale, patikėk manimi, kad žinau, ką jie išgyvena. Filmas ar kino filmas yra nejudančių vaizdų serija, rodoma ekrane, sukurianti judančių vaizdų iliuziją ir nėra jokių laiko apribojimų.

Kaip aistringas besimokantysis, jūs turite suprasti, kad viskas prasideda nuo trumpo filmo, eksperimento, kuris tuo pačiu metu įvertins jūsų pačių talentą ir linksmins. Kai kurie geri trumpametražiai filmai paveikė ir apibrėžė kiną tiek, kiek daugelis to nežino, ir jie paprastai sublizgina žydinčio režisieriaus esmę. Atsižvelgdami į jūsų apribojimus ir kino niekingumą, jūs visada turite galimybę tyrinėti trumpametražius filmus, o vieni iš didžiausių filmų buvo sukurti po trumpųjų filmų. Internete yra tūkstančiai trumpametražių filmų, kurie nebūtinai yra kokybiški, ir dėl minimalaus ekspozicijos tenka ieškoti akivaizdžiai apie juos pateikiamos minimalios informacijos.

Dabar, būdamas siaubo filmų gerbėjas, aš visada linkęs ieškoti trumpų šortų, kurie mane barškina ir neatitinka tik manęs gąsdinančių tikslų, jūs turite sutikti, kad šokinėjimo bauginimai jaudina tik jų trukmę, tačiau neturi įsimintino efekto. Psichologiniai ar atmosferos siaubo filmai paprastai yra geriausi iš serijos ir, nepaisant jų palyginti mažo biudžeto, yra keblūs, nes jie reikalauja subtilumo per techniką, o technika gali būti vaizdinių vaizdų ar istorijos ar spektaklių.

Tai pasakius, čia pateikiamas visų laikų geriausių trumpametražių filmų sąrašas, kuris sukels galvą. Kai kuriuos iš šių geriausių trumpametražių filmų galite žiūrėti internete „Youtube“, „Netflix“, „Hulu“ ar „Amazon Prime“.

25. 8 kodas

„Code 8“ sukūrė 2016 m. Stephenas Amellas („Arrow“) ir Robbie Amellas, režisuotas Jeffo Chano, taip pat sukūręs „Operaciją„ Kingfish ““, kuri yra „Call of Duty: Modern Warfare 2“ priešistorė. Broliai Amellai ir Chanai tai padarė trumpai filmą kaip viso planuojamo filmo, kurį jie buvo suplanavę, anonsą ir ketino panaudoti šį vaizdo įrašą, kad jų projektas būtų sutelktas. Sprendimas eiti „indie“ keliu buvo visiškai kūrybinė jų filmo kontrolė, nes gamybos namų kišimasis į filmus smarkiai išaugo. Priežastis, kodėl man tai patiko, buvo dėl to, kad ji neužtikrina savo kibernetinių elementų, ji yra kažkur tarp mūsų pasaulio ir „Blade Runner“, panašiai kaip Carpenterio „Pabėgimas iš Niujorko“. Filmas taip pat turi panašią koncepciją kaip „X-Men“, kai mažuma mutavusių žmonių susiduria su išimtinai engiančios vyriausybės dalimi.

24. Jiminy

Žmonės, susipažinę su Pinokio personažu, turi žinoti apie Jiminy Cricket, ir būtent čia filmas gauna savo pavadinimą. Dabar „Pinokio“ istorija turi dvi versijas: originali niūri ir nerimą kelianti, o „Disney“ - prislopinta platesnei auditorijai. „Jiminy“ yra futuristinis naujo pasaulio vaizdavimas, kuriame žmonės turi į kriketą panašius valdymo žetonus, kurie suteikia jiems alternatyvą kiekvienai tobulumo užduočiai atlikti. Atrodo, kad mikroschemos ant paviršiaus yra labai naudingos ir palaikančios, kaip ir „Disney“ versija, tačiau eidami suvokiame, kokią kontrolę jie turi žmonių mąstysenai, paversdami juos psichiškai tuščia būsena savo deficitą.

23. Darthas Maulas: mokinys

Kai išgyvenau įvairius trumpametražius filmus, tai buvo vardas, kurio apskritai nebūčiau pasirinkęs per milijoną metų. Gerbėjas sukūrė „XXI amžiaus“ „Žvaigždžių karų“ filmą, iš jo galima tikėtis tik mažiausiai. Bet mane nustebino filmo kokybė ir, tiesą sakant, tai yra vienas geriausių gyvo veiksmo „Žvaigždžių karų“ kūrinių, kuriuos mačiau. Būdamas „Žvaigždžių karų“ gerbėju, aš niekinau elgesį su Darthu Maulu, kuris apsiribojo baisaus Anakino Skywalkerio vystymosi laipteliu. Čia mes galime pamatyti, kaip sumanus karys išauga į sitų valdovą, žudydamas tai, kas šiame procese panaši į miglotą Obi-van ir jo mokinių versiją. Kovos scenos yra labai gerai choreografuotos ir vykdomos vikriai, ko tikimasi iš žmonių, kurie paskyrė savo gyvenimą menui.

22. Kungo įniršis

Nežinau, kas mane atgaivino pažiūrėjus „Kung Fury“, duoklę, kurią ji moka 80-ųjų retro pramogoms savo grožine sintezuota atmosfera ar tuo, kad pagaliau radau „Hackerman“ memų šaltinį. Trumpas Deivido Sandbergo filmas įsivaizduoja fantazuotą ateitį ir taip pat parodijuoja panašius retro laikų filmus. Kungas Fury, mūsų herojų užklumpa žaibas, kuris paverčia jį nepralenkiamu kovos menų kariu, o po to tikėsite tik tuo įsitikinę. Filmą geriausia vaidinti 240p raiška, kad galėtumėte leisti apimti VHS nostalgijos, o jei to nepakanka, riteris Raitelis Davidas Hasselhoffas taip pat sukuria kameją.

21. Frankenweenie

Deja, stebėjau šią prieš XXI amžiaus Tim Burtono 30 minučių klasiką, sėdėjęs 90 minučių per „Corpse Bride“ išplėštą versiją. Tai buvo laikas, kai Burtonas neužpildė kiekvieno įmanomo ekrano colio su ekspresionizmo epochos įkvėpta palete. Šis trumpametražis filmas režisierių buvo atleistas, nes „Disney“ manė, kad jis netinkamas tikslinei jaunajai auditorijai. Tai veikia kaip šiuolaikinis Frankenšteino perdavimas su šunimi, kurį prikėlė jo širdį palaužęs jaunas draugas. Šuo buvo ištikimiausias žmogaus draugas, ir galima paklausti suaugusių žmonių, kiek jiems reiškia jų vaikystės augintiniai ir ar jie ką nors padarytų, kad tai išgelbėtų. Nors suaugę žmonės gali susitaikyti su mirtimi, tačiau vaikai negali ir tai suteikia labai tvirtą pagrindą filmo tikslui.

20. Nostalgistas

„Nostalgistas“ iš tikrųjų gali sukelti nostalgiją Steveno Spielbergo „A.I.“ gerbėjams. Dirbtinė žvalgyba “. Filmas vyksta distopiniame pasaulyje, kur žmonės gali naudoti modifikuotus skydelius, pateikiančius virtualią realybę. Filmas pristato tėvo ir sūnaus ryšį ir privertė mane susimąstyti, kaip terminas „tėvas-sūnus“ yra labai subjektyvus. Iš tikrųjų vienas gali mylėti ir rūpintis kitu kaip tėvas, o kitas gali atsiliepti pagarbai, kuri siejama su sūnumis. Nors tai yra 17 minučių, kartu su naujausiais mokslinės fantastikos filmais neatsižvelgiama į tai, kas laikoma „būtina sąlyga“ santykiuose.

19. Aš čia

Aš buvau vaikas, kai skaičiau Šelio Silversteino „Dovanojantį medį“ ir, nors ir susidūriau su įvairiomis jo versijomis, nė vienas nėra toks aukštas, kaip Spike Jonze trumpametražis filmas. „Aš čia“ žvaigždė Andrew Garfieldas yra robotas pasaulyje, kuriame su jais elgiamasi kaip su nepilnaverčiais, jie nėra „netinkamai naudojami“, bet į juos žiūrima kaip į keistuolius. Garfieldo Sheldonas yra intravertas, gyvenantis monotonišką gyvenimą, panašų į Teodorą iš „Jos“, kuris buvo sukurtas pagal tai. Sheldonas įsimyli beatodairišką robotą Francescą, kuris yra jo poliarinė priešingybė, ir filmas tyrinėja jo besąlygišką meilę jai. Skirtingai nuo istorijos, Francesca nėra savanaudė, ji galiausiai daro nekaltas klaidas, kurios porai kainuoja daug.

18. Elektroninis labirintas: THX 1138 4EB

Nors George'as Lucasas garsėja pradėjęs „Žvaigždžių karų“ franšizę, jo debiutinis vaidmuo „THX 1138“ išlieka geriausias jo darbas ir vienas geriausių visų laikų mokslinės fantastikos filmų. Be to, kad filmas buvo jaudinantis Orvelo pasaulio vaizdavimas, jis padėjo pradėti filmų kategoriją, kurioje mokslinis fantastika buvo sumaišyta su socialine satyra. „Elektroninis labirintas“ yra vaidmens pagrindas, ir Lucas jį sukūrė savo kino universiteto projektui. Nors dėl batų mažinimo biudžeto jai gali trūkti kokybės, Lucasas pateko į ribotus karinio jūrų laivyno kvartalus, todėl jaučiasi tarsi tolimo pasaulio projekcija.

17. Kelionė į mėnulį

Praėjo 115 metų, kai buvo atlikta kelionė į Mėnulį, skirkite šiek tiek laiko ir leiskite tam nugrimzti. George'as Meliesas kosmines keliones pavaizdavo 1902 m., Dešimtmečius anksčiau nei buvo pastatyta pirmoji raketa, galinti įveikti didelius atstumus, ir daugiau nei pusę šimtmetį, kol kas nors dar nesugalvojo tokio dizaino, kuris galėtų išsiųsti žmogų į kosmosą. Jei to nepakako, jis ekrane netgi pavaizdavo marsiečius, panašius į ateivius. Meliesas buvo tikras vizionierius, o jo kūryba rodo ankstyvą siurrealizmą ir magišką realizmą, o jo susižavėjimas geometrija beveik užhipnotizuoja. Jį galima įsigyti tiek nespalvotomis, tiek spalvotomis versijomis „YouTube“, ir aš patarčiau pirmiesiems, nes pastarieji jaučiasi pagrobti autentiškumo dėl amžino atkūrimo proceso.

16. Jetė

Hipotezavau situaciją, tarkime, Chrisas Markeris vieną dieną vaikystėje pamatė „La Jetee“ vietiniame teatre, o po daugelio metų, jei jis buvo išsiųstas į laiką ir suprato, kad jis yra kūrėjas, ar jis pakeis filmo būdą pagamintas? Girdėjau, kad jis negalėjo sau leisti vaizdo kameros, todėl pasirinko fotografuoti nuotraukas, kurios, manau, labai gerai sinchronizuojasi su laiko tėkmės staigumu iš veikėjo perspektyvos. Įdomu tai, kad pagal savo paties kūrybą jis negalėjo, nes kad ir koks miglotas ir metafizinis filmas būtų kelionė laiku, nuo dabarties tiesiog neišvengiama. Jūsų egzistavimo plotmė apsiriboja dabartimi, kuri tikriausiai yra vienintelis dalykas, nes svarbu tik todėl, kad tai gali jus paveikti. „La Jetee“ yra eksperimentinis, filme beveik nėra nieko tikroviško; prielaida, procesas, meilė, viskas yra tik apgaulės pratimas.

15. Aleksija

Pradedant nuo „Alexia“, argentiniečių trumpametražio su dominuojančia socialinės žiniasklaidos ir kibernetinio siaubo siužetu. Jame yra antgamtiškas įvykių pasakojimas, kuriame nėra tikrumo, tačiau trūkumai ištaisomi skiriant didelį dėmesį detalėms. Alexia buvo mergina, nusižudžiusi po to, kai jos vaikinas (pagrindinis) išsiskyrė su ja ir mes matome, kaip jis išgyvena jos profilį - kaltės ir meilės ženklą, kuris tikriausiai gyvena viduje. Pasikalbėjęs su savo dabartine mergina internete, jis nusprendžia susidraugauti su Alexia. Dėl to jo kompiuteris patenka į virvę ir pranešimai iš mirusios Alexia, įskaitant atvaizdą, nuplėštą iš „Ringu“.

Kamera ir redagavimas yra fenomenalūs, kai stambūs vaizdai fiksuoja visišką painiavą švino akyse ir vis didesnį nerimą per pirštus ir uždelstą žymeklio judesį. Kameros kampai ir perjungimas yra šiek tiek per daug, tačiau jie reikalauja reikiamo dėmesio ir sugeba sukurti gluminančią nuotaiką. Techniškai filmas yra labai garsus, o VFX, nepaisant savo biudžeto, neapgauna žiūrovų intelekto, vaiduoklis ir rainelės nušautas yra gražūs pasiekimai. Pasirodo, kad Alexia yra ne tik virusas, kuris sujaukia kompiuterį, o perspektyva pabaigoje kelia siaubą ir priverčia susimąstyti apie švino likimą. Scenarijus nėra puikus ir jis priklauso nuo bauginančių šuolių, tačiau tikrasis filmo poveikis pasireiškia tik tada, kai jį susiejate įprastesniu lygmeniu, galvodami apie tai nenukrypdami į antgamtinį aspektą.

14. Besišypsantis žmogus

'Besišypsantis žmogus' iškelia vaiką prieš velnią, o vaikas neturi jokių galių ar sugebėjimų, būdingų Holivudo brūkštelėjimui. Ne. Vaikas yra priverstas įveikti gryną blogį ir teroro gimimą, nes vaikystėje žodis „baimė“ apsiriboja vėlėmis ir raganomis, ir visa tai vyksta mirties viduryje. Neketinu aptarti siužeto, nes nėra jokio būdo sutelkti dėmesį į svarbius siužeto taškus per jo 7 minučių trukmės laiką, nes tai visiškai sugadintų patirtį.

Įsilaužimas yra įprasta siaubo filmų tema, o kai kurie iš jų išsiskiria tuo, kaip jie yra nufilmuoti. Nuo pat pradžių jums susidaro įspūdis apie antgamtinės jėgos buvimą, tačiau tai, ką atrandate, yra fizinis jos įsikūnijimas, o ne dujinis padaras ar nematomas buvimas. Kiekvienas knygos „Klounams“ triukas naudojamas vaikui privilioti į nelaimingiausią įvykį. Šis gydymas gali nekelti bauginimo, bet jus trikdo, o siaubo filmas veikia tik tada, kai jis užtrunka jūsų galvoje, kai baigsite tai. Šis filmas nėra skirtas nė vienam asmeniui, linkusiam įsitaisyti klounų kompanijoje.

13. Jis nuėmė man odą

Gėdinti būtų tik siaubas. Tai yra ta sąrašo dalis, kurioje mes paliksime nuvalkiotą įprastą siaubą ir sutelksime dėmesį į materijos sukeltą siaubą ir jo realistines savybes. 12 minučių trukmės trumpametražis filmas laikosi savo pavadinimo ir sutelkia dėmesį į vyrą, kuris nusimeta odą, kad įrodytų meilę savo merginai. Remdamasis fantastišku makiažu ir visiškai nenaudodamas CGI, pagrindinis veikėjas be odos yra žvilgsnis į akį (žiūrovų technikos ir emocijų požiūriu jo merginos, kuri negali išreikšti savo reakcijos į didžiulį grožį). Vaikinas be odos patenka į jūsų odą (skirtas kalambūras), tačiau tai pamažu ištuština poros sutikimas su situacija, kuri tikrai veikia kaip tamsi komedija. Toliau filme auga įtampa ir mada ima dėvėti palikdama visur jo pėdsakus, pėdsakus, kurių jie nenori jausti, nes jiems tai jau nepatinka.

Filmas yra puikus su nepriekaištingu rašymu, vaidyba ir fotoaparato darbu (keptos mėsos iš arti scena ir ilgas atspaudų šūvis visame namuose yra labai protingas) ir gali būti interpretuojamas kaip skaidrumo metafora. Nusiimdamas odą, švinas viską apnuogina ir lieka sąžiningas savo santykiams atsiversdamas, nors jo partneris neatsako. Pradžioje jie tampa vis artimesni tiesai, didinančiai savo ryšį, tačiau laikui bėgant pastebime savyje patenkinimą, nes jo partneris tik padeda išspręsti jo reikalus, bet niekada jo neseka, iki to momento, kai tarp jų yra akivaizdi įtampa, dėl kurios sukrečianti paskutinė scena.

12. Kanis

„Canis“ yra siaubo trumpalaikis trumpametražis filmas, sukamas aplink berniuką, įstrigusį namuose šunų apsuptyje, kuris būtų buvę puikūs augintiniai „Gyvų mirusiųjų nakties“ kamuoliams. Tai niūrus, draskantis širdį ir yra didelis NE žmonėms, kurie negali pakęsti smurto dėl neįsivaizduojamo goro tyrinėjimo, tačiau tai neturėtų leisti jūsų atitraukti nuo šedevro, koks jis yra. Ši aplinka jaučiasi postapokaliptine dėl išgyvenimo siužeto taškų, tokių kaip maisto išsaugojimas, civilizacijos griuvėsiai, žmogaus gimimas, siautėję gyvūnai ir išblėsęs vienspalvis.

Veikėjai buvo pagaminti iš vielos, audinio ir medžio ir atgaivinti (labai griežtas pareiškimas), naudojant stop judesio metodus, kuriuos atliko Anna Solanas ir Marcas Riba. Nepaisant nihilistinio tono, jo pabaiga teisingai klasifikuojama kaip pasaka, o „pasakos“ dalis yra tokia pat dominuojanti kaip žiupsnelis kraujo vandenyne. Ateinančio amžiaus istorija, kuri gautų „R!“ įvertinimas, susijęs su išžaginimu, rūšių disforija, mylimojo nužudymu, žmonių valgytojais ir nupjautomis kūno dalimis, tai yra ne tik filmas vaikams. Techniškai tai gali pagerinti tik pasirinkimas šiame sąraše su nepriekaištinga produkcijos ir garso dizaino detalėmis. Kiekvienas randas supjaustomas beprotišku beprotybės kiekiu ir vienu žvilgsniu galima perteikti istoriją.

Pereinantis prie siužeto, Teo išgyvena su savo šunimi ir senu vyru (kuris galbūt galėtų būti jo senelis) ir jam sunku susitaikyti su sunkumų padėtimi, kurioje jie yra įstrigę. Viskas pasikeičia, kai klaida veda prie jo globėjo mirtis laukinių šunų žandikauliuose, ir jis turi sustiprinti, kad apsaugotų jį ir savo šunį, nužudydamas įsibrovėjus. Jį išprievartauja moteris, kuri puošiasi šunimi, kad išgyventų ir turi valgyti šuns mėsą, o mes matome, kad jo šuo tampa vis neramesnis ir laukinis dėl sunkumų ir vienintelis dalykas, skiriantis jį ir kitus valgytojus yra vien išvaizda. Istorija vystosi į net groteskišką ir varginančią fazę, kuri pagaliau rodo Teo virsmo užbaigimą žmogumi, pasirengusiu priimti pasaulį.

11. FUCKKKYOUU

„FUCKKKYOUU“ yra nerimą keliantis siurrealistinis filmas ir liudija apie Lynchian siaubo įtaką. Nufotografuotas grūdėtos vienspalvės spalvos su neryškiomis vizijomis ir „Flying Lotus“ partitūra grojant „Eraserhead“ simfonijas, tai filmas, kuriuo Lynchas didžiuotųsi. Filmas prasideda orientacija, primenančia 30–40-ųjų siaubo brūkštelėjimus ir išniekintą būtybę, panašią į „Žmogų dramblį“. Man buvo sunku sukonstruoti teoriją, paaiškinančią įvykius, o mano smegenų ląsteles visiškai patraukė staigmenos elementas, ir aš turėjau remtis virtualiais šaltiniais. Filmas iš esmės sukasi apie humanoidą tvarinį, kuris kovoja su savo tapatybe ir lytimi, kai susiduria su atmetimu, vykstančiu keičiantis laikotarpiams, o praeitis yra tikrovės praradimas po to, kai ją pavertė injekcija, kuri mums buvo parodyta pradžioje.

Filmas alsuoja rėksmingu skausmu ir staugiančia neviltimi, be sielos muzika iš tikrųjų gali sutrikdyti bet kurio sveiko proto žmogų. Filmo pavadinimas yra vidinis pokštas ir jis pasirodė sesijos metu, kai „Flying Lotus“ atsitiktinai trukdė melodijas, o viena iš jų skambėjo kaip „F * ck you“. Tai taip pat gali būti interpretuojama kaip paskutinis mutavusios būties šauksmas, tinkamas atsakymas tiems augalams, kurie jį drasko. Netenkindamas žodžių, galiu tik paprašyti, kad jūs pats tai patikrintumėte, nes patirtis yra prikaustanti ir nors galų gale iš to nieko nepadarysite, tai išpūs jūsų smegenis. Priimk mano žodį!

10. Pjovimo akimirkos

„Pjovimo akimirkas“ būčiau įtraukęs į sąrašą šiek tiek aukščiau dėl labai nerimą keliančių vaizdų ir temos, tačiau „Didysis skutimas“, kuris buvo pagrindinis įkvėpimas tam, turėjo didesnę įtaką tuo metu, kai tik Peckinpah išdrįso naudoti raudona spalva daugiau nei buvo laikoma įprasta. „Pjovimo akimirkos“ sukasi apie amerikiečių šeimą, kuri iš išorės atrodo normali; vyras, jo žmona ir jų sūnus, tačiau kenčia nuo problemų, kurios kankina nemažą dalį Vakarų visuomenės šeimų, dėl kurių antraštės verčia drebėti.

Sarah ir Patrick gyvena užgniaužę emocijas ir pirmenybę teikia izoliacijai, o Patrickas visiškai neigia Sarah egzistavimą. Šaltis tarp jų yra tiek fiziniame, tiek emociniame lygmenyje, kai Patrickas nenuosekliai pristatyto įvykio metu nukrypsta nuo seksualinių potraukių savo sūnaus link. Sarah bando pasipuošti erotiniu būdu, kad įtiktų Patrikui, tačiau kai šis bandymas nepavyksta, tai daro ir jos protinis stabilumas. Visiškai suskaidyta būklė ji kaip kraštutinė priemonė įsitraukia į sunkų savęs žalojimą, po kurio įvykiai yra tiesiog neįsivaizduojami ir būtų darę tam tikrą įtaką Larso von Triero „Antrichistui“.

9. Didysis skutimasis

Pirmasis Martino Scorsese trumpametražis filmas yra puikus jo karjeros pratarmė. Susitvarkė su savo firminiu katalikišku ekstremistų nuodėmės potekstiu, fiziniu nusidėvėjimu ir vidine tikėjimo ir tikrovės kova, persidengiančia smurto, nuovokumo ir įtampos temomis. Visas filmas yra pastatytas vonios kambaryje ir jo 5 minučių trukmės „Didysis skutimasis“ apima vyrą, kuris du kartus putoja veidą, vieną kartą ketindamas atsikratyti veido plaukų, o kitą kartą - atsikratyti. pats. Tai eksperimentinė ir yra per daug iš arti padarytų kadrų, nei Scorsese paprastai naudotų, tačiau jis teisingai subalansuoja tiesioginį (veidrodinį) ir netiesioginį (skutimosi peiliuko) veiksmo vaizdą, suteikdamas jam tapatybę, kitokią nei prašmatnus hipių filmas. .

Dabar aptarsiu siužetą, nes jis veikia kaip metafora, paslėpta jo alternatyviame pavadinime „Viet 67“, parodytame baigiamųjų kreditų metu. Vietnamas „Viet 67“ yra nuoroda į Vietnamo karą, kuris buvo labai kritikuojamas tuo metu, kai šis buvo nušautas. Savęs žalojimas atspindi JAV destruktyvų įsitraukimą į karą, dėl kurio prarado 1 milijoną amerikiečių gyvybių, vyrų, kurie buvo normalūs žmonės, panašūs į auditoriją ir turintys minimalias žinias apie įvykius, su kuriais teko susidurti.

8. Sakramentinė melodrama

Visiškai šlykštus ir niekingas kino kūrinys. „Melodrama Sacramental“ yra 17 minučių trukmės Alejandro Jodorowsky to paties pavadinimo pjesės su jo teatro grupe „Panikos judėjimas“ įrašas. Grupę galima laikyti kultu, o jų motyvas buvo pasiekti tai, ką Bunuelis ir Dali padarė 20-ajame dešimtmetyje, šokiruodami auditoriją ir atgaivindami siurrealizmą, kuris tapo maža buržuazija. Jame pirmiausia vaidino motociklininku apsirengęs Jodorowsky ir buvo rodoma, kaip jis supjaustė gerkles dviem žąsims, priklijavo dvi gyvates prie krūtinės ir pats nusirengė bei išplakė. Tarp kitų scenų buvo nuogos moterys, padengtos medumi, nukryžiuota višta, inscenizuotas rabino nužudymas, milžiniška makštis, gyvų vėžlių mėtymas į auditoriją ir konservuoti abrikosai.

Užmaskuotas originalumas, šis trumpas apima žiaurų elgesį su gyvūnais ir seksualinę abstrakciją, tačiau, skirtingai nei Bunuelio kūriniai, jis būna toks žalias, jis nei sukrečia, nei skolina siurrealistinį patosą meno formai. Tai veikia kaip „Žmogaus šimtakojis“ ar „Serbų filmas“, norint panaudoti beprasmišką fizinį siaubą, kad nieko nepasiektume, ir tai labai pribloškiantis neįprastai nuostabios Jodorowsky vizijos, kuri buvo perteikta per „El Topo“ ir „Šventąjį kalną“, įrodymas. Man tai nepatinka, aš cituoju Ricką Blaine'ą „Jei pagalvojau apie tai, ko gero, norėčiau“.

7. Šeši vyrai serga, šešis kartus

Davidas Lynchas Pirmasis filmas, sukurtas iš 200 USD, buvo animacinis trumpametražis filmas, pelnęs memorialinį apdovanojimą savo kino mokyklos eksperimentinių tapybos ir skulptūrų konkurse. Filmas susideda iš animacinio paveikslo, kuriame vaizduojamos šešios dismorfiškos figūros, regurgituojančios iš eilės su sirenos kilpos garsu fone. Kritikai tai apibūdino kaip naudingą Lyncho pasakojimo prasmės paradigmą, daugelis nurodydami panašumus, kuriuos ji turi su „Eraserhead“.

Tikrasis siužetas (patogumo sumetimais) trunka minutę, kai figūrų būsena keičiasi, jų vidiniai organai tampa matomi, o skrandis prisipildo ryškiaspalvės medžiagos, kuri keliauja iki jų galvų ir sukelia vėmimą. , ir tai žaidžiama 4 kartus, kad būtų atsižvelgta į jos 4 minučių trukmę. Atkreipkite dėmesį į nenormalų pasirodymą, ketinimą pasibjaurėti (vemti), fizinio siaubo (vidinių organų vaizdavimas) naudojimą, klestinčią garso dizainą, buvusį jo ankstesniuose filmuose, ir juokingą dalį yra tai, kad kai kurie žiūrovai, žiūrėdami, gali jaustis blogi ar nesiorientuoti tai ir žmonės, kuriems viskas gerai, kad ir kaip tau juokauja, o tu atstovauji šešiems sergantiems žmonėms.

6. Meilė egzistuoja

Nors Maurice'as Pialatas ir yra kino teatro meistras, jis taip pat išvengė plačios reputacijos, kaip ir jau egzistuojančių kino taisyklių. Vis dėlto tie, kurie yra susipažinę su jo kūryba, įvertins, kokia jo įtaka daugybei šiuolaikinių filmų. Pialatą sunku priskirti bet kuriai konkrečiai kategorijai, nes jo filmai buvo įsišakniję tiek nesentimentaliame ir emociškai tankiame realizme, kad pasirodė formaliai. Vienas iš ankstyviausių jo darbų yra 20 minučių trukmės dokumentinis trumpametražis filmas „L’Amour Existe“, kuris yra jo komentaras apie miesto išsiplėtimą pokarinėje Prancūzijoje ir jo pagrindinį klasinį konfliktą. Jame sukurtas pasakojimas apie Paryžiaus raidos tikrovę, kai priemiesčiai nyksta apleistai, o Jean-Loup Reynold balsu. Pialatas su įmantria kantrybe pabrėžia, koks niūrus pokario gyvenimas buvo priemiesčiuose, kai reklama užvaldė tikrovę, o žmonės įsitraukė į materialistinį ir nuobodų gyvenimą.

„L’amour Existe“ taip pat atkreipia dėmesį į tai, kaip Paryžiaus vidurinė ir aukštesnioji klasė turi geresnį išsilavinimą ne tik akademiniu, bet ir kultūriniu požiūriu, o priemiesčio vaikams trūksta patekimo į teatrus ar koncertų sales. Pialatas naujus gyvenamuosius pastatus, kurie greitai atsirado, apibūdina kaip „koncentracijos stovyklas“ su mažais, horizontaliais langais, iš kur nėra į ką žiūrėti. Šis trumpametražis filmas pelnė apdovanojimus Venecijos kino festivalyje ir „Prix Lumieres“. Maurice'as Pialatas sukūrė daugybę puikių filmų, tokių kaip „A Nos Amours“ ir „Sous le Soleil de Satan“, kurie Kanuose laimėjo Auksinę palmės šakelę.

5. Cigaretės ir kava

Nors cigaretės ir kava buvo tik P.T. Andersonas Antrą kartą už kameros jokiu būdu nesijaučia mėgėjo darbu. Filmas beveik visiškai vyksta vakarienėje, o mes procedūriniu būdu esame supažindinti su penkiais personažais, jų istorijomis ir juos siejančiu 20 USD banknotu. Yra įtemptas ir jaudinantis vyras, kuris pasakoja savo istoriją, ieškodamas pagalbos iš labiau susikomponavusio seno draugo, kuris labai nori laukti, kol bus išpilstyta kava ir padegtos cigaretės, kitaip pokalbis neturės jokios realios prasmės. Kitoje būdelėje medaus mėnesį yra pora, kuri prarado visus pinigus po to, kai žmona viską išpūtė į lošimus. Po kurio laiko į valgyklą eina šešėlinis vyras, regis, nesusijęs su kitais. Tačiau kai 20 USD banknotas eina iš vieno iš veikėjų į kitus, mes sužinome, kad jie gali būti susiję vienas su kitu.

Šioje 23 minučių trumpa istorijoje užtenka filmo istorijos prieš jį ir dar po jo. Filme rodomas dialogas, kadravimas ir kameros darbas rodo, kad jį kuria tas, kuris tiksliai žino, ko nori. Ryškiausias šio filmo bruožas yra sekimo kadro naudojimas scenos pertraukoms. Vaidyba šiame filme taip pat ypač gera. Vėliau Andersonas pritaikė ir išplėtė šį trumpametražį pilnametražį vaidybinį filmą „Sunkus aštuonetas“ - tai jau kitas jo užsiėmimas.

4. Šešių šaulių

Martinas McDonaghas, režisavęs filmą „Briugė ir septyni psichopatai“, pirmiausia pradėjo nuo Airijoje sukurto 27 min. Juodo komedijos filmo „Šešių šaulių“ („Six Shooter“), kuris laimėjo „Oskarą“ ir yra vienas geriausiai žinomų trumpametražių filmų iš visų. laikas. Beveik stebina, kaip mirtimi ir asmeniniais nuostoliais apipintas filmas sugeba būti toks juokingas ir išraiškingas tuo pačiu metu. Trumpas yra labai gerai pagamintas ir protingas, todėl humoras jaučiasi ne tik amerikiečių, bet ir britų juodosios komedijos prekės ženklai. Tai seka senstančiam vyrui Donnelly, kuris ką tik prarado žmoną ir grįžęs iš ligoninės traukiniu atsiduria sėdėdamas su pašėlusiu paaugliu berniuku, kurio mama ką tik mirė. Šalia jų sėdi niūri pora, ką tik praradusi naujagimį.

Tačiau ši, atrodytų, niūri aplinka netrukus pasisuka tamsesniu posūkiu ir tuo pačiu metu viskas tampa nejaukiau ir juokingiau: paaiškėja žmogžudystės, savižudybės, mūšiai su policija, sprogstančios karvės ir žūsta augintiniai. Visiems, žinantiems kitus McDonagho filmus, nereikės papildomų priežasčių žiūrėti šį šedevrą. Tačiau šis filmas taip pat yra būtinas žiūrėjimas kiekvienam, kuriam patinka intelektualioji juodoji komedija, o tai reiškia tiesiog visus.

3. „Coette“ moteris

Tikriausiai pats produktyviausias iš visų „Naujosios bangos“ režisierių Jeanas-Lucas Godardas nuo 1950-ųjų kuria filmus tokiu pat išradingumu, kaip ir visada. Iki šiol jis režisavo daugiau nei šimtą filmų, įskaitant „Panieką“, „Breathless“ ir „Pašalinių grupę“. Tačiau režisieriaus kelionę Godardas pradėjo nuo mažiau žinomo trumpametražio filmo „Une Femme Coquette“ 1955 m. Remiantis Maupassant pasakojimu, 9 minučių nespalvotas trumpas filmas išteka už vedusios moters, kai ji staiga susigundo flirtuoti. nepažįstamas žmogus, pamatęs paleistuvę, iš lango virš gatvės grakščiai pritraukia akylus vyrus. Jai nepaprastai imponuoja grakštus būdas pritraukti nepažįstamus žmones - su atsaina, tačiau kviečiančia šypsena, kuri taip pat lengvai galėjo reikšti „Kokia graži diena!“.

Tai matydama, ji impulsyviai nusprendžia koketiškai nusišypsoti jau kitam pamatytam vyrui. „Une Femme Coquette“ primena kitus ankstyvuosius Godardo kūrinius - su nuotaikingu garso takeliu, kurį skatina artikuliuotas dialogas, plataus kampo kadrai ir šiek tiek greitas montažas. Manoma, kad filmas buvo prarastas ilgą laiką, kol jis pasirodė „YouTube“. Trumpame filme taip pat yra 24-erių Godardo epizodas, kuris turėtų būti pakankama priežastis sinefilams jį patikrinti. (Ziurek čia )

2. Tramvajus

Krzysztofas ​​Kieslowskis dar mokydamasis kino mokykloje padarė „Tramwaj“ - vieną geriausių trumpametražių filmų. Šiame 5 minučių trukmės filme mes stebime jauną žmogų žiemos naktį, kai jis lipa į tramvajų, kuriame pastebi vieną gražią merginą, sėdinčią. Jų akys susitinka, mergina iš pradžių atrodo nejauki, bet pamažu sušyla dėl jo buvimo, kai uždaro tramvajaus duris, matydama, kaip oras ją atvėsino, o tada pradėjo vaikiškai kramtyti cukraus kubelį. Bet dar nieko neįvykus, tramvajus pasiekia vyro stotelę ir jis ją pašalina. Jis nedelsdamas gailisi praleidęs tokią progą ir yra apimtas noro prieiti prie merginos, todėl bėga už tramvajaus, tikėdamasis ją pagauti. Pačioje pradžioje mes matėme vyrą, stovintį vieną klube, kuriame visi šoka, ir, atrodo, jam nėra gerai. Jam tikriausiai nelabai pasisekė su moterimis, todėl jis turėjo jausti sunkų dejonių jausmą ir todėl impulsyvų bėgimą.

Beveik kiekvienas naudotas asmuo bent kartą pajuto panašią šilumą, matydamas atsitiktinį svetimą žmogų, kitokį nei kiti, tokį patrauklų, kad mes norime juos pažinti. Tą patį keblią situaciją išsakė ir ponas Bernšteinas „Citizen Kane“, kai jis pasakoja, kaip vis dar prisimena mergaitę, kurią matė vos sekundę, kai buvo jaunas, kelte vilkėdama baltą suknelę. Be siužeto, trumpametražis yra įdomus dėl meistriško Kieslowskio meistriškumo už kameros ir jo didžiojo talento pasakoti. Nuo to laiko Kieslowski tapo vienu didžiausių kino teatrų pavadinimų ir sukūrė puikių kūrinių, tokių kaip „Dekalog“ ir „Trois Couleurs“ trilogija.

1. Andalūzijos šuo

Andalūzijos šuo yra veislė, kilusi iš Ispanijos, Luiso Bunuelio ir Salvadoro Dali, dviejų šio monumentalaus trumpametražio filmo kūrėjų, gimtinės. Pirėnų pusiasalyje yra urvų paveikslų, vaizduojančių šunis, labai panašius į šią veislę, ir, tiesą sakant, miglotos realybės elementas iš olų paveikslų yra vienintelis dalykas, kurį filmas pasiskolina iš andalūzų šuns egzistavimo. Nors siurrealistinis judėjimas jau prasidėjo 20-aisiais, jam nepavyko atkreipti viso pasaulio dėmesio ir Bunuelis-Dali to pasiekė šokiruodamas auditoriją vaizdais, kurie simbolizavo ne ką kita, o kūrybiškumo slopinimą.

Jau nuo pat atidarymo iš arti, kuriame dalyvauja pats Bunuelis, išpjaudamas moters akį su išsiliejusiu stikliniu humoru, maišant jūsų smegenis iki paskutinio mirusios poros, palaidotos paplūdimio smėlyje, vaizdo, filmas niekada nesumažina savo intensyvumo ir galėtų ginčytis dėl absurdiško scenų, padedančių tai sukelti, modelio, svarbu pastebėti, kaip jie išdėstyti taip, kad suteiktų jiems palankų tęstinumą. Kūno siaubo technika ir vaizdai daugumoje scenų buvo ištirti ir pritaikyti daugybėje kitų filmų, sukurtų svajonių ar siaubo temų pagrindu. Žymiausi pavyzdžiai yra „Oldboy“, „Spellbound“, „Quills“ ir „Poeto kraujas“. Nors begalė kritikų priėmė įvairias teorijas, kad paaiškintų filmo įvykius, jos apsiriboja žodžiu „teorija“, o Bunuelis juokiasi bet kokio tikėtino paaiškinimo.