15 puikių filmų be muzikinio balo

Prieš kurį laiką ilgai diskutavau su vienu savo draugu sinefilais dėl muzikos svarbos kine. Jis laikėsi nuomonės, kad muzika yra vienas iš svarbiausių kino elementų ir vaidina pagrindinį vaidmenį pasakojant. Nors visada vertinau puikią muziką filmuose, manau, kad filmas gali būti visiškai įtraukiantis be silpniausios melodijos. Pasakojimų galia pirmiausia priklauso nuo vizualinės estetikos ir personažų darbo, tačiau yra labai nedaug filmų kūrėjų, kurie pasinaudojo šiais aspektais, ir dažnai muzika tampa tik manipuliuojančia priemone, kad įtrauktų žiūrovus. Tai gali ir neveikti, priklausomai nuo to, kaip filmo kūrėjas jį naudoja ir kokiu mastu. Šiandien mes apžvelgiame geriausių filmų, kuriuose nėra muzikinio garso takelio ar fono partitūros, sąrašą.

15. Interjeras (1978)

Tamsi Woody Alleno šeimos drama buvo stulbinantis toninis poslinkis nuo ankstesnių „rom-com“ filmų, kurie įtvirtino jo, kaip kino kūrėjo, tapatybę. Stilius ir estetika yra labai Bergmano stiliaus, o Allenas sušvelnina savo garsųjį humorą, siekdamas patikimesnio, tamsesnio žmogaus būsenos tyrinėjimo. Filme nėra muzikos, tačiau Allenas emocijų svorį perima stulbinančiai valdydamas ir nepaprastai giliai. Jam trūksta kitų Woody Alleno kūrinių linksmumo ir veržlumo, tačiau vis dėlto tai yra patrauklus eksperimentas, kuris sugeba su tavimi suskambėti daugeliu lygių.

14. Virvė (1948)

Liūdnai pagarsėjęs Alfredo Hitchcocko eksperimentas iš pradžių netiko gerbėjams ir kritikams, tačiau sugebėjo rasti unikalią vietą tarp daugybės klasikų, kuriuos jis sukūrė per savo ilgą, vaisingą karjerą. ‘Ropė’ yra pats drąsiausias ir eksperimentiškiausias Hitchas, atsisakydamas muzikos - aspektas, dėl kurio jo filmai tapo tokie įtempti ir nepaprastai atmosferiški, ir pereina prie vizualiai įmantresnio pasakojimo stiliaus. Filmas vyksta realiuoju laiku ir yra suredaguotas taip, kad ilgieji vaizdai atrodytų kaip vienas nepertraukiamas kadras, kurio Hitchcockas iš pradžių norėjo. Tai sustiprina realizmo jausmą, skirtingai nei dauguma kitų jo kūrinių, kurie patyrė šį tam tikrą šoką, kuris šiek tiek atitolo jus nuo jo nustatymų realybės.

13. Už kalvų (2012)

Neabejotinai labiausiai nuvertintas darbas iš labai išskirtinio rumunų režisieriaus Cristiano Mungiu kūrybos „Už kalvų“ vaizduoja dviejų kartu užaugusių moterų santykius. Vienas vėliau persikels į Vokietiją ieškoti geresnio gyvenimo, o kitas taps vienuole stačiatikių bažnyčioje. Filmas, nufotografuotas tikra „Mungiu“ forma, atlikus dailų fotoaparato darbą ir patrauklų emocinį santūrumą, nenaudoja muzikinės partitūros, kuri puikiai derėtų su natūralistiniu pasakojimo tonu. Stebėkite jį dėl didžiulio emocinio gylio, intriguojančio realizmo ir išskirtinio meistriškumo.

12. M (1931)

Plačiai laikomas vienu didžiausių kada nors sukurtų filmų, „M“ pasakoja apie serijinio vaikų žudiko, kurio neliko, tyrimą. Nusikalstamas nusikalstamas pasaulis taip pat prisijungia prie policijos, kad atliktų tyrimą. Fritzas Langas padarė retai ką nors įprasto ir jis niekada nebuvo didžiausias muzikos naudojimo filmuose šalininkas. ‘M’ turi labai intriguojančią šiurpą keliančią atmosferą, kuri reiškia kylantį siaubą, nes Langas naudoja tylą, kad sustiprintų beprotišką scenų įtampą. Technika veikia puikiai, nes Langas sukuria nesenstantį kino šedevrą, kuris vis dar sugeba jus išgąsdinti ir išgąsdinti savo valdomu intensyvumu.

11. Šuns dienos popietė (1975)

Pirmą kartą, kai baigiau žiūrėti „Šuns dienos popietę“, nesupratau, kad mačiau 2 valandų trukmės filmą, kuris beveik visiškai pastatytas siautulingo banko viduje ir neturėjo jokio muzikinio balo. Štai koks puikus kniedijimas ir įtraukimas buvo šis Sidney Lumet perlas. Remiantis tikra istorija, „Šuns dienos popietė“ sukasi apie du vyrus, Sonny ir Salą, kurie įvykdė banko apiplėšimą, norėdami sumokėti už Sonny meilužio lyties keitimo operaciją. Muzikos trūkumas atneša autentiškumo ir tikroviškumo jausmą, kurio reikalauja tokia galinga ir tikroviška istorija kaip ši. Filmą tęsia Al Pacino genijus, kurį puikiai komplimentuoja pažeidžiamas Johnas Cazale'as.

10. Dvi dienos, viena naktis (2014)

Natūralistinis „Dardenne Brothers“ stilius kartais gali pasirodyti kaip emociškai sausas ir estetiškai niūrus, tačiau „Dvi dienos, viena naktis“ išlieka labai galinga, humanistinė drama, kuri parodo nepaprastą dueto valdymą personažų valdomais pasakojimais. Filme vaizduojama depresija sergančios moters, kuri grįžta į savo darbą, kova tik tam, kad suprastų, jog jos nebuvimas naudingas jos bendradarbiams, nes jie gauna premiją už viršvalandžius. Ji turi tik savaitgalį priversti kolegas atsisakyti premijų, kad galėtų grįžti į darbą. Filmas nenaudoja partitūros, tačiau kiekviena scena sukurta neįtikėtinai daug įtampos ir labai santūrios dramatiškos jėgos jausmo, kuris jus kruopščiai įtraukia į istoriją.

9. Žiemos šviesa (1963)

Ingmaras Bergmanas turėjo šį retą sugebėjimą pamerkti jus emocijose, kurios užvaldo jus labai giliu žmonijos jausmu, kuris kelia nerimą savo intymumu ir gaivina keistu grožiu. „Žiemos šviesa“ tyrinėja pažįstamas Bergmano egzistencializmo ir tikėjimo temas. Filme nėra jokios muzikos, nes Bergmanas sukuria labai niūrią atmosferą, atspindinčią pagrindinį veikėją kankinantį nerimą keliantį vakuumą. Filmas yra labai gilus tikėjimo ir kompleksinio žmogaus santykio su dievu ir Bergmanu tyrinėjimas, žinomas dėl savo vizualiai nevaržomo, emociškai išliejančio stiliaus, čia pritaikomas subtilesnis požiūris ir pasiekiamas paprastumo lygis, kuris vis tiek turi emociškai skambų poveikį.

8. Toli (2002)

Nuri Bilge Ceylano „Uzak“ blizgesys slypi tame, kaip Ceylanas tyrinėja kino vizualumą. Pasakojimas, kaip rodo pavadinimas, yra labai šaltas, tačiau būtent tai ir yra filmas. Tas emocinio atitrūkimo nuo žmonių ir mums artimiausių dalykų jausmas, kurį mes, kaip žmonės, išgyvename tam tikroje savo gyvenimo vietoje. Turint labai nedaug dialogų ir be muzikos, minimalistinis Ceylano stilius gali pasirodyti gana sudėtingas, bet ne taip, kai esate pasirengęs emociškai pasinerti į giliai kontempliatyvias jo sukurtas erdves.

7. Atsiskyrimas (2011)

Kodėl jums reikia balo, kai yra Asgharas Farhadi? Sąžiningai sakant, yra labai nedaug filmų kūrėjų, kurie galėtų jus palaikyti ant žalios, niokojančios žmonių dramų galios. Asgharo Farhadi „Atsiskyrimo“ blizgesys slypi ne istorijoje, o tame, ką ji su ja daro. „Atsiskyrimas“ gali atrodyti kaip tradicinė skyrybų drama, tačiau tai, kaip ji plėtoja istoriją, nulupa kiekvieną veikėjų sluoksnį ir abejoja jų morale, yra tik filmo kūrėjo, tokio kaip Farhadi, ištrauka. Filme nėra muzikos, tačiau kiekvienoje scenoje susikaupusi įtampa yra apčiuopiama, o tu pamiršti visa kita, visiškai įsitraukusią į filmą.

6. 4 mėnesiai, 3 savaitės ir 2 dienos (2007 m.)

Kraunanti Cristiano Mungu drama pasakoja apie moterį, kuri stengiasi surengti abortą savo draugui 80-ųjų komunistinėje draskomoje Rumunijoje. Įtampa kyla iš pirmosios scenos, kai sumanus Mungiu dėmesys jo veikėjams ir tam tikros griežtos, apskaičiuotos kameros išdėstymo galimybės patraukia jus tiesiai į filmą. Filmas neturi muzikinės partitūros ir Munigu naudoja tai, kad suteiktų filmui labai autentišką toną. Kiekviena scena sukurta stulbinančiai tobulai, o hiperrealistinis jausmas, kuriuo Mungiu užkrėtė filmą, kelia nerimą žodžiais. Tai yra tokia galinga ir emociškai neapdorota, kokia tik gali būti kinas.

5. Baltasis kaspinas (2009)

Didžiojo austrų autoriaus Michaelo Haneke darbas daugelį atbaido dėl šalto požiūrio ir baisaus pesimizmo. Tačiau daugelis jo personažų, nepaisant to, kad jie yra tiesiai blogi ir nemalonūs, yra labai sluoksniuoti ir emocingi viduje. Jo 2009 m. „Palme D’Or“ laureatas „Baltas kaspinas“ yra bene filosofiškai ambicingiausias ir teminiu požiūriu sunkiausias iki šiol atliktas darbas. Jame vaizduojami kaime 20-ojo amžiaus pradžios Vokietijoje gyvenančių žmonių gyvenimai. Kinematografija yra išskirtinė ir nufotografuota nuostabiai juoda ir balta, o tai sukuria labai autentišką filmo atmosferą, nes Haneke sukuria daug mintį keliantį meno kūrinį, kuris jus persekioja dar ilgai po to, kai bus išleisti kreditai.

4. Kartą Anatolijoje (2011)

Turkų autorius Nuri Bilge Ceylanas neabejotinai yra vienas geriausių kino režisierių, dirbančių kine. Ceylanas pasižymi Abbaso Kiarostami paprastumu, Andrejaus Tarkovskio poetine elegancija ir Theo Angelopouloso žmonija. „Kadaise Anatolijoje“ yra išskirtinis šių elementų mišinys, nes Ceilanas kuria vieną iš mieliausių, hipnotizuojančių kino šedevrų. „Kartą Anatolijoje“ nenaudojama partitūra, o naudojami gamtos garsai, leidžiantys mums įkvėpti tarpus tarp veikėjų. Muzikos trūkumas puikiai atspindi tikrovišką filmo aplinką ir subtiliai melancholišką filmo toną, nes Ceylanas kviečia jus būti jo pasaulio dalimi. Tai nepaprastai gili patirtis, kuri jus nustebina dėl filmo, kuris ateinančiais metais taps vienu iš visų laikų kino didžiųjų, žmogiškumu.

3. Apie Elly (2009)

Asgharo Farhadi varginanti paslapties drama jus įtraukia, palaiko ant savo vietų krašto ir niokoja be silpniausių melodijų. Jūros garsas sukuria neapsakomo teroro jausmą, kuris per trumpą laiką apima filmą. Įkvėptas klasikinės Michelangelo Antonioni paslaptingos dramos „L’Avventura“, Farhadi naudoja paslaptingą filmo elementą tamsiems žmogaus prigimties aspektams tyrinėti. Ieškodami tiesos, veikėjai atsiskleidžia apie save, nes filmas tampa labiau apie jo veikėjus, o ne apie pačią paslaptį. „Apie Elly“ yra pražūtinga patirtis, kuri vėl sugrįžtų.

2. Vėjas mus neš (1999)

Vienas iš daugelio šedevrų, kurį Abbasas Kiarostami sukūrė per ilgą, tačiau taip trumpą savo karjerą, „Vėjas mus neš“, yra gili neapdorotos, žavingos žmonijos kino paroda. Minimalistiniu siužetu seka žurnalistų grupė, atvykstanti į kurdų kaimą pademonstruoti senos moters mirties, „Kiarostami“ sukuria tikrai išlaisvinantį meno kūrinį, peržengiantį įprastumo ribas. Kiarostami atsisako naudoti tradicinę muzikinę partitūrą, nes tai leidžia pajusti, kad esi perkeltas į nuostabų jo sukurtą pasaulį, alsuojantį gražiais peizažais, kurie vaidina tiek pat reikšmingą vaidmenį, kaip ir filmo istorija ir veikėjai.

1. Talpykla (2005)

Michaelo Haneke'o akmeninis šaltas šedevras yra filmas, kuris įgauna trilerio pavidalą, tačiau gerokai viršija tai, ką žanras kada nors galėtų turėti. Rogerio Eberto apibūdinamas kaip įtaigus psichologinis trileris, „Cache“ sutelkia dėmesį į porą, kurią terorizuoja anoniminių vaizdo juostų serija, pristatyta prie jų slenksčio. Filmo įtampa nesprogsta, tačiau tai, ką čia daro Haneke, iš tikrųjų peržengia tradicinio vieneto brūkštelėjimą. Filmas neturi balų, o didžiąją filmo dalį sudaro dviprasmiški kadrai, neturintys aiškios perspektyvos kiekvienai scenai. „Talpykla“ iš naujo apibrėžia kiną ir pasakojimą taip, kaip vargu ar galėjai įsivaizduoti.