100 geriausių visų laikų filmų

Alejandro Jodorowsky Prullansky, garsus Čilės ir prancūzų kino režisierius, poetas, dramaturgas ir muzikos kompozitorius, kartą pasakė: Visada maniau, kad iš visų menų kinas yra pats tobuliausias menas. Aš sutinku. Daugeliu atžvilgių kinas iš tikrųjų yra visų kitų svarbių meno formų: tapybos, rašymo ir muzikos derinys. Neatsitiktinai kinas taip pat yra moderniausia meno forma. Juk kitų meno formų evoliucija buvo būtina, kad kinas atsirastų. Tai, kad ji išlieka populiariausia meno forma beveik nuo pat atsiradimo momento, parodo ir jos stiprybę, ir silpnybę: ji lengvai prieinama, todėl labiau komercializuojama.

Turėdamas tai omenyje, džiaugiuosi galėdamas jums pristatyti „The Cinemaholic's“ sąrašą 100 geriausių visų laikų filmų . Prieš pradėdami tyrinėti mūsų 100 geriausių kada nors sukurtų filmų sąrašą, dar kartą priminkime, kad sąrašai pagal savo pobūdį niekada nėra tobuli. Taigi, mes nepretenduojame į tai, kad tai yra Šventasis Gralis absoliučiai geriausių pasaulio filmų sąraše. Tačiau galiu jus užtikrinti, kad šis sąrašas buvo atliktas daugybe tyrimų. Buvo svarstomi tūkstančiai filmų pavadinimų ir diskutuota apie kiekvieną galutinį pasirinkimą. Esu tikras, kad sąraše trūks daugelio mėgstamų filmų. Trūksta ir daugelio mano mėgstamiausių! Tačiau užuot tuo nusivylę, pasinaudokite proga ir pamatysite filmus, kurių nesate matę. Kas žino, galbūt atrasite savo naują (-us) mėgstamiausią (-us)!

100. Šerbūro skėčiai (1964)

Jacques'as Demy nuspalvina savo romantišką operą švelniu, nepaprastu rafinuotumu, kuris atrodo šiek tiek hipsteriškas. Tačiau ši spalva yra ne tik ant sienų, drabužių ir skėčių. Tai taip pat ant jaunos merginos skruostų, kurių neįmanoma įsimylėti, kai ji kerta gatvę pasveikinti savo mylimojo ir jo nebuvimą, kai matome tą veidą šydu, jauną merginą, kuri dabar yra kažkieno nuotaka. Taip pat yra spalvų, kaip žmonės kalba, o tiksliau – dainuoja vieni kitiems. Tačiau jų lyriški pokalbiai nėra rimuoti kaip daugumos dainų. Kai viskas, pradedant meilės profesijomis ir baigiant rūpesčiu dėl pinigų, yra apipinta neatskiriama aistra, jums nebūtų labai naudinga eiti į eilę ar priežastį. Nors filmas ir visi jo melodiniai apreiškimai, sustiprinti nežemiškos Michelio Legrand muzikos, yra širdį draskantys romantiški, visi mūsų veikėjų sprendimai, kaip ir viskas gyvenime, tikrai ne tokie.

Taip nuobodžiai žinomam siužetui, matant jį nesuskaičiuojamų pop dainų ir muilo operų pagrindu, kiekvienas melancholijos trykštantis „Šerbūro skėčių“ kadras yra viliojančiai šviežias, net nepažįstamas. Galite tai priskirti nuo emocijų nuoširdumo ir nuoširdumo. „Skėčiai“, veikiantys tokiu kukliu mastu, sugadina jus mažiausiais atspindžiais. Buvau priblokštas, kokį didelį poveikį gali turėti dvi tuščios kėdės, kurias kažkada užpildė du įsimylėjėliai. Demy gamintame delikatese žygiuojame į karnavalus, nusėtus juostelėmis ir konfeti, puošiame Kalėdų eglutes ir dovanojame vieni kitiems dovanas, visus savo jausmus sukišę kažkur į širdies kampelius, nes kad ir kaip sunku būtų ištverti kieno nors nebuvimą ar praeitis yra pamiršti, viskas, ką galime padaryti, tai gyventi šiandienos fantazijomis.

99. Trainspotting (1996)

Šiek tiek sunku paaiškinti tokiems sinefilams kaip mes patys apie „Trainspotting“ fanatizmą. Tai atėjo maždaug tuo metu, kai narkotikų realybė dar tik pradėjo skęsti. Galima sakyti, kad jis žavėjo piktnaudžiavimą narkotikais ir tam tikru mastu tai tiesa. Faktas, kuris išėjo iš to, buvo Danny Boyle'o bandymas parodyti piktnaudžiavimo narkotikais aukštumas ir žemumas, nepaisant jokios pusės. „Trainspotting“ yra kultinis filmas, pasakojantis apie keturis draugus ir jų susidūrimą su priklausomybe. Piktinantis ir keistas yra vieninteliai du žodžiai, apibūdinantys tai. Narkomanas, kuris nori būti švarus, tik susvyruoti kiekviename žingsnyje dėl didžiausio potraukio pakilti. Dosniai perdozuotas humoro, filme bandoma visiškai rimtai pabrėžti faktą: nepaisant gyvenimo siūlomos prabangos, jaunimas jas neigia labai apgailėtinai. O priežastys? Priežasčių nėra. Kam reikia priežasčių, kai turite heroino?

98. Absolventas (1967)

Ak, jaunystės dienos! Nerūpestingas ir džiaugsmingas. Pramogos, kupinos nieko nerimauti. Nesirūpinkite praeitimi, kuri buvo palikta, ir nesirūpinkite ateitimi, kuri dar ateis. Baigęs koledžą, Benjaminas Braddockas gyveno nerūpestingai. Ir kai pagaliau grįžo į gimtąjį miestą, ten sutiko ponią Robinson. Pradeda degti romano liepsna. Gyvenimas pasisuka keblia linkme, kai jaunasis Benas seksą laiko draugyste. Kai jis įsimyli jos dukterį, jis tampa labai slogus. Komedijos rūbais verčiantis susimąstyti filmas „Absolventas“ yra vienas juokingiausių kada nors matytų filmų. Vaidina Dustinas Hoffmanas, jame yra ikoninė eilutė – „Ponia Robinson, ar bandote mane suvilioti?“

97. Dvigubas Veronikos gyvenimas (1991)

Turbūt joks kitas režisierius nesuprato moterų iki tokių gilių emocinių gelmių, kaip Krzysztofas ​​Kieslowskis. Vyras juos tiesiog mylėjo ir rodė tai su tokia aistra ir intymumu, kad negalite nesižavėti jų neapdorota emocine galia. „Dvigubas Veronikos gyvenimas“ gali būti tiesiog didžiausias jo meninis pasiekimas. Filmas yra apie moterį, kuri pradeda jausti, kad ji nėra viena ir kad kažkur pasaulyje jos dalis gyvena kitoje sieloje. Veronique ir Weronika yra dvi identiškos moterys, kurios viena kitos nepažįsta, tačiau jas sieja paslaptingai intymus emocinis ryšys. Labai stilizuota Slawomir Idziak kinematografija nuspalvina filmą švelniai melancholišku jausmu, kuris apgaubia ir nepaleidžia. Yra jausmų ir emocijų, kurias mums tikrai sunku išreikšti žodžiais, o filmas suteikia gyvybės tiems nepaaiškinamiems mąslaus liūdesio ir vienatvės jausmams. „Dvigubas Veronikos gyvenimas“ yra stulbinantis meno kūrinys, vaizduojantis žmogaus sielą visomis gražiomis silpnybėmis ir švelnumu.

96. „Cinema Paradiso“ (1988 m.)

Daugelis žmonių kiną laiko pasimėgavimu, laisvalaikio veikla, pramoga, kuri neturi jokios reikšmės gyvenime. Tačiau aš, kai karštai mane palaiko karštai sinefilų armija, galiu su visišku įsitikinimu teigti, kad kinas gyvenimui reikalingas taip pat, kaip gyvenimas kinui. O „Cinema Paradiso“ yra gražus, jei ir ironiškas, būdas išreikšti savo nuomonę. Sėkmingas kino režisierius Salvatore'as vieną dieną grįžta namo ir sužinojo, kad Alfredo mirė, o po to jis sugrįžta į savo gimtąjį miestą šeštojo dešimtmečio Sicilijoje. Jaunas ir išdykęs Salvatore'as (slapyvardžiu Toto) atranda ilgalaikę meilę filmams, o tai atvilioja jį į kaimo kino teatrą Cinema Paradiso, kur Alfredo yra projekcininkas. Susižavėjęs berniuku, senas vaikas tampa jam tėviška figūra, nes jis kruopščiai moko Toto įgūdžių, kurie būtų atspirties taškas į jo filmų kūrimo sėkmę.

Stebėti, kaip Toto ir Alfredo su pagarba diskutuoja apie kiną, ir pamatyti, kaip Alfredo per klasikines filmų citatas duoda gyvenimo patarimų, yra didžiulis džiaugsmas. Per Toto pilnametystės istoriją „Cinema Paradiso“ atskleidžia pokyčius italų kine ir mirštančią tradicinio filmų kūrimo, montažo ir ekranizavimo amatą, tyrinėjant jauno berniuko svajonę palikti savo mažą miestelį ir pasinerti į išorinį pasaulį. Vienas geriausių kada nors buvusių „filmų apie filmus“.

95. „One Flew Over the Cuckoo’s Nest“ (1975 m.)

Viena iš tų retų kino potyrių, priverčiančių pajusti daugybę emocijų vienu metu. Iš dalies tai juokinga, vienus pakelia nuotaiką, o kitus tiesiog sudrebina širdį. Tai taip pat vienas iš kitų retų supaprastinto, veiksmingo pasakojimo žygdarbių, pasakojančių apie Randle'ą McMurphy, nusikaltėlį, kuris, tikėdamasis išvengti kalėjimo, apsimetinėja esąs psichikos ligonis ir neprisipažįsta esąs kaltas dėl pamišimo. Atvykęs į psichiatrinę ligoninę, jis sukyla prieš autoritarinę slaugę Ratched (vaidina plieninė Louise Fletcher) pagal klasikinį tvarkos prieš chaosą scenarijų. Filmas įrodo, kad iš tiesų nėra nieko geresnio, kuris vaidintų stulbinančius ir žavingus personažus nei pats Jackas Nicholsonas, atnešdamas jam pelnytą „Oskarą“ už pasirodymą filme. Tai, kas prasideda kaip ilgalaikis ir širdį glostantis filmas, po nerimą keliančių scenų, susijusių su savižudybe ir pacientų elektrokonvulsine terapija, baigiasi tragiška, nors ir viltinga. Tačiau filmas niekada nepraleidžia žiūrovo dėmesio ir patoso veikėjams ekrane, sukeldamas tikrą emociją ir žmogaus dvasios džiaugsmą, kuris sklinda net ir nepatenkinto autoriteto akivaizdoje.

94. Pyaasa (1957)

„Pyaasa“, kupina socialinių pokyčių idėjų ir aštrių komentarų apie visuomenėje vyraujančią piktybiškumą ir stigmas, ne tik įkūnijo Indijos kino aukso amžių, bet ir buvo pačios Indijos buržuazijos atspindys. Tai filmas, pasižymintis subtilia savybe apie save, kur visos įžūlios tiesos ir atšiauri visuomenės tikrovė kunkuliuoja po paviršiumi ir laukia, kol ją ištirs ir ekstrapoliuos dėmesinga publika. „Pyaasa“ yra nesenstanti klasika ne be reikalo. Net ir praėjus 60 metų nuo jo išleidimo, jis išlieka aktualus šiais laikais, nes Indiją ir toliau kamuoja tie patys visuomenės prakeiksmai – korupcija, misoginija, materializmas – į kuriuos „Pyaasa“ tiesiogiai ar netiesiogiai kreipiasi.

93. Šiuolaikiniai laikai (1936)

„Šiuolaikiniai laikai“ yra humoristinis filmas su galinga žinute. Šiame paveiksle, kuriam būdingos Čaplino vilties ir skurdo temos, pagrindinis dėmesys skiriamas mašinų ir kitų technologijų pažangos neigiamam poveikiui paprastiems žmonėms, atkreipiant dėmesį į gamyklos darbuotoją, kurio gyvenimas patiria daugybę vingių, kai jis bando susitvarkyti su nauju pasauliu. Nors taškas yra iki ašarų juokingas, visa tai yra liūdesio inde. „Modern Times“ naudoja protingus, subtilius elementus, kad retkarčiais užduotų svarbius filosofinius klausimus. Kulminacija yra viena labiausiai jaudinančių, apimanti liūdną laimės formą ir jokio tikro atsakymo ar sprendimo. Šis filmas gali būti geriausiai parašytas Chaplino darbas, ir stebėtina, kokios čia pateiktos idėjos yra aktualios ir šiandien. Neabejotinai atlaikęs laiko išbandymą, „Modern Times“ kelias, kuriuo eina dalytis savo mintimis, tikriausiai yra geriausias šio kino triumfo aspektas.

92. „Plona raudona linija“ (1998)

Terrence'o Malicko sugrįžimas į filmų kūrimą po 20 metų pertraukos buvo pažymėtas šia nuostabiai stulbinančia karo drama, kurioje nagrinėjamas ne karas, o kovos karas emocijos. Filmas iš tikrųjų yra malickiškas, daugiau dėmesio skiriama vizualizacijai, o ne istorijai, todėl galite pasinerti į jo patirtį. Filmo genialumas slypi Malicko vizijoje įžvelgti grožį tokiame tamsiame ir kruviniame kaip karas. Reikia absoliutaus genialumo, kad ką nors žiauraus ir kruvino kaip karas paverstų tokia hipnotizuojančia patirtimi, kuri peržengia karo realijas ir leidžia įsijausti į jo veikėjų emocijas. Tai tokia įtraukianti patirtis, kuri reikalauja pajusti žmones, esančius už ginklų ir bombų. Tai nusiaubtos sielos, kaip ir mes, trokštančios subtilaus prisilietimo, pasigendančios meilužių ir žmonų kvėpavimo šilumos, o turinčios susidoroti su bjauriausia realybe, kuri yra toli nuo jų. „The Thin Red Line“ yra tiesiog nepakartojama patirtis; tą, kurį reikia pamatyti, pajusti ir apmąstyti.

91. Ašmenų bėgikas (1982)

Paskutinis Ridley Scotto filmo „Bėgantis ašmenimis“ pjūvis, manau, yra geriausias kada nors sukurtas distopinis filmas. Nors Metropolis yra ginčytinas pasirinkimas, reikia stebėti neautentiškus vaizdus, ​​​​susijusius su vokiečių ekspresionistiniu kinu. Kita vertus, „Blade Runner“ yra daugiau nei tobula kuriant pasaulį, kenčiantį nuo finansinės nelygybės, gyventojų bumo, natūralaus trūkumo, nes čia negalima pasitikėti net kūnu. Blizgantis apšvietimas yra kontekstualiai natūralus, nes tai elektroninis pasaulis, o Jordanas Cronenwethas jį naudoja panašiai kaip kasdienius šviečiančius objektus film noir. Nors tai gali nekelti tokių plataus užmojo klausimų kaip „Kosminė odisėja“, tačiau verčia susimąstyti, ar androidai tikrai svajoja apie elektrines avis.

90. Fargo (1996)

Smurtas, juokingas, šiltas ir žiauriai intensyvus „Fargo“ yra vienas geriausių 90-ųjų Amerikos filmų ir viena didžiausių kada nors sukurtų kriminalinių dramų. Filmas pasakoja apie vyrą, kuris pasamdo du vyrus, kad pagrobtų jo žmoną ir išviliotų pinigus iš turtingo uošvio. Puikus brolių Coenų tamsaus humoro panaudojimas persmelkia filmą šilumos, suteikiančios filmui labai savito atspalvio. Būtent dėl ​​šio meistriško komedijos, dramos ir smurto derinio „Fargo“ yra tokia įsimintina kino patirtis. Šis nuostabus sniego pilnos Minesotos pradžios kadras, puikiai papildytas slegiančiomis balomis, nustato filmo toną ir sukuria gilaus liūdesio jausmą, slypintį po filmo smurtu ir humoru. Frances McDormand neabejotinai yra filmo žvaigždė ir vagia serialą, vaizduodamas nėščią policijos viršininką, pakliuvusį į blogio ir žiaurumo pasaulį, bet sugebančią rasti šviesos ir vilties. „Fargo“ yra emociškai neapdorotas, žiauriai intensyvus, žaviai juokingas ir skausmingai tikroviškas gryno prikaustančio kino kūrinys.

89. Trintukas (1977)

„Eraserhead“ yra vadovėlio kūrinys apie atmosferinį siaubą. Šis filmas, pasakojantis istoriją apie keistų plaukų vyrą, kuris bando pats sukurti savotišką šeimą, su kiekviena minute virsta siurrealisčiu košmaru. Naudojant garsą ir stambius planus klaustrofobinei baimei pajusti ir tai suderinus su siužetu, kuris iš pirmo žvilgsnio mažai prasmingas, Davido Lyncho debiutas pasirodė esąs vienas geriausių pagrindinio režisieriaus, o tai jau savaime yra didelis pagyrimas. „Eraserhead“ sukuria distopinį pasaulį, aptaškytą bjauriais pastatais ir mechaniniais įtaisais, paskendusiais žiauriai juodai baltai, ir į jį įtraukia personažus, kuriuos daugiau ar mažiau supainioja aplinka. Nors suprasti šio paveikslo prasmę beveik neįmanoma, reikia suprasti, kad tai niekada neketinama. „Eraserhead“ sukuria visiško diskomforto jausmą savo auditorijai, naudodamasi vaizdiniais ir siurrealistiniais stiliais, ir randa būdą manipuliuoti jų mintimis. Tik kelios nuotraukos yra tokios gražios struktūros, bet neabejotinai grėsmingos kaip ši, ir tai gali padaryti tik toks žmogus kaip Lynchas.

88. Vaikystė (2014 m.)

„Boyhood“ yra malonus priminimas apie praėjusius nesutramdomo džiaugsmo, nepajudinamo optimizmo ir kunkuliuojančio nekaltumo metus. Jis remiasi grožiu, džiaugsmu ir emocijomis iš įprasto žmonių gyvenimo, o ne iš kokio nors padidinto dramos veiksmo (daugumoje filmų – duona ir sviestas). Žavu matyti, kaip nuo scenos iki scenos keičiasi ne tik veikėjų fiziškumas, bet ir pastebima jų mados, šukuosenos, muzikos skonio ir apskritai požiūrio į gyvenimą transformacija. „Vaikystė“, kaip tik nedaugelis filmų, peržengia kino ribas ir tampa mažyte mūsų pačių egzistencijos ir patirties dalimi. Linklateris dar kartą primena, kodėl jis yra geriausias versle, kai reikia pasakoti paprastas istorijas apie paprastus žmones.

87. Dangaus dienos (1978)

Terrence'o Malicko evoliucija iki visiškai kontroliuojamo, autoritetingo kino vizionieriaus yra vienas didžiausių dalykų, kada nors nutikusių Amerikos kinui. Iš ankstyvųjų jo darbų aišku, kad jis labai norėjo iššokti iš įprastų kino ribų. Tokie filmai kaip „Badlands“ ir „Days of Heaven“ turėjo iš pažiūros tiesioginius pasakojimus, tačiau tai buvo filmai, kurie bandė būti kažkuo daugiau. Kažkas daugiau nei tik istorija. Patirtis. „Days of Heaven“ tai pasiekia nuostabiau nei „Badlands“. Daugelis žmonių dažnai kritikuoja filmą dėl silpno siužeto. Negalėčiau sakyti, kad jie visiškai neteisingi, bet istorija vis tiek nėra svarbiausias filmo aspektas. Malickas čia naudojasi kino vizualumu, kuris pabrėžia istorijos nuotaiką, o ne pačią istoriją. Jo ketinimai nėra priversti jus sujaudinti, pasinaudojant veikėjų padėtimi, o leisti jums juos stebėti, pajusti kraštovaizdžio grožį ir vietos kvapą. O sukurti tokią viscerališkai jaudinančią patirtį yra ne kas kita, kaip stebuklas.

86. „Fireflies kapas“ (1988)

Įspūdingas, jaudinantis filmas, kuris prilygsta visais atžvilgiais, o kiti gyvo veiksmo filmai pabrėžia karo grobį. Šis japonų animacinis filmas, kuriame pagrindinis dėmesys buvo skiriamas Antrojo pasaulinio karo siaubams, daugiausia dėmesio skiriant brolių ir seserų gyvenimams, sudaužė mano širdį taip, kaip nebuvo pavykę jokiam kitam filmui, ir vis tiek trypė gabalais iki pat pabaigos. Būdamas karo filmas, jis taip pat daro stebuklus žmogaus fronte, gražiai suvokdamas ir plėtodamas švelnius Seitos ir Setsuko santykius Antrojo pasaulinio karo negandų akivaizdoje. Pranešimas yra garsus ir aiškus. Joks karas tikrai nėra laimėtas, o visą šlovę, susijusią su pergalėmis, taip pat lydi kare sunaikintų nekaltų gyvybių aimanos. Norėčiau pagirti filmą už tai, kad jis nėra atvirai emociškai manipuliuojantis priversdamas mus įsitvirtinti jo personažuose; bet nesuklyskite, jo galingas ir bekompromisis požiūris į karą ir brolių ir seserų poros išgyvenimus pavers jus verkiančia netvarka. Tai TAIP liūdna. Tai pasakius, kitaip aš to neturėčiau. Tai tobulumas, labiausiai širdį draskantis pavidalas.

85. Manhetenas (1979 m.)

Romantika Woody'io Alleno filmuose visada buvo skausmingai tikroviška ir slegiančiai tikroviška, nepaisant skoningai aštraus humoro jausmo, kuriuo jis juos apgaubia. Nors „Annie Hall“ išlieka drąsiausias jo filmas, „Manhetenas“ meniniu požiūriu atrodo labiau subrendęs kūrinys. Filme Allenas vaidina nuobodžiaujantį, sutrikusį niujorkietį, neseniai išsiskyrusį, susitikinėjantį su vidurinės mokyklos mergina, bet galiausiai įsimyli savo geriausio bičiulio meilužę. Allenas šiek tiek sušvelnino šio filmo humorą, kad iš tikrųjų pajustume liūdesį, apimantį jo veikėjus, todėl tai yra tokia emociškai sekinanti patirtis. Tai tiesiog labai aštrus šlykščių santykių ir ydingų žmonių, kovojančių su savimi ir savo egzistavimu, beviltiškai ieškančių laimės, kurios niekada neatpažintų ir nepasieks, portretas. Ir būtent dėl ​​šio saldžiai subtilaus, aštraus žmogaus būklės suvokimo „Manhatanas“ yra toks galingas filmas.

84. Marketa Lazarova (1967)

Čekijos ikonos Františeko Vláčilo nekūniškas sapnų peizažas Marketa Lazarová yra tiesiog vienas neįtikimiausių meno kūrinių iš 20-ies.^thŠimtmetis. Jo avangardinis požiūris į kino kalbą vos atitinka to dažnai smerktino posūkio ribas, nes tai yra kažkas daugiau. Stulbinantis vaizdo ir garso susiliejimas, nepažabotas susitarimų, struktūros ar bet kokių rašytinių taisyklių, siautulingi kino mokslininkai bėgant metams pliaukštelėjo ant filmo formos. Palyginimui, visa kita atrodo taip griežtai kontroliuojama – taip nenatūralu ir išgalvota. Marketa Lazarová yra neapdorota, viscerališka ir stulbinančiai dinamiška. Trumpai: tai Laisvas – tikra galimybių viršūnė tyrinėti kiekvieną kinematografinę terpę. Dėl to jis yra vienas geriausių kada nors sukurtų filmų.

83. Singin’ In The Rain (1952 m.)

„Singin’ In The Rain“ yra labiausiai apibrėžiantis Holivudo aukso amžiaus miuziklas. Neįmanoma pamiršti Gene Kelly, šokančio prie gatvės žibinto, vaizdo, kai kalbame apie spindinčias akimirkas kine. Filmas ne tik nuostabiai švenčia savo meistriškumą, bet ir kino perėjimą iš vaizdinės terpės į rezonuojančią ir stimuliuojančią. Kelly režisūrinis darbas – didžiulis pasiekimas kino teatre „Technicolor“ – iš pradžių kritikai ir publika juokingai atmetė. Tikiu, kad šios klasikos aktualumas auga kiekvieną dieną, nes atotrūkis tarp filmo laikotarpių (tikro ir filmo) ir dabarties didėja. Prarandame ryšį su svarbia epocha, o šis filmas užplūsta jus savo nostalgija.

82. Nežiūrėk dabar (1973)

Labai sunku rasti vizualiojo meno kūrinį, kuris būtų toks hipnotizuojantis, kaip Nicolaso ​​Roego „Nežiūrėk dabar“. Daugeliu atžvilgių šis šedevras yra tarsi baisus nykštukas pabaigoje. Jis gražiai nuspalvintas ekstazės spalvomis, tačiau slepia blogiausią gyvenimo dalį: mirtį. Kad ir koks efektyvus būtų Sutherlando personažas, manau, kad tai emocijomis paremtas filmas, nes Roegas prarastos meilės siekimą įveda į įtikinamą istoriją. Gotikinis pamatas yra labai galingas prietaisas, leidžiantis atskleisti ryšių, kuriais jis remiasi, svarbą, tėvo ir šeimyninę meilę, taip pat suteikiantis miglotą formą vaiduokliams, persekiojantiems pagrindinį veikėją. Kai kurios vietos yra kaip žmonės, kai kurios šviečia, o kitos – ne.

81. Kovos klubas (1999)

Karts nuo karto pasirodo meno kūrinys, apibūdinantis kartos psichiką. Kalbant apie kiną, šeštajame dešimtmetyje buvo „Maištininkas be priežasties“, septintajame dešimtmetyje buvo „Absolventas“, o aštuntajame dešimtmetyje buvo „Amerikos grafičiai“. Ir net po dviejų dešimtmečių „Kovos klubas“ kaip pirštinė tinka mūsų kartos nerimą keliančiam, nepatenkintam, antistablišmentiniam etosui. Kaip ir daugelis puikių filmų, „Kovos klubas“ yra labai skaldantis ir gali būti filosofiškai interpretuojamas įvairiais būdais – vieni mano, kad jis apibūdina šiuolaikinį vyriškumą, o kiti mano, kad jis šlovina smurtą ir nihilizmą.

Iš esmės filmas yra trileris. POV pasakoja apie neįvardytą pagrindinį veikėją, kenčiantį nuo nemigos ir nepatenkintą savo monotonišku darbu, kuris susikerta su veržliu muilininku Tyleriu Durdenu. Durdenas ir pagrindinis veikėjas netrukus įkuria pogrindinį „Kovos klubą“, kad nepatenkinti visuomenės nariai galėtų išlieti pyktį. Tačiau netrukus Tailerio planai ir pasakotojo santykiai tampa nekontroliuojami ir veda į sprogstamą kulminaciją (tiesiogine prasme!)

Kartu su jame propaguojamu velnio rūpesčiu, „Kovos klubas“ taip pat yra tam tikros šiuolaikinės legendos Davido Fincherio krypties požymis. Niūri spalvų paletė, ryškus montažas ir sklandus kameros darbas įkvėpė daugybę tamsių trilerių po filmo. 1990-ųjų filmas.

80. Prieš saulėlydį (2004 m.)

Štai tiesa apie žmogaus evoliuciją, kurios niekas jums nepasakys: žmonija greitai praras pokalbių meną. Technologijų pažanga turi didelį šalutinį poveikį: žmonės vis mažiau domisi užmegzti tikrą pokalbį, nes jie turi technologijų, už kurių galima pasislėpti. Ir būtent todėl „Prieš serija“ tęsis dešimtmečius. Filmų serija, kurioje pasakojama apie du žmones, įsitraukusius į tikrą pokalbį, yra retenybė net šiai kartai. Ateityje tokie filmai apskritai nebus kuriami. Štai kodėl ateities kartos su baime ir nuostaba žiūrės į „Prieš“ trilogiją. Ir nenustebsiu, jei trilogija ras savo pelnytą vietą ne tik kino istorijoje, bet ir kiekvienos kino mokyklos bibliotekoje.

Tarp trijų „Prieš“ filmų „Prieš saulėlydį“ išsiskiria tuo, kad jis yra labiausiai širdį draskantis. Filmas, kuris iš prigimties yra apie stipriausią žmogaus troškimą: norą būti su žmogumi, su kuriuo galėtum praleisti likusį gyvenimą. Jei atidžiai pažvelgsite, „Prieš saulėlydį“ galiausiai tampa veidrodžiu, į kurį pažvelgę ​​galite spręsti apie savo santykius: kur suklydote? Kas iš tikrųjų buvo jums tas? Kokių galimybių praleidote? Kas galėjo būti? Tai vienas iš rečiausių retų filmų, kur jūsų patirtis gyvenime praturtins ir pamaitins jūsų patirtį su filmu.

79. „Matrica“ (1999)

Išradinga, sumani idėja, kurią ekrane perteikė Wachowskiai, o rezultatas – filmas, privertęs daugelį žiūrovų sunerimti dėl tikrovės, kurioje jie atsidūrė. Tiesa, kai buvo sukurta „Matrica“, kelio atgal nebuvo, viskas pasikeitė. dalykų. Filmas ne tik sulaužė naujus žingsnius savo istorijoje, bet ir pakeitė mokslinės fantastikos ir veiksmo filmų kūrimo būdą. Filmo „Matrica“ kaip filmo sėkmė taip pat slypi tame, kaip jis meistriškai blaškosi tarp temų, įskaitant filosofiją, egzistencializmą ir net religiją, dėvėdamas veiksmo ir mokslinės fantastikos filmą. Neo gebėjimas manipuliuoti imituojamąja realybe, kad atliktų iš pažiūros neįmanomus žygdarbius, ir kulkos laiko panaudojimas – veiksmo technika, kuri šiuo metu yra beveik ikoniška, prideda filmui išradingumo. Žanras dabar gali būti perpildytas, bet kai jis pasirodė pirmasis, galima sakyti, kad publika nieko panašaus nematė.

78. Septintasis žemynas (1989)

Michaelo Haneke'o „Septintąjį žemyną“ vadinti siaubo filmu man skamba labai neteisingai, bet taip jį vadina dauguma jį mačiusių žmonių. Sunku su jais ginčytis, nes pažiūrėjus šį filmą žmogus jaučiasi beviltiškai, prislėgtas ir išsigandęs. Šis 1989 m. klasikinis filmas, susijęs su šeima, kuri nekenčia pasaulio ir gyvenimo apskritai, laikosi šaltos ir tolimosios pozicijos, siekdama dar labiau izoliuoti tris žaidėjus nuo likusios visuomenės, o tai lėtai, bet užtikrintai priverčia publiką juos jausti kaip savo. egzistavimas įgauna tamsų posūkį. Debiutinis Haneke kūrinys, kuris yra vienas labiausiai trikdančių filmų, papuošusių sidabrinį ekraną, tyčiojasi iš žiūrovo ir niekada nepaleidžia. Jei žiūrovai tai vadina siaubo filmu, vadinasi, siaubo filmą, kuris nepanašus į jokį kitą. Apimtas dviprasmiškumo ir tikroviškumo, Septintasis žemynas yra asmeniškas, intymus ir siaubą keliantis tikros istorijos atpasakojimas, kuris palieka tylą, nes jai pasibaigus bent porą minučių nebegalite ištarti nė žodžio.

77. Zodiakas (2007)

„Zodiakas“ nėra jūsų įprastas trileris; jis yra lėtas ir daugiau dėmesio skiria nuotaikai ir personažams, o ne siužetui. Yra tokia aura, kurią Davidas Fincheris sukuria tiek, kad filmo nuotaiką jaustum kaulais. Tai nėra filmas, kuris pasibaigs jus laimingais. Tai taip pat filmas, kuriame blogis laimi, o gerieji pralaimi. Ir todėl tai taip gerai. Ne tik geras, bet ir modernus šedevras. Kai filmas sugeba jus sujaudinti ištisas dvi su puse valandos ir priversti jus galvoti kelias dienas, tikriausiai daug dalykų yra teisingi, ko nepadaro įprastai kuriami trileriai. Mano nuomone, „Zodiakas“ yra geriausias Fincherio filmas, kuriame jis savo disciplina ir įgūdžių įvairove parodo, kodėl kartais mažiau yra daugiau.

76. Magnolia (1999)

„Magnolija“ neabejotinai yra asmeniškiausias Paulo Thomaso Andersono darbas. Isteriška atmosfera, kurią Andersonas užlieja filmui, suteikia tam tikro emocinio sklandumo melodramai, kuri yra tokia neįtikėtinai įtraukianti ir katarsiška savo energija. Filmas vyksta tik San Fernando slėnyje, kuriame įvairūs tarpusavyje susiję veikėjai išgyvena skirtingus savo gyvenimo etapus, sunkiai susidorodami su savo vidiniais demonais ir emociniais konfliktais. Andersonas myli šiuos žmones, pažįsta juos ir supranta juos, bet pateikia juos kaip beprasmiškai tokius, kokie jie yra; ryškiai nuogi žmonės, žali ir tyri, susiduriantys ir įveikiantys savo giliausias baimes ir silpnybes. „Magnolija“ ypatinga tuo, kad tai filmas, kuris tiek daug pasakoja apie savo kūrėją. Mums suteikiamas žvilgsnis į Andersono gyvenimą, vietą, kuriai jis priklauso, ir žmones jo gyvenime. Visame filme yra tiek daug Andersono. Toks filmas kaip „Magnolija“, jei jį būtų režisavęs bet kuris kitas režisierius, būtų pasijutęs pasenęs ir atrodytų panašus į savo laikų produktą, tačiau su Andersonu tai tik padidina filmo patrauklumą.

75. Rosemary's Baby (1968 m.)

'Rozmarino kūdikis' yra tamsus, suktas meno kūrinys, kuriame žaidžiama su nekaltumu, siekiant sukurti siaubo jausmą. Filmas, susijęs su nėštumo metu komplikacijų patyrusia moterimi, eina visiškai nauju siužetu, leisdamas ritualiniams elementams atlikti pagrindinį vaidmenį. Šiame filme tiek daug ką reikia pamilti, pradedant nuo gerai parašytų personažų iki tolimo nerimo aplinka, kuri supa kiekvieną įvykį. Visada visame paveiksle jaučiama įtampa, iš dalies dėl tylios, užsitęsusios kinematografijos, atliktos griežtu Polanskio režisūriniu stiliumi. Mia Farrow čia atlieka geriausią per karjerą kaip Rosemary Woodhouse, moterį, kuri tampa silpnesnė kovodama su skausmais, kylančiais dėl vaiko nešiojimo. Apskritai, šio filmo atmosfera atitinka keletą kitų, o tai, kaip ji įsiskverbia į jūsų odą, yra kažkas kita.

74. „Geras, blogas ir bjaurus“ (1966 m.)

Įspūdingi legendinių aktorių vaidinami personažai, nežabotas, žiaurus ginklų šūvių veiksmas, užkabinanti muzika ir intensyvi kinematografija – trečioji „Dolerių“ trilogijos dalis, kaip sakoma, spagečių vesterno gimimas, yra atlaidus, žavus, linksmas kinas. Blondie or No Name (Geras), profesionalus ginklanešys ir Tuco (Bjaurusis), ieškomas nusikaltėlis, nenoriai susipažįsta, kai išsiaiškina svarbią detalę apie aukso atsargas, kurias paslėpė pabėgęs konfederatas. kurį nužudyti yra samdomas žmogžudys Angel Eyes (The Bad). Trijulės kelionė sudaro jaudinančio siužeto, kuris baigiasi klasikiniu vesterno stiliaus žvilgsniu žemyn, esmę. Clintas Eastwoodas kaip Blondie yra machizmo įvaizdis, Lee Van Cleefas kaip Angel Eyes yra įkūnytas blogis, o Eli Wallachas kaip Tuco prideda impulso ir pykčio sudėtingumo paprastesniems, bet įspūdingesniems dviejų didesnių žvaigždžių veiksmams „Geras prieš blogį“. Tačiau vadelės amžinai yra režisieriaus Sergio Leone rankose – jis naudoja plataus masto tolimus kadrus ir intensyvią kinematografiją stambiu planu, kad sukurtų įtampą procese. Žanrą apibrėžiantis filmas Quentin Tarantino, vienas didžiausių šiuolaikinio vesterno atstovų, kažkada vadintas geriausiai režisuotu filmu pasaulyje.

73. Keliaujantys žaidėjai (1975)

Per ilgai intymią, subtiliai sukomponuotą Theo Angelopoulos epą žinojo nedaugelis kino entuziastų, o galbūt vertino dar mažiau. Didingas, laipsniškas kinematografinio paminklo pastatymas mūsų ezoteriniam, paslaptingam santykiui su laiku, suprantama, tinka ne kiekvienam. Tačiau smalsuoliams iš mūsų žinoma, kad tai teikia paguodą, suteikia išminties ir dovanoja suvokimą, padedantį rasti konstantų, prie kurių prisirišti šiame visuotinai ir žiauriai dinamiškame pasaulyje. Tarp daugelio dalykų, kuriuos šis filmas gauna teisingai, yra jo nesugadintas Oresto pasakos apreiškimų suvokimas. Su tragiška figūra siejama mitologija užfiksuota su protą stingdančiu nuolankumu, tačiau filmas per savo lanksčią viziją perkelia mus į melancholišką, tvyrančią XX amžiaus vidurio Graikijos vaizdą. Jos laikinoji elegancija pateisina istorijos žiūrėjimą stovint šalia trupės: iš išorės į vidų. Esate linkę ir pajusti jos atšiaurumą, ir apmąstyti jos kūrybą. Tai reta antifašistinė istorijos pamoka, nes ji niekada nenurodo, ką galvoti. Tai tik parodo, ką jausti. Angelopoulas ir operatorius Giorgosas Arvanitis nukreipia mus į širdį stabdančias vietoves ir nuplauna jas niokojančiu to laikotarpio žiaurumu. „Keliaujantys žaidėjai“ yra kuklus, retas perlas, kuris jaučiasi taip, tarsi būtų išgelbėtas iš riaušių pilnų gatvių ir išgyventas iš bado. Paprasčiau tariant, mes to nenusipelnėme.

72. Talpykla (2005 m.)

Michaelas Haneke'as dažnai kaltinamas, kad jis visada kalba apie niūrius pasakojimus. Toks apibūdinimas yra visiškai nesąžiningas, nes tai, ką jis iš esmės daro, yra humaniškas įžvalgas apie mus visus gaubiančią tamsą, kaip mūsų klaidingas suvokimas sukelia kankinančią izoliaciją ir kaip mūsų kliedesiai sumažina mūsų galimybes įveikti minėtą izoliaciją. „Caché“ yra ne tik didžiulis, deginantis dokumentas, rodantis 1961 m. Senos upės žudynių žiaurumą ir mūsų, kaip visuomenės, nežmoniškumą, bet ir poetiškai universalus charakterio tyrimas. Georgesas, mūsų veikėjas, gyvenimą ir savo buvimą suvokia kaip socialinę būtybę iškreiptu džiaugsmo jausmu. Jis bėga nuo patogumo pasitikėti ir bendrauti su kitais. Jis mėgaujasi savo susvetimėjimu, kaip jis atstumia daugelį, kurie jį taip brangina. Tuo Haneke šaiposi iš kartos, kuri nori būti palikta ramybėje. Jo fotoaparatas kartais būna neįprastai nutolęs, kaip ir daugelis iš mūsų aplinkos atžvilgiu. Tačiau jam kontroliuojant, mes turime susidoroti su savo nepadorumu, savo nedėmesingumu, savo tikrove. Vienas iš sudėtingiausių kino kūrinių, kurį kada nors matysite.

71. Bičių avilio dvasia (1973)

Ispanijos meistras Viktoras Erice'as prieš išeidamas į pensiją sukūrė vos tris vaidybinius filmus. Vis dar gyvi jo filmai, tokie kaip „El Sur“, „Saulės medis“ ir ypač „Avilio dvasia“, jo nenusakomas debiutas, verčia mus visus trokšti, kad jis vis dar kurtų filmus. Parabalinė pasaka apie du vaikus, kurių vienas tyrinėja savo egzistavimą su nekaltu, dažnai gluminančiu susižavėjimu, o kitas yra apsėstas filmo „Frankenšteinas“, kuris buvo rodomas jų vietiniame teatre. Jo paslaptingas Ispanijos širdies krašto portretas yra viliojantis dviprasmiškumu dėl būdingos neutralios Eričės krypties – retai pasirenkamas kinematografinis metodas, o ne tylus stebėjimas. Gautas darbas yra gluminantis, įtraukiantis ir privers susimąstyti apie paties gyvenimo mįslę: jo neatsakomus klausimus, didžiąsias paslaptis ir gluminantį jų neįveikiamumą. Neabejotina, kad „Bičių dvasia“ bus labai sugniuždyta ar nepalyginamai sujaudinta.

70. Visi prezidento vyrai (1976)

Votergeitas. Vienas žodis, kuris nuleido uždangą Richardo Niksono prezidentavimui ir privertė žmones suprasti, kad net prezidento ūgio žmogus gali nusilenkti iki minimumo, kad atliktų savo darbus. Kol prezidento bičiuliai buvo užsiėmę jo sukurtos netvarkos valymu, du reporteriai tai pajuto. Nepaisant gresiančių grėsmių, jie nenuilstamai dirbo, siekė net menkiausių užmojų ir kartais keldavo pavojų sau, kad sužinotų faktus žmonėms. Remiantis to paties pavadinimo knyga, kurią parašė žurnalistai Bobas Woodwardas ir Carlas Bernsteinas, „Visi prezidento vyrai“ yra įžvalgus pastebėjimas, kokia turėtų būti tikroji žurnalistika. Režisierius Alanas J Pakula, šis buvo nominuotas aštuoniems akademijos apdovanojimams, galiausiai laimėjo tris ir, beje, už geriausią filmą prarado „Rocky“.

69. Šešėlių armija (1969)

Manau, kad puikus palyginimo taškas Jeano-Pierre'o Melville'io kūrybos naujokams yra Stanley Kubrickas. Abu pasižymi išskirtiniu techniniu tikslumu ir absoliučiu pasitikėjimu kiekvienu darbu, kurį jie atlieka per ilgą ir kūrybiškai pelningą karjerą. Be to, pigus, bet sudėtingas skundas, kurį kiekvienas gali pateikti amerikiečių režisieriui, yra jo „besielėjimas“. Laisva žmogaus išraiškos vieta. Melvilio atveju taip nėra. Filme „Šešėlių armija“ Melvilio personažai dega karčia nevilties kurstoma kibirkštimi, dėl kurios kiekvienas jų veiksmas trykšta žmogiškumu. Mirtiname karo pasipriešinimo judėjimo pasaulyje vienas klaidingas veiksmas gali baigtis visišku sunaikinimu, o su jau minėta malone ir virtuoziškai valdydamas savo kiną Melvilis siuva visiškai tikėtino, įtikinamai mirusio pasaulio sėklas. „Šešėlių armija“ yra vienas tyliausių, labiausiai intriguojančių ir labiausiai paveikiančių prancūzų kino kūrinių – praleisti tokią kriminališkai nepastebėtą klasiką reikštų padaryti sau didelę meškos paslaugą.

68. „Švytėjimas“ (1980 m.)

Pritaikydamas Stepheno Kingo klasiką, Stanley Kubrickas 1980 m. sukūrė filmą, kuris iš naujo apibrėžė siaubo žanrą. Čia gimimo bijo ne tik istorija ar veikėjai. Aplinka ir filmavimo būdas nuostabiai padeda protą stingdančiai įtampai prasiskverbti į žiūrovų mintis. Filmas pasakoja apie Jacką Torrence'ą, naujai paskirtą „The Overlook“ viešbučio prižiūrėtoją, ir jo šeimą, kai jie paslaptingame pastate praleidžia visiškos izoliacijos laikotarpį. Stulbinančiais pasirodymais ir puikiu kameros darbu Kubrickas užtikrina, kad filmo turinys giliai įsiskverbtų į mūsų pasąmonę. Tai, kaip jis manipuliuoja garsu ir atmosfera, yra visiškai neįtikėtinas ir sukuria nepamirštamą ir stulbinančią dvi su puse valandos. „Švytėjimo“ pasaulis yra nuostabiai tamsus, per visą kvapą gniaužiantį trečiąjį veiksmą tvirtai sugriebdamas jus už apykaklės.

67. Kinų kvartalas (1974)

Yra film noir ir neo-noir, o tarp šių dviejų, sėdi Džeikas Gittesas, dailiai apsirengęs su traškia fedora, kad pagirtų tą šypseną veide. Nors yra didelis Polanki gerbėjas, visada yra kažkas, kas neatitinka galutinio jo filmų produkto. Išskyrus kinų kvartalą. Šis esminis šedevras ne tik sukūrė identitetą sau, bet į jį visada žiūri filmų kūrėjai, pasiskolinę jo stilių, kad sukurtų savo filmo tapatybę. Polanskis yra magas, apgaudinėjantis mus išskirtiniais laidais, taip pat klasikiniu noir ritmu ir nustatymu. Bet tada ateina paskutinis kinų kvartalo veiksmas, kuris taip greitai sugriauna visas konvencijas, kurios iš pradžių buvo siejamos su panašiais paslaptingais filmais, todėl jus apima didžiulis šoko ir nevilties jausmas. Nesugebėjimas įveikti Krikštatėvio II mane vis dar glumina, bet po pusės amžiaus žmonės pamiršo Siciliją, bet niekada Kinų kvartalo.

66. Šėtono tango (1994)

Išpažintis numeris vienas: aš beveik niekada nemačiau Bélos Tarr nuostabaus šedevro. Galima būtų manyti, kad jo visų laikų sinefilų mėgstamiausias statusas ir išskirtinė reputacija, kurią jis įgijo tarp Amerikos meno rūmų ir tarp kai kurių labiausiai informuotų kino kritikų visame pasaulyje, mane sužavėtų. Tačiau didžiulė jo trukmė (apie 432 minutes) ir į lorisą panašus tempas, kuriuo taip mėgavausi Tarro „Werckmeister Harmonies“, atrodė bauginantis. Antra išpažintis: „Sátántangó“ pamačiau pirmą kartą vienu ypu. Mane užhipnotizavo pragmatiškas realaus pasaulio pojūtis ir kantrus, apdairus kino pojūtis. Ji daugiau stebėjo, nei apmąstė ir apmąstė, nei pateikė tvarkingai suformuotus pareiškimus. Jo mitinis, niūrus realizmas buvo per geras, kad būtų tiesa, ir pernelyg žiaurus, kad būtų suvoktas taip žiūrint į grožį.

Viskas, ką norėjau padaryti iki galo, tai uždaryti visus langus ir apsigaubti tamsa, nes filmas man buvo panašus į tą beprotį bažnyčioje ir jo aimanavimas buvo per daug prasmingas. Trečias išpažintis: su džiaugsmu pranešu, kad „Sátántangó“ nuovokūs socialiniai ir politiniai apmąstymai man pradėjo aiškėti, kai prie to ne kartą grįžau. Ypač įsiminė vasara, praleista ryjant László Krasznahorkai romaną, kuris yra filmo šaltinis. Viskas, ką dabar galiu padaryti, yra tikėtis, kad ir toliau gausiu šios laimingos avarijos naudą.

65. Egzorcistas (1973)

Williamo Friedkino „Egzorcistas“ yra puikiai surežisuotas. Vyras yra liūdnai pagarsėjęs dėl nepastovaus karjeros kelio, kai klasika susikerta su šleifu (ir dažnai dvi grupės susikerta tam, kad ieškotų įdomių kinematografinio begėdiškumo tyrinėjimų). Savo geriausiu filmu Friedkinas nusprendė nufilmuoti dramą, kuri kaip tik taip atsitiko apie demonišką apsėdimą: siuvo patosą savo sudėtingiems personažams ir viscerališkai išverčia originalaus autoriaus Williamo Peterio Blatty tekstą, įstrigusį tarp tikėjimo ir luošinančių abejonių. Galutinis dviejų nuostabių menininkų, dirbančių savo žaidimo viršūnėje, rezultatas, kad sukurtų tviskančią amerikietiško kino klasiką: tokį, kuris užtemdo beveik kiekvieną savo žanro filmą (galbūt nesąmoningai siaubingą „Pabusk iš baimės“ arba Tobe'o Hooperio liūdną turą - jėga Teksaso grandininių pjūklų žudynės ). Tiesiog stulbinantis.

64. Suspiria (1977)

Nes savo svajonėse mes patenkame į pasaulį, kuris visiškai priklauso mums – J.K.Rowling. O kas, jei vienas iš labiausiai suktų kino protų nuspręstų apipurkšti savo pasąmonę ant filmo gabalo. Manoma, kad Dario Argento filmas „Suspiria“ nepaiso kino logikos dėl savo keistos struktūros. Bet aš tikiu, kad tai neoekspresionistinis šedevras, kuriame užfiksuota tikroji kino esmė – priversti mus jaustis tikrai, tikrai gyvais. Argento supranta erdvės vertę, todėl daugiau dėmesio skiria kinematografijai ir scenografijai, kurie yra dominuojantys jo filmo gyventojai. „Suspiria“ ne tik reprezentuoja Argento stilių, bet ir visą itališką siaubą – meno estetikos sužadintą žanrą.

63. Vyras pabėgo (1956)

Nepriekaištingai tikslus ir įkvepiančiai ekonomiškas Roberto Bressono toks retas žvilgsnis buvo sužavėtas 1956 m. „A Man Escaped“. Vyro, kaip filmų kūrėjo, gyvsidabrio galių viršūnė, ji seka prancūzų pasipriešinimo agento Fonteino bandymus pabėgti iš vis pavojingesnio nacių kalėjimo ir kiekviename kadre randa prasmę. Nuo stulbinančiai žmogiško pagrindinio vaidmens, kurį atliko ne aktorius François Letterrier, kurio įdubę skruostai ir išsprogusios akys taip įtikinamai išreiškė triuškinantį gyvenimo karo metu svorį, iki Bressono minimalizmo, sugebėjusio ugdyti slegiantį intymumą tarp žiūrovų ir beviltiško. vyras: Nuo dažnų POV ir elegantiškų kompozicijų, kurios nepersistengdavo technikomis, kartais paskęsdavo Bressono kūryba. Nenorėčiau nubraukti nė vieno kadro – taigi filmukas yra absoliučiai gyvybiškai svarbus mokymosi būdas pradedantiesiems kino kūrėjams: Tapyti. kažkas tokio ryškaus ir tankaus, kad jis niekada nesijaustų valdingas.

62. To Kill A Mockingbird (1962 m.)

Tokiais laikais nėra geresnio filmo nei „Nužudyti juokdarį“, kuris paaiškintų neonaciams tikrąją kastų, tikėjimo ir rasės reikšmę. Įsikūręs rasiškai susiskaldžiusios Amerikos laiko juostoje, afroamerikietis apkaltinamas baltos moters kuklumo pažeidimu. Rasinės neteisybės viršūnėje, kai teismas, pilnas baltųjų žmonių, gąsdina už jo kraują, vienam vyrui tenka kovoti su savo byla. Vienas baltaodis, vardu Atticus Finch. Jis narsiai kovojo, kad iškeltų faktą, kad visi vyrai yra lygūs teisme, nesvarbu, spalvoti ar ne. Jo pastangos nueina bergždžios, nes teismas vyrą pripažįsta kaltu. Tačiau tai, kas lieka su žiūrovu, yra pamoka, kurią Atticus Finch įskiepija savo vaikams. Tai reiškia, kad „niekada iš tikrųjų nesupranti žmogaus, kol neatsižvelgi į dalykus jo požiūriu“. Remiantis Harper Lee to paties pavadinimo bestseleriu, „Nužudyti juokdarį“ yra vienas geriausių visų laikų filmų.

61. Galinis langas (1957 m.)

Šedevrų trilerio filmą nuo nuolat ant mūsų kaupiančių nuotekų šedevrą išskiria tai, kad pastarajame posūkiai atsiranda žaibiškai, labiau nulemdami mūsų šoką, o ne posūkio tikrumą, kad padarytų poveikį. Tačiau tokiuose filmuose kaip „Galinis langas“ smulkmenos išryškėja iš to laiko, kai profesionalus fotografas L.B. Jeffas Jeffriesas žiūri pro savo galinį langą, kol jis užlieja potvyniu, todėl nekaltasis Džefas įtaria, kad kitame kieme gyvenantis vyras įvykdė žmogžudystę. Hitchcockas naudoja savo fotoaparatą meistriškai kaip iliuzionisto įrankius, kad žiūrovai būtų įsitempę, kvaili ir spėlioja, kol atsiskleidžia žandikauliai. Per Jeffą įkyriai persekiodamas savo dominančią temą, Hitchcockas komentuoja vuajerizmo klaidas, tai, koks jis gali būti viliojantis, ir vienišo miesto gyvenimo būdo niūrumą, kuris jį lemia. Dar labiau neįtikėtina, kad tai toks pat komentaras apie žiūrovo vuajerizmą, kaip ir Džefo; kaip esame sužavėti Džefo pakerėjimo. Žiūrėti, kai nesi stebimas, yra nedoras džiaugsmas; Hitchcockas tai žino, juo žavisi ir mus traukia.

60. 4 mėnesiai, 3 savaitės ir 2 dienos (2007 m.)

Kai kurie filmai jus judina; kai kurie tave juokina; kai kurie sudaužo tavo širdį. „4 mėnesiai, 3 savaitės ir 2 dienos“ priklauso ypatingai filmų kategorijai: tų, kurie kelia nerimą ir nervingumą. Kaip ir galėjote atspėti, tokie filmai yra bene rečiausi iš retos veislės. Filme pasakojama apie du draugus, kurie žiauraus Ceausescu komunistinio Rumunijos režimo metu bando susitarti dėl aborto. Viscerališkas ir bekompromisis filmas griebia tave už kaklo ir niekada nepaleidžia. Žiūrint šį filmą – tarsi patirti slegiantį jausmą, kurį apima, kai nervingai lauki, kol po operacijos iš operacinės išeis vienas iš tavo artimųjų. Tai ne tik geriausias tikroviškas kinas; tai taip pat vienas iš labiausiai gyvenimą keičiančių filmų, kurį kada nors matysite.

59. Paskutiniai metai Marienbade (1961)

Alano Resnais 1961 m. filmas „Praėję metai Marienbade“ yra arčiausiai sapno vizualizavimo, ir tai daroma kuo keisčiausiu būdu. Muzika, kuri užima foną didžiąją žaidimo laiko dalį, veikia kaip raminamoji priemonė, kuri priverčia publiką į mieguistą būseną. Nepaisant to, beveik neįmanoma atitraukti akių nuo ekrano, nes nuotraukoje vyksta tiek daug, nors rodoma tik nedaug. Man patinka galvoti apie „Praėję metai Marienbade“ kaip filmas, įsivaizduojamas iš pasąmonės, dėl savo pasikartojančio ir painio pobūdžio. Veikėjai yra sutrikę dėl keisto pasaulio, į kurį jie taip pat buvo įtraukti. Tai brandus ir įmantrus kūrinys, o pagrindinis siužetas, apimantis vyrą ir jo santykius su keista moterimi, kurią jis aiškiai prisimena, kaip susitiko praėjusiais metais, nors ji neprisimena to paties apie jį, man atrodo labai įtraukianti, originali, aistringas, romantiškas, svajingas ir, žinoma, puikus.

58. Laukinės braškės (1957)

Ar kada nors buvote kelionėje, kurioje neturite nieko geriau, kaip žiūrėti pro langą? Tam tikrą laiką žiūrite į vaizdą lauke, kol mintys neįsibėga, o tai, kas yra lauke, dabar tėra šablonas – nebesulaiko jūsų dėmesio. Taip atsitinka su Isaku Borgu, Bergmano klasikinės nuotaikos kūrinio veikėju, kuris rado savo vietą daugybėje visų laikų geriausių filmų sąrašų, įskaitant tą, kurį 1963 m. sudarė Stanley Kubrick. Jis keliauja su savo marti, kad gautų diplomą. daktaro Jubilario iš savo alma mater. Ji nemėgsta jo ir planuoja palikti jo sūnų. Tačiau mūsų profesorius, kurį vaidina genialusis Viktoras Sjöströmas, nelabai domisi ateitimi. Jo mintys ir dėl to filmas, kurį katapultavo daugybė žmonių, sutiktų per savo kelionę, nušviečia tik jo praeitį. Žiūrint per atlaidų, užtikrintą Bergmano objektyvą, jo prisiminimai yra paprasti, pažįstami ir žmogiški. Jie nešlovina jo gyvenimo ir atmeta jo pasiekimus. Jie netvarkingi, kaip ir dauguma mūsų, ir sąmoningai iškraipyti. Kai jis pagaliau atvyksta į vietą, kad jam būtų suteikta garbė, suprantame, kad jam niekada nereikėjo atlygio. Jis jau gavo jo tose braškėse, kurias rinko kartu su savo vaikystės mylimuoju, jį prisiminusiu pirkliu, neramiais santykiais su žmona, geru ir blogu, atperkančiu ir neatleistinu. Kaip ir mes – šio paslaptingo, nepaaiškinamai jaudinančio filmo pavidalu.

57. Žaidimo taisyklės (1939)

Geniali, kandžioji Jeano Renoiro manierų komedija po visų šių metų puikiai išsilaiko, išlikdama kaip niekad žaisminga ir persekiojanti. Išleidimo metu jo vengė ir kritikai, ir žiūrovai, todėl Renoiras po pražūtingos premjeros iškirpo didelę filmo dalį – dalį, kurioje daugiausia buvo Oktavos personažas, kurį suvaidino pats Renuaras. Nenuostabu, kad nuo tada jis auga. Filmas, savo gudriu, autoritetingu žongliravimu personažais, temomis, tonais ir aplinka, visada yra nepaprastai linksmas, bet niekada ne mažiau stropus ar ne taip prabangiai sukurtas nei geriausias to laikotarpio pasaulio kinas. Jo skrupulingai padirbtos vaizdinės detalės pulsuoja rafinuotumu, tačiau pastangų nematyti, o filmas leidžia stebėtis, kaip giliai įsipainiojote į meistriškai sukurtą atmosferą. Kinematografininkas Jeanas Bachelet ir Renoiras žaidžia su kamera taip, kad filmas būtų lengvesnis, tačiau jų nepaliaujama kontrolė daro jį nuolat intriguojančiu verslu. Jei viso to neužtenka, turėtumėte žinoti, kad Alainas Resnais kažkada yra sakęs, kad filmas buvo vienintelė didžiausia jo patirta patirtis kino teatre. Būtų sunku rasti ryškesnę rekomendaciją.

56. „Trečias žmogus“ (1949)

Film-noir yra žanras, siejamas su filmais, kuriuose gausu tamsių gatvių, slaptų, gundančių personažų, paslaptingumo jausmo ir kreminės juodos ir baltos spalvos. Nors daugelis šių nuotraukų yra intriguojančios ir puikiai leidžia praleisti laiką, nedaugelis bando ką nors naujoviško ir kitokio. „Trečias žmogus“ yra vienas didžiausių kada nors sukurtų film-noir, nes jis nepaprastai gerai pasakoja savo stulbinamą istoriją, pasitelkdamas įspūdingus olandiškus posvyrius, stulbinančią šviesą ir gražią muziką. Filmas susijęs su žmogumi ir jo paties atliktu tyrimu dėl finansiškai pasiturinčio draugo nužudymo. Siužetas Trečiasis žmogus yra išklota romantika, tamsiu humoru, vingiais ir įtampa. Filmo esmė gali būti vadinama miela meilės istorija, tačiau, įtraukus visa kita, dėl susižavėjimo kyla abejonių. Atkuriant meistriškai parašytą scenarijų, Carol Reed didysis opusas yra toks, kuris išlaiko jus savo sėdynės pakraštyje nuo nuolankaus, lengvabūdiško pirmojo veiksmo iki pabaigos, kuri gali būti protingiausias kiekvienos nuotraukos finalas. kada nors pamatysiu.

55. Verksmai ir šnabždesiai (1972)

Tragiškoje Ingmaro Bergmano šeimyninėje dramoje vyrauja liūdesys, kuris yra ir nepriekaištingai beviltiškas, ir karštligiškai skubus. Tai nėra kantriai kuriama scena po scenos ir pateikiama lėkštėje iki galo. Jūs esate priversti jį įkvėpti nuo pat filmo, kuriame pagrindiniai žaidėjai ir jų užkietėjęs, degus sielvartas pristatomas nuostabiais stambiais planais, kurie ryškiai išryškina jų slegiantį diskomfortą, pradžioje. Visa tai padengta negailestinga gausybe raudonos spalvos, tamsiai raudonos spalvos, kuria nudažytos namo, kuriame vyksta istorija, sienos. Bergmanas verčia mus suvokti mirties smarvę, kuri supa moteris, tokia įspūdinga kryptimi, kad tikroji mirtis nekelia nerimo. Moterims būdingas smurtinis ilgesys viską, kas buvo filme, pavertė mano galvoje persekiojančiu, krauju persunktu prisiminimu. Nuolat žavią Sveno Nykvisto vizualizaciją sušvelnina subtilus Bergmano raštas ir meistriškai išgyventi aktorių pasirodymai. Šviečianti Liv Ullman atrodo paslaptinga ir sužavi kiekvieną kartą, kai fotoaparatas nukreipiamas į ją, o netikinčios Ingrid Thulin ir Harriet Andersson savo kūryboje yra tokie nesutepti, kad jaučiasi invazinis susilieti su savo jausmais. Bergmanas nepateikia mums aiškių minčių, kurias parsinešti namo, bet paneigia visus kitus pojūčius, išskyrus tuos, kuriuos patiria jo personažai. Mums įdomu, kiek toli nueina jo prieiga prie mūsų emocijų, ir jis tai išplečia kiekviename žingsnyje. Galiausiai „Verksmais ir šnabždesiais“ nereikia tikėti, reikia gyventi.

54. „Kartą vakaruose“ (1968 m.)

Galbūt tai persekiojanti Morricone partitūra, o gal Delli Colli vizija, kuri plati kaip Vakarai, o gal nepajudinama smėlis, šurmuliuojantis Bronsono ir Fondos akyse, o galbūt tai visų šių aspektų kulminacija beveik kiekviename maestro Sergio Leone kadre. . Jei jums reikia vesterno, kuriame būtų ir Johno Fordo grožis, ir negailestingas Sam Peckinpah laukiškumas, tuomet Leonei tiesiog nėra nieko artimo. Savo „magum opus“ jis pasiekia tai, ko jam prireikė prieš 3 filmus, kad sukurtų mistinį pasaulį vidury niekur. Nors iš pažiūros nieko dvasingo ir nėra, filmas turi dievų. Dievų karūnos, užpildytos 10 galonų parako, ir kruopos, kurias jie praryja vandeniu. Be to, Henry Fonda kaip antagonisto atranka tikriausiai buvo to dešimtmečio sprendimas, nes jo ledinės mėlynos akys buvo nepanašios į nieką, ką Vakarai kada nors matė.

53. Annie Hall (1977)

Niekas negali teigti, kad supranta painią, visa apimančią mįslę, kuri yra meilė, kaip Woody Allenas. Ir joks Woody Alleno filmas neprilygsta jo tikros, savotiškos šlovės parodymui, nei ši istorija apie Alvy Singerį, neurotišką, nihilistą komiką Niujorke, kuris „daugiau nei įsimyli“ svaiginančią, skraidžiančią, linksmą Annie Hall ir tada iškrenta iš jo. Filme taip pat nagrinėjami lyčių seksualumo skirtumai per Alvy ir Annie „Yin ir Yang“ santykius. Galų gale net Alvy priima meilę kaip neracionalią, beprotišką ir absurdišką, bet būtiną gyvenime. Kelių novatoriškų pasakojimo technikų naudojimas, pvz., ekspromtu sulaužyta ketvirtoji siena, greitas praeities ir dabarties kaitaliojimas sklandžiais pjūviais, subtitrų parodymas, kaip Alvy ar Annie jaučiasi, kai iš tikrųjų kalba kažką visiškai kitokio, ir pridėjus istorija istorijoje“ kaip kulminacija, pakelkite ir taip patrauklią istoriją. „Annie Hall“ yra turbūt pirmasis tikrai modernistinis romanas apie celiulioidą ir vietoj jo įkvėpęs romantiškų komedijų kartą. Tačiau nė vienas nėra toks žavus, kaip tas, kurį jie siekia mėgdžioti.

52. M (1931)

Balso įrašymo technologijos atsiradimas – reiškinys, kurio stiebo antraštė vadinosi 1927 m. „Džiazo dainininkė“, filmuose buvo absurdiškas dialogas. Ši technologija buvo savaime suprantama kaip tiesioginis atnaujinimas, o ne įrankis, naudojamas kartu su nusistovėjusia kino kalba. Fritzas Langas, žmogus, savo karjerą nebyliajame kine pradėjęs su daugybe meistriškų kūrinių, įskaitant „Destiny“, „Dr. Mabuse the Gamer“, „Die Nibelugen“ ir išskirtinį Metropolį. Jo perėjimas prie garso pasiekė piką 1931 m. „M“ – filme, kuris, priešingai nei visi aplinkiniai šaltiniai, pašalino beveik visą aplinkos triukšmą. Rezultatas yra tylus pokalbis su nepaprastai negyva atmosfera: tokia, kuri taip veiksmingai pagrindžia jo pasakojimą. Aptariama istorija stulbina vaikų žudiką ir Vokietijos valdžios nekompetenciją sugauti jį – formuoja savo kengūros teismą, kad nubaustų žudiką. Tai, ką Langas čia pateikia, yra neįtikėtinai brandus: teisingumas, kurio vertas tarnavimas, visiškai pakenkta to meto politiniam kontekstui – Nacionalsocialistų partijos užfiksuotai eutanazijos politikai ir vis žiauresniems idealams, pasireiškiantiems kaip piktas auglys dėl žmonių kaltinimų. . Patoso ir iškankinto humanizmo kupinas Peterio Lorre'o pasirodymas padeda sugriauti gilią „M“ apgaulę – tą, kuri neišmatuojamai jaudinanti iki šiol.

51. 12 piktų vyrų (1957)

Atsakymo, ar berniukas kaltas, ar ne, niekada nesužinosime. Tačiau vienas dalykas, kurį „12 Angry Men“ tvirtina, yra tai, kad logika visada nugalės prieš intuiciją, jei tarp kvailių pasaulio yra vienas sveiko proto žmogus. O ar kvailystė yra liga, ar tik neišmanymo šalutinis produktas? Sidney Lumet dramoje nereikalaujama, kad jūsų smegenys būtų verčiamos širdimi, o stenkitės pasiekti tašką, kuriame galėtumėte priimti sprendimą, abu dirbdami kartu. Be įspūdingo scenarijaus, kuris išdidžiai įtrauktas į kiekvienos pasaulio kino mokyklos mokymo programas, kameros ir pastatymas yra kaip japonų naujosios bangos klasika. Nepamirštamu ansamblio pasirodymu besigiriantis „12 piktų vyrų“ yra Amerikos kino paminklas.

50. Miesto žiburiai (1931)

Nedaug ankstyvųjų filmų kūrėjų šiandieninėje kultūroje turi tokį pripažinimą ir populiarumą, kokį mėgsta Chaplinas. Tai gali būti dėl daugelio priežasčių. Jo filmai kalba apie kiekvieną žmogų ir yra nepaprastai linksmi, bet ne tik jo istorijos į melancholiškas situacijas žvelgia humoristinėje šviesoje. Taip yra su bene asmeniškiausiu jo paveikslu „Miesto žiburiai“, kuriame pasakojama apie valkatą ir jo pastangas padaryti įspūdį ir padėti vargšai aklai gėlių mergaitei. Jis tai daro po fasadu, apsimesdamas turtingu žmogumi, kad patrauktų jos dėmesį, tačiau tai darydamas ištinka bėdą. Kai filmas šiais laikais išlieka toks pat juokingas ir jaudinantis, kaip ir prieš daugiau nei 75 metus, tai paprastai reiškia, kad kažkas daroma teisingai. „City Lights“ paliko pėdsaką pasaulyje, vaizduodamas skurdą ir gyvenimą sunkiais depresijos metais, kuris yra taip gerai atliktas ir jaučiamas, kad niekada nesujaudina žiūrovų, kartu suteikdamas jiems vilties geresnio rytojaus.

49. Ateik ir pamatyk (1985)

Antroji neįtikėtinai įgudusios filmų kūrimo komandos pusė, režisierius Elemas Kilmovas buvo vedęs Larisą Shepitko – šviesią „Sparnų“ ir „Pakilimo“ virtuozę. Kai ji taip liūdnai žuvo autoavarijoje, Kilmovas baigė savo išskirtinio nebaigto projekto „Atsisveikinimas“ (kuris galėjo lengvai užimti šią vietą) darbą – ir aš manau, kad visas šis kontekstas toks galingas yra tai, kaip vyro sielvartas įsilieja į kraują. kiekvienas jo darbo kadras. Kilmovo kinas verda neišreikšto įniršio ir nevilties: tvyrantis didžiuliame emocijų svoryje – ir nedaugelis kada nors sukurtų filmų pulsavo tokiu galingu jausmu kaip Ateik pažiūrėk . Galima teigti, kad geriausias kada nors sukurtas karo filmas, pragariškas Vermachto invazijos į Baltarusiją atvaizdas atsiliepia kurtinančius sprogimus, košmariškus vaizdus ir pasaulį, kuris pamažu išsenka – jo scenos nufilmuotos nuostabioje tuščiavidurėje šviesoje. Vis dėlto per visą šią kančią Kilmovas atranda kelią į supratimą transcendentiškai brandžioje išvadoje. Galbūt, įsipareigojęs apmąstyti gyvenimo laikinumą, jis pagaliau atranda jėgų palaidoti savo velionės žmonos kaulus. Galima tik tikėtis.

48. Septintasis antspaudas (1957)

Nuo pat pirmųjų Bergmano ikoninio dokumento apie tikėjimą, baimę ir pasitenkinimą vaizdų užburia jus. Atšiaurus, grūdėtas žvilgsnis į jūrą, pakrantę ir joje drąsųjį riterį bei jo lemtingą susidūrimą su mirties personifikacija nusako filmo objektyvumo aiškumą, net jei palieka erdvės nuolat būti gundančiam, beveik bauginančiam dviprasmiškumui. Neprilygstamo Maxo von Sydowo ir aktorių grupės, pakeliančios nuostabią Bergmano medžiagą, sukurtą pagal jo pjesę „Medžio tapyba“ iki netikėto lygio, „Septintasis antspaudas“ per savo negausias 90 minučių įspūdį turi magnetinis pasirodymas. Iš kartos kartos perduodama pasaka, kuri skatina vaizduotę daug plačiau, nei ji pati gali tikėtis. Gunnar Fischer putojantis, traškus juodos ir baltos spalvos atspalvis užtikrina, kad gąsdinantis intensyvumas lįstų po mūsų oda. Į srautą panašus sklandumas yra pasakojimo, išskleidžiamo su didingu pasitikėjimu ir apčiuopiamu nuosaikumu, rezultatas. Tai gali būti labai paprasta istorija, kurios glėbyje vis dėlto glūdi vertingos idėjos, tačiau ji pasiūta tokiu įmantriu ir drąsiu audiniu, kad negalite ne kartą į ją žiūrėti, kad ji virstų ilgalaikiu prisiminimu.

47. „La Dolce Vita“ (1960 m.)

Atsargiai, kantriai ir poetiškai sušvelnintas Fellini virtuozas yra visiškai demonstruojamas jo Auksinės palmės šakelės laureate, kuris savo sielos ir šešėliniu žavesiu užfiksuoja gyvenimo būdą, kuris atrodo pernelyg sunkiai suvokiamas ir kai kuriais atžvilgiais pernelyg tikras. Jo tempas pabrėžia pagrindinio veikėjo betikslumo jausmą ir verčia mus išsimaudyti simfoniškoje gyvenimo virpesių išdėstyme ir kaip visa tai trumpalaikė. Šį pagrindinį veikėją vaidina karjeros geriausias Marcello Mastroianni, kuris panaudoja šią laiko dovaną, kad pripildytų akis nenugalimo pasaulio nuovargio. Suabejoti tam tikrų „La Dolce Vita“ dalių, kurios gali atrodyti be filosofinės svarbos ar pasakojimo svarbos, svarbos yra atmesti galimybę leisti pikantiškoms smulkmenoms nusiplauti ir tada apmąstyti pasekmes. Dangiškajai Nino Rotos partitūrai nukeliant mus į svaiginantį Romos pasaulį, matomą Fellini iliuzine akimi, matote tik tai, ką jis nori, kad matytumėte, ir tai greitai tampa tuo, ką norite matyti ir jūs.

46. ​​Psycho (1960)

Žmones geriausiu atveju galima apibūdinti kaip savotiškus. Žmogaus protas, kuris gali padaryti daug stulbinančių dalykų, taip pat gali išsigimti iki nesuvokiamo. Alfredo Hitchcocko filmo „Psichas“ pristatymų nereikia, nes jis aukštai laiko galvą tarp nesenstančių kino teatrų. Tai ne tik klasika, bet ir liūdnas komentaras apie žlugusią žmonių moralę. Ir tai ne Normanas Batesas! Šausmingas ponios Bates gniaužtas, dėl kurio Normano gyvenimas sustojo vaikystėje ir galiausiai pilnametystėje, primena, kaip meilė gali užgniaužti kvapą. Žinoma, ponas Hitchcockas priėmė keistą „Psycho“ politiką, kuri apėmė neleisti vėlyviems dalyviams į filmą. Jis buvo priimtas siekiant užtikrinti visišką teisingumą pulsuojančioje filmo kulminacijos scenoje. Tikriausias trileris „Psycho“ yra istorija apie sūnų, jo motiną ir jų nesveiką nuosavybės ryšį. Hitchcockas buvo taip įnirtingai saugomas dėl finalo, kad reklamavo filmą šia etikete – Neišduok pabaigos – tai vienintelė, kurią turime!

45. Solaris (1972)

Tarkovskio „Solaris“ yra panašus į filme pavaizduotus reiškinius. Nuo to, kad mane glumina savo giliai įsišaknijusia koncepcija, iki išsivystymo į esybę, su kuria negaliu išsiskirti, tai yra patirtis, priverčianti susimąstyti apie kiekvienos visatą sudarančios molekulės užmirštamumą. Galbūt mes žinome apie mokslinius matmenis, bet ar bet koks instrumentas gali apskaičiuoti meilės ar liūdesio kiekį, kurį turi širdies nanogramas? Ar kas nors gali rasti smegenų ląstelę, kurioje slypi nepamirštama atmintis? Nuo užburiančios Bacho muzikos pradžios sekoje iki amžinos greitkelio scenos, Tarkovskio laiko panaudojimas atitraukti žiūrovą nuo normalaus pasaulio veikimo yra meistriškas. Solaris yra ta sritis, kurioje emocijos siunčia jus į beprotybę, bet kas gi nesijaustų, kai beprotybę malonu liesti ir ji yra pakankamai viscerališka, kad atlaisvintų jus nuo savęs.

44. Šindlerio sąrašas (1993)

Svarbus filmas, kuriam labai naudinga Spielbergo nuojauta dėl dramatizmo, tai taip pat nerimą kelianti ir jautri patirtis pačiam. Filmas, kaip ir daugelis kitų šiame sąraše esančių, yra meistriškumo klasė to, ką mėgstu vadinti supaprastintu, paveikiu pasakojimu. Pasakojimas seka Oskarą Schindlerį, vokiečių verslininką, kuris Holokausto metu išgelbėjo daugiau nei tūkstančio žydų gyvybes, įdarbindamas juos savo gamyklose. Visi trys pagrindiniai veikėjai, Liamas Neesonas kaip Oskaras Schindleris, Ralphas Fiennesas kaip Amonas Gothas ir Benas Kingsley kaip Itzhakas Sternas yra puikios formos, sukasi nuoširdžiausiais pasirodymais. Scena, ypač filmo pabaigoje, kai Schindleris sugenda, galvodamas, kiek dar gyvybių būtų galėjęs išgelbėti, yra labai jaudinanti ir lieka mano mintyse įsirėžusi kaip viena galingiausių, širdį veriančių scenų kine. Tai, kad filmas buvo nufilmuotas nespalvotai, retai, retkarčiais naudojant spalvas, simbolizuojančias ar paryškinant svarbų elementą, sustiprina patirtį. Lengvai tai yra geriausias Spielbergo filmas, tai išlieka esminė filmų peržiūros patirtis.

43. Lawrence Of Arabia (1962 m.)

Kinas kaip medija vis didingesnis. Naudodamiesi pažangiausiomis technologijomis, šiandienos filmų kūrėjai siūlo mums nepaprastų kino įspūdžių. Tačiau yra keletas filmų, sukurtų prieš CGI atsiradimą, kurių didžiulis ir monumentalus mastas nerado bendraamžių. Davido Leano epinė istorinė drama, paremta gyvenimu T. E. Lorensas , viena žinomiausių Didžiosios Britanijos figūrų, yra vienas iš tokių filmų. Jame pagrindinį vaidmenį atlieka Pater O'Toole kaip Lawrence ir aprašomi jo nuotykiai Arabų pusiasalyje per Pirmąjį karą. Nuo pat pradžių Davidas Leanas nupiešia stulbinantį judantį begalinės dykumos paveikslą visoje jos šlovėje, padedamas kinematografo Freddie Youngo ir įspūdingą Maurice'o Jarre'o natūrą. Tačiau tai jokiu būdu neaukoja emocijų dėl ekstravagancijos. „Arabijos Lorensas“ yra stulbinantis Lorenso charakterio tyrimas – jo emocinė kova su asmeniniu smurtu, būdingu karui, jo paties tapatybė ir jo padalinta ištikimybė tarp jo gimtosios Britanijos ir jos kariuomenės bei jo naujai atrastų bendražygių. arabų dykumų gentys. Dėl šios naudingos kokybės „Lorensas iš Arabijos“ yra vienas įtakingiausių kada nors egzistavusių filmų.

42. „Ieškotojai“ (1956)

Neabejotinai geriausias kada nors sukurtas vesternas, geriausias Johno Fordo karjeros filmas „Ieškotojai“ yra amerikiečių klasika, vienas geriausių šeštojo dešimtmečio filmų. Nors tuo metu buvo žavimasi ir gerbiama, jo plėšianti, stulbinanti galia nebuvo pripažinta keletą metų, tačiau aštuntojo dešimtmečio pradžioje jis buvo pripažintas šio žanro klasika ir, ko gero, geriausiu kada nors sukurtu vesternu. Žinoma, laikas sumenkino dalį filmo galios, bet ne tas aukštas, įnirtingas Wayne'o pasirodymas, nei rasizmas filme, kuris kursto pyktį ir įniršį. Varomasis filmo pasakojimas, Etanas ir jo ieškojimai yra nesenstantys, tokie pat galingi šiandien, kaip ir anuomet, galbūt labiau todėl, kad daugelis subtilių istorijos punktų dabar yra aiškūs.

41. Pather Panchali (1955)

Filmas, atnešęs pasauliui Indijos kiną ir padovanojęs kinui vieną geriausių autorių Satyajit Ray. Remiantis Bibhutibhusano Bandopadhay romanu, „Tėvas Pančalis“ pasakoja apie skurdžią šeimą, bandančią klestėti per daugybę gyvenimo negandų. Galima teigti, kad tai romantizuoja skurdą, nes žiūrovas yra daugelio išbandymų, su kuriais susiduria šeima, liudininkas, užsidirbdamas pragyvenimui. Nepaisant to, akimirkos, persipynusios su maestro Ravi Šankaro muzika, lieka su žiūrovu. Meilūs Appu ir jos sesers Durgos santykiai, traukinių seka, kuri yra vienas iš svarbiausių filmo momentų, perkelia filmą į kitą lygį. „Tėvas Pančalis“ bėgant metams tapo vienu kultinių filmų ir nuolat patenka į geriausių visų laikų filmų sąrašus ir pelnytai.

40. Kasablanka (1942 m.)

Esminis amerikiečių klasikinis filmas. Galbūt jo žavesys turi kažką tokio užkrečiančio, kad jūs vis dar jį įsimylite net visus šiuos metus. Be didžiulio pakartotinio žiūrėjimo faktoriaus, įsimintinas rezultatas (As Time Goes By!) ir nepaprastai cituojamas dialogas yra tvirtas argumentas. Paprasčiau tariant, tai malonu, kai visų puikios kino patirties elementų yra reikiamu kiekiu!

Siužetas švelniai tariant paprastas, kartais beveik ribojasi su banalu. Ciniškas, sudaužytas širdis vyras, vadovaujantis garsiausiam Kasablankos naktiniam klubui, atsiduria kryžkelėje, kai kartu su vyru pasirodo jo mylima dama. Siužetinės priemonės čia yra garsiosios tranzito raidės, tačiau istorija neabejotinai pasakoja apie du įsimylėjėlius, atsidūrusius ankstyvųjų Antrojo pasaulinio karo etapų fone, ir Bogarto veikėjo sunkų sprendimą – pasilikti ar paleisti. Tačiau, kaip ir daugelyje šio žanro filmų, išpildymas atlieka viską, paversdamas „Kasablanką“ į vieną patraukliausių visų laikų romantinių dramų, kuri taip pat yra neįtikėtinai gerai suvaidinta; Humphrey'us Bogartas ir Ingrid Bergman yra aukščiausios klasės, juos puikiai palaiko tokie žaidėjai kaip Paulas Henreidas, Claude'as Rainsas ir Conradas Veidtas.

39. Barry Lyndonas (1975)

Žvelgiant į kiną kaip į meno formą, negalima paneigti Barry Lyndono tobulumo – nuo ​​gražios kinematografijos, užburiančių rinkinių, išskirtinės muzikos iki galingos režisūros. Kaip istorija, ji pasakoja apie jaunuolio gyvenimą XVIII a. Europoje, kai jis kopia laiptais aristokratijos link, o nelemtas likimas jį nuveda žemyn. Paveikslas turi keletą geriausių kada nors nufilmuotų scenų, kuriose žandikauliai naudojama šviesa, spalvos, fizinės savybės ir kt. Nėra geresnio būdo apibendrinti žmogaus gyvenimą, nei pažvelgti į jį objektyviai. Šiame filme buvo naudojamas nepatikimas pasakotojas. Jis šaltas ir tolimas, retai suteikiantis galimybę publikai pajusti pagrindinį veikėją. Iš šios perspektyvos Baris Lindonas yra prabangus charakterio tyrimas su turtingais personažais, realistišku prisilietimu ir poetišku emocijų perteikimo būdu. Tai tiesiog geriausias kinas.

38. Generolas

Vienas iš seniausių sąrašo pavadinimų „Generolas“ primena, kad daugelis šiuolaikinių veiksmo šedevrų sėdi ilgame šešėlyje, kurį slepia ne kas kitas, o nebyliosios komedijos genijus Busteris Keatonas. Pasigirti įspūdinga net Charlie Chaplino kūryba, pastarojo menininko mielas valkata keičiasi vietomis su nuostabiai kvailų personažų kavalkada Keatono atveju; visas apsuptas stulbinančio kinematografinio smalsumo, kuris išplėtė medijos ribas tokiuose filmuose kaip Šerlokas jaunesnysis ir „Operatorius“. Visa tai net neminint jo magnum opus, 1927 m. „Generolas: po konfederacijos inžinieriaus, skubančio įspėti savo pusę apie besiveržiančias Sąjungos karines pajėgas Amerikos pilietinio karo metu“. Jo pasakojimas sudaro šabloną neseniai pasirodžiusiam George'o Millerio filmui „Pašėlęs Maksas: Įniršio kelias“ ir beveik kiekvienam kada nors sukurtam filmui apie katę ir pelę, pasižymintį linksma komedija, įspūdingais specialiaisiais efektais ir drąsiais triukais, kuriais Keatonas kelia didesnį pavojų savo gyvybei. nei vieną kartą už savo mylinčios publikos žavėjimąsi. „Generolas“ tebėra vienas geriausių, jei ne pats geriausių kada nors sukurtų veiksmo filmų – toks, kuris linksminasi visomis savo būties dalimis ir sugeba pritraukti kuo daugiau puikiai sutvarkytų epinio masto akimirkų, kad galėtų konkuruoti su bet kokiu šiandien sukurtu CG apkrautu šurmuliavimu.

37. „Blow Up“ (1966 m.)

Laikas ? Svinguojantis šeštasis dešimtmetis. Vieta? Londonas. Miestas, kuris akina ir drasko. Ryškus ir spalvingas. Seksas, narkotikai ir rokenrolas. Apskritai, diena Thomaso, mados fotografo, gyvenančio, na, sakykime, abejotinos moralės gyvenimą, gyvenime. Įvykių kupiną dieną, nagrinėdamas poros nuotraukas, kurias gana slapta įamžino parke, jis aptinka jame negyvą kūną. Jis nueina į tą pačią vietą ir randa kūną, kuris yra vyras iš poros. Išsigandęs, jis grįžta į savo studiją ir pamato, kad ji buvo apiplėšta, bet liko viena nuotrauka – žuvusio kūno. Kitą dieną kūnas dingsta. Kas jį nužudė? Ir kodėl kūnas dingo? Kodėl Tomas jautė, kad yra sekamas? „Blow Up“ – tai režisieriaus Michelangelo Antonioni klasės poelgis, kuris daugelį metų įkvėpė daugybę filmų kūrėjų, įskaitant Brianą De Palmą ir Francisą Fordą Coppolą.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003 m.)

Svaiginantis, siurrealistinis meilės ir sielvarto epizodas niekada nebuvo ištirtas tokiu būdu ir tokiu sėkmės laipsniu, kaip tai daro „Amžinojo dėmio proto saulė“. Sodrus gražiais vaizdais ir išradinga partitūra, panašia į tyliosios eros garso takelį, neįmanoma visko paaiškinti apie „Amžiną nešvariojo proto saulę“. Be jokios abejonės, filmas yra padengtas sunkiai sekamu pasakojimu – nors iš tiesų, pradėjus sekti jis paprastas – tai vienas iš tų filmų, kuris yra labai naudingas vien dėl to, kad negali nustoti apalpti dėl labai apgalvotos koncepcijos ir giliai sujaudinti. filmas, kad tai yra. Tačiau tikroji laidos žvaigždė yra jos rašytojas, Čarlis Kaufmanas , kuris „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“ pavidalu galėjo parašyti patį nuostabiausią visų laikų kino istorijos scenarijų. Filmas, kuris yra ne tik savaip unikalus, bet ir be galo žiūrėtinas, o kiekvieną kartą peržiūrėjus galima rasti kažką naujo.

35. Taksi vairuotojas (1976 m.)

Filme „Taksi vairuotojas“ Martinas Scorsese pristato mums vieną iš labiausiai sutrikusių, mažai tikėtinų, tačiau įnoringiausių mūsų laikų veikėjų Travis Bickle. Filmas seka jį, kaip jis tampa taksistu, norėdamas susidoroti su nemiga, ir stebi, kaip jį pamažu įveikia visa jį supančio miesto beprotybė. Tikrasis būdas, kuriuo filmas „Taksi vairuotojas“ laimi, yra tai, kaip jam pavyksta priartėti prie tavęs, pamažu pereinant į niekšybę ir siaubą, kuris, atrodo, įžeidžia Travisą Biklą. Tuo jis pelnytai pelno savo išskirtinumą kaip psichologinis trileris, o ne drama, dažnai veikiantis ne tik dviem lygmenimis. Filmas kai kuriems gali būti nerimą keliantis žiūrėjimas dėl savo tamsios temos, dar tamsesnio traktavimo ir saujelės smurto, tačiau žiūrovams, norintiems pažvelgti pro jį, tai yra ne tik puikus bandymas suprasti filmo dalį. žmogaus psichika, kuri dažniausiai pasireiškia budrumo forma. Aš turiu galvoje, kas gi nesusimąsto apie mūsų laikų neteisingumą ir jo grąžinimą? Būtent ta giliai įsišaknijusi norų išsipildymo fantazija „Taksi vairuotojas“ žaidžia itin efektyviai. Filmas dabar plačiai vertinamas kaip vienas svarbiausių kada nors sukurtų filmų ir supažindino pasaulį su galia, kuri buvo Scorsese.

34. „Paths Of Glory“ (1957 m.)

Prieš pradėdamas tyrinėti nepaaiškinamus visuomenės aspektus, kurie ne tik pranoksta laiką, bet ir žiūrovų lūkesčius iš jų pačių, Stanley Kubrickas sukūrė šį įspūdingą karo kūrinį, kurį vertinu kartu su „Ateik ir pamatyk“. Skirtingai nei pastarasis, „Paths of Glory“ savo širdį draskantį WW perteikimą išskiria iš to paties žmonijos seklumo, kuris dominavo pastaruosiuose Kubricko darbuose. Kubricko pasaulyje demonai yra padengti ne krauju ir purvu, o medaliais ir pasididžiavimu, o pragaras gilinasi į švenčiausias vietas – teismą. Tuo metu, kai pramonė priėmė patrauklią 3 juostelę, Kubricko monochromas nuspalvino karą vienu atspalviu. Kūnai, skudurai, kareivinės, dūmai, pelenai, viskas užmaskuota įprastu slegiančios agonijos vaizdu.

33. Trys spalvos: raudona (1994)

Liūdniausia menininko mirties dalis yra tada, kai pagalvoji, kad galutinis jų darbas yra pats didžiausias. Taip nutiko su lenkų autoriumi Krzysztofu Kieslowskiu ir paskutiniu jo filmu „Raudona“. Kieslowskis jau buvo paskelbęs apie pasitraukimą iš filmų kūrimo po filmo premjeros Kanuose 1994 m., tačiau tragiška jo mirtis, praėjus beveik dvejiems metams po to, kai paskelbė apie pasitraukimą, dar labiau liūdina. „Raudona“ yra paskutinė jo didelio pripažinimo sulaukusios trilogijos „Trys spalvos“ dalis, pasakojanti apie jauną moterį, kuri susitinka seną vyrą po to, kai ji netyčia savo automobiliu partrenkė jo šunį. Senolis – į pensiją išėjęs teisėjas, atitrūkęs nuo gyvenimo ir bet kokių emocijų, laiką leidžia šnipinėdamas kitus žmones. Tarp judviejų užsimezga mažai tikėtinas ryšys su subtiliais romantiškais atspalviais. „Raudona“ yra apie atsitiktinumus ir atsitiktinumus, kurie mus stebina kasdien, ir apie mūsų nesugebėjimą pripažinti to grožio ir reikšmės. Viso filmo metu tvyro nepaaiškinamas melancholijos jausmas apie žmogaus likimo ir laiko tragediją ir apie tai, kaip mes, pasaulio žmonės, esame vienaip ar kitaip susiję. „Raudona“ yra stulbinantis filmų kūrimo žygdarbis ir tiesiog vienas geriausių kada nors sukurtų filmų.

32. Siera Madrės lobis (1948)

Kaip rodo pavadinimas, lobių ieškojimas mums dažnai asocijuojasi su pulsuojančiu nuotykiu ir su juo susijusiu adrenalino antplūdžiu. Tačiau yra labai mažai istorijų, kuriose kalbama apie emocijas, kurias patiria žmonės, pradėdami kelionę gauti aukso. Dažnai sakoma, kad nelaimės išryškina tavo tikrąjį charakterį. „Siera Madrės lobis“ pasakoja istoriją, kai aukso geismas atneša nemalonių veikėjų pasikeitimų, galiausiai nulemdamas jų individualų apleistą. Nors pagrindinis dėmesys skiriamas sąžinę gadinančiam godumui, žiūrovui lieka žmogaus charakterio tyrinėjimas nepalankiose situacijose. Tragiška istorija apie godumą ir išdavystę, šis filmas laimėjo akademijos apdovanojimą už geriausią režisierių, geriausią adaptuotą scenarijų ir geriausią antraplanį aktorių. Bėgant metams tai tapo kultine kino mėgėjų klasika visame pasaulyje.

31. Grožinė literatūra (1994)

Grožinė literatūra – terminas, žymimas žurnalams ar knygoms, kuriose ypač pabrėžiamas smurtas, seksas ir nusikalstamumas. Dėl šių elementų žurnalai buvo parduodami kaip karšti blynai. Tarantino paėmė šiuos elementus, sumaišė juos į tris istorijas ir sukūrė pasakojimą, kuris buvo ne mažesnis nei kino genijus. Vienas unikaliausių sukurtų popkultūros filmų, kuriame žiūrovas susipažįsta su mafiozo smogikų Vincento Vegos, jo partnerio nusikaltimų ir motorodžių Jules'o Winnfieldo, gangsterio žmonos Mia Wallace, boksininko Butcho Coolidge'o pasauliu ir yra priblokštas. stilingas nusikaltimų ir smurto traktavimas. Vienas iš svarbiausių filmo aspektų, prisidėjęs prie jo sėkmės, buvo Samuelio L. Jacksono pasirodymas. Kaip smogikas Julesas Winnfieldas, cituojantis Biblijos eilutes kaip įspūdį, jis buvo fenomenalus. Vienas didžiausių šios eros filmų „Pulp Fiction“ tapo vadovėliu trokštantiems kino kūrėjams visame pasaulyje.

30. Alžyro mūšis (1966)

Keletas filmų sutvarkė politikos naštą taip, kad praturtintų jų kinematografinį efektą, tačiau palikite tai gudriam kursčiajam italų maestro Gillo Pontecorvo, kuris vis dar slegiantis šeštojo dešimtmečio pabaigos prancūzų kolonijinės Alžyro žmonių priespaudos blyksnis ir pavers jį kažkuo. visiškai įtikinamai. Dėl vis dar neatskleistos paralelės, kurias šiandien piešia puikiai neutralus Pontecorvo abiejų pusių vykdomas teroro ir terorizmo stebėjimas, todėl „Alžyro mūšio“ išgyvenimas yra žavus intelektualinis iššūkis mūsų supratimui apie nespalvotą karą, o Mikloso šaltumas. Jancsó neišdildoma filmografija. Be to, jo naujienų redagavimo technikos yra filmų komunikacijos orientyras ir, mano galva, kur kas labiau panaudojo pašėlusius „Nouvelle Vague“ kirpimo būdus nei daugelis jo tiriamųjų stiebo antraštių. Kartą matytas, niekada nepamirštas „Alžyro mūšis“ yra tiesiog esminis pasaulio kino kūrinys.

29. „Goodfellas“ (1990 m.)

Režisieriaus svajonė – sukurti filmo epochą to laikotarpio, kuriuo jis buvo kuriamas. Tačiau Martinui Scorsese tai yra įprotis. Kiekvieną dešimtmetį jis buvo A-Lister, jis sukūrė filmą, kuris laikomas vienu didžiausių to laikotarpio. Aštuntajame dešimtmetyje jis sukūrė „Taksi vairuotojas“, devintajame dešimtmetyje – „Raging Bull“, 9-ajame dešimtmetyje – „Goodfellas“, 2000-aisiais „Išvykęs“ ir 2010-aisiais „Volstryto vilkas“. Ir būtent 1990 m. gangsterių drama, paremta tikra mafiozo bendražygio Henry Hillo istorija, tapo vienu iš šio žanro etalonų. Filme, kurį pirmuoju asmeniu pasakoja Hillas, pasakojama apie jo, kaip Niujorko mafijos dalies, pakilimą ir nuosmukį 1955–1980 m. Priešingai nei gangsterių ekstravagancija filmuose „Krikštatėvis“ ar „Scarface“, „Gerieji vyrai“ kalba apie autentiškos kasdienio gangsterių gyvenimo smulkmenos, tiek daug dėmesio Hillo santykiams su žmona Karen, kiek jo žygdarbiams su gaujos draugais. Tačiau Scorsese savo gudrybių virpėjime naudoja visas strėles, kad šis reikalas būtų viliojantis, pvz. šis legendinis ilgo stebėjimo šūvis , kai kurie įsimintini dialogai ir sprogstamasis Joe Pesci veiksmas kaip Tommy DeVito, audringas Hillo bendražygis. Kalbant apie kriminalinį žanrą, „Goodfellas“ yra toks geras, koks yra.

28. Įniršęs jautis (1980)

Martinas Scorsese yra žinomas dėl to, kad savo filmuose vaizduoja sugedusių, ydingų, dažnai save naikinančių veikėjų istorijas. Ir jis dažnai naršė istorijos metraščius, kad surastų savo žuvusius herojus tikrose istorijose. „Raging Bull“ – legendinio boksininko Jake'o LaMotta gyvenimo istorija, kurio save naikinantis ir įkyrus įniršis, seksualinis pavydas ir gyvuliškas apetitas, dėl kurių jis tapo ringo čempionu, sugriovė santykius su žmona ir šeima. Filmas yra visiškai nufilmuotas nespalvotai, kad iš tikrųjų pavaizduotų epochą, kurią jis sukūrė, ir tamsią, slogią nuotaiką, kurią jis apibrėžė. Scorsese tikėjosi, kad tai bus paskutinis jo projektas. Taigi kurdamas filmą jis buvo kruopštus reiklus. Lygiai taip pat atsidavęs buvo Robertas De Niro, kuris atlieka pagrindinį vaidmenį. Jis priaugo 60 svarų ir iš tikrųjų treniravosi kaip boksininkas. Jis persmelkia trumpai susiliejusias LaMotta manieras ugningai tobulai, nes visiškai pasineria į charakterį. Už savo bėdas gavo pelnytą atlygį. Tai didžiausias Scorsese-De Niro triumfas. Intensyvus, galingas magnum opusas.

27. Krikštatėvis: II dalis (1974)

Antrųjų dalių istorijoje buvo žinoma, kad nedaug filmų atitiko pirmosios šlovę, o kai kuriais aspektais juos pranoksta. Jei bus sudarytas tokių filmų sąrašas, „Krikštatėvis: II dalis“ taps jo brangakmeniu. Išgyventi pagal pirmojo palikimą buvo didžiulė užduotis, tačiau šis „Krikštatėvio“ sagos tęsinys ne tik pavyko, bet ir išplėtė savo palikimą, tapdamas didžiausios kada nors pasakytos Amerikos istorijos apie organizuotą nusikalstamumą dalimi. Filmas pristato du lygiagrečius naratyvus; vienas susijęs su Michaelu Corleone kaip naujuoju Corleone „šeimos verslo“ vadovu, antrasis demonstruoja puikų Robertą De Niro kaip jauną Vito Corleone ir jo atėjimą į valdžią. Abi istorijos yra meistriškai supintos ir pateikia viliojantį pasakojimą, kuris nė karto neatleidžia žiūrovo gniaužtų. Al Pacino čia atlieka kai kuriuos geriausius savo darbus, jo naujai atrastas žvilgsnis praktiškai kramto peizažą kiekvieną kartą, kai pasirodo ekrane. Vienas iš tų beveik tobulų filmų, kurį galima žiūrėti nepriklausomai nuo laiko, vietos ir paskutinio žiūrėjimo, o jūs vis tiek visiškai atsiduodate ir baiminatės. Jei I dalis yra šventasis altorius, tai II dalis yra duona ir vynas.

26. Laikrodžio mechanizmo apelsinas (1971)

Pirmas dalykas, kuris tikriausiai ateina į galvą paprašius apibūdinti šį filmą vienu žodžiu, yra „nerimą keliantis“. Vienintelis filmas sąraše, kurį išdrįsau peržiūrėti dar kartą, žiūrėdamas šį filmą kelis kartus pagavau save krūptelėjusį. „Laikrodinis apelsinas“ yra bekompromisis socialinis komentaras, suteikiantis ryškių vaizdų, nuo kurių niekada neatsigaus. Tai tamsu, susukta ir nesuteikia atpirkimo tiems, kurie jo siekia filme, kuriame visuomeniniu požiūriu tikriausiai niūriausia distopija. Ir čia, manau, slypi filmo sėkmė, perkeliant nerimą keliančius pranešimus namo. Netradicinis bet kokiu būdu, kurį galite įsivaizduoti, jis suteikia mums pagrindinių veikėjų, kurie yra žiaurūs iki širdies gelmių ir atsiduoda ultravioletiniams smurto aktams bei prievartavimams; ji komentuoja socialinę politinę situaciją pačiu atšiauriausiu būdu, kaip tik galite įsivaizduoti, sukelia pasimetimo būseną, nes Alexas DeLarge'as (vaidina charizmatiškasis Malcolmas McDowellas) patiria nežmoniškus pertvarkymo būdus ir baigiasi, paliekant auditoriją į neviltį. farrago visų dalykų, ši nerimą kelianti patirtis priverčia jaustis iš karto. Tikrai, kubrickiškų proporcijų kūrinys.

25. Galvos svaigimas (1958)

„Vertigo“ istorija klostosi taip – ​​buvęs detektyvas Scotty (James Stewart) kenčia nuo akrofobijos dėl incidento, įvykusio vykdant pareigas. Prie jo kreipiasi senas draugas, kad stebėtų jo žmoną Madeleine, kuri, jo manymu, yra apsėsta. Iš pradžių skeptiškai nusiteikusi Scottie netrukus tampa destruktyviai apsėsta gražiosios damos, kuri, atrodo, yra daug daugiau, nei leidžia. Alfredo Hitchcocko ryškumas slypi tame, kad jo didžiausi filmai, kuriuos jaudinantis žiūrėti pirmą kartą, atrodo, atveria žiūrovui naują supratimo sluoksnį kiekvieną kartą iš eilės. Žinoma, paviršutiniškai pažvelgus, „Vertigo; yra gerai sukurta psichologinės žmogžudystės paslaptis. Tačiau kai žiūrite jį nuolatos, jos temos apie vyrišką agresiją ir moters įvaizdžio kūrimą vyro galvoje pradeda skleistis kaip begalybės dėžutė ir jus užvaldyti. Turbūt labiausiai senstantis filmas kada nors sukurtas, lėtai degantį Vertigo spindesį liudija tai, kad sulaukęs prieštaringų atsiliepimų, filmas plačiai vertinamas kaip vienas geriausių kada nors sukurtų filmų. Trilerių meistro šedevras.

24. Hirosima, mano meilė (1959)

Gimęs iš prancūzų kairiojo kranto vizionieriaus Alaino Resnais proto, „Hirosima mon amour“ yra filmas, verkiantis iš transcendentinės jėgos. Jo istorija apie laiką, susipynusią su atmintimi ir abiejų randų atsiradimu Hirosimoje per Antrąjį pasaulinį karą, pasakojama per du žmones – vieną prancūzą, vieną japoną – jiems bandant sujungti vyraujančią žinią apie ten sukeltus niokojimus. Išskyrus tai, kad iš tokios kvailystės nieko nepasieksite nei intelektualiai, nei emociškai. Tai darbas, persunktas tarptautinio sielvarto, siekiantis toliau nei pats konfliktas ir į tiesas bei represijas, kurios kiekvieną dieną persekioja žmones. Per atominio sprogimo atgarsius atrandame dalelę to, kas su mumis taip negerai. Tai, kad Resnais tiesiog supranta šią neliečiamą painiavą, o ne bando ją ištaisyti, daro „Hirosimą mon amour“ vienu didžiausių kino šedevrų.

23. Random Balthazar (1966)

Apleistas Roberto Bressono šedevras yra jausmo pratimas. Jis vengia apibrėžti aiškų pagrindinį veikėją ar pagrindinę temą, nebent skaičiuojate stebuklingą gamtos jėgą, kuri yra Baltazaras, o jei filmą vertinate kaip nominalią vertę, to nedarote. Bet jei leisi jam būti savo prieigos prie emocinio ir teminio filmo kraštovaizdžio tašku, sunku iš jo sugrįžti neapdovanotam. Savotiškas, liesas ir šaunus Baltazaro vizualinis stilius retrospektyviai atrodo beveik žavingas; jos ramus trapumas apgaubtas rezignuojančiu, išskirtinai išmintingu kontrolės jausmu. Netgi apčiuopiamas jo nuoširdumas slepia ištirtą pastangą šiek tiek susilaikyti, savo aplinkos ir charakterio paprastumu maitinti turtingumą, paliekamą publikai atrasti ir kai kuriais kvapą gniaužiančiais atvejais įsivaizduoti. Kadangi aktoriai labai mažai kalba apie savo keblią padėtį, mes patiriame atsitiktinius, nepagrįstus žiaurumo veiksmus ir jaučiame gniuždantį liūdesį. dėl juos. Tokia forma, kai net labiausiai pasiekę menininkai siekia tik sustiprinti žiūrovų pojūčius, prisitaikydami prie išbandytų ir patikrintų dalykų, Bressono vaizdai suteikė man lyrinį šabloną, kuriuo remiantis galiu pagrįsti mano užuojautos mastą, net įvertinti, kiek ta užuojauta yra sąmoninga. .

Visa tai sugrąžina mane prie pradinės minties. Reikšmės suteikimas kiekvienai „Baltazaro“ akimirkai priklauso ne nuo to, ar manome, kad jos turinys yra socialinio ar net politinio pobūdžio alegorijos, o nuo to, kaip jie mus padaro. jausti mėgaudamiesi jų sudėtingumu ir tylumu, užuot pasikliavę beprotiška ekspozicija, kuria naudojasi dauguma filmų. Taigi logiška, kad pagrindinis veikėjas yra to paties pavadinimo asilas.

22. Andrejus Rubliovas (1966)

Manau, kad „Andrejus Rublevas“ yra geriausias rusų autoriaus Andrejaus Tarkovskio idėjos apie skulptūrą laike pavyzdys. Daugelis pastarųjų darbų buvo abstraktūs, nes jis nagrinėjo neįtikėtinai asmeniškas temas ir vizualizaciją, kurios buvo išsklaidytos per tam tikrą laiką. Su „Andrejumi Rublevu“ Tarkovskis užfiksavo patį laiką, o paskui jį paglostė giliausiais menininko sielos atspalviais. Tarkovskis yra bene vienintelis režisierius, kuris galėjo pasiekti aukščiausius pasiekimus vaizduojant menininko represijas. Jis tyrinėja slegiančius Rusijos režimus, kurie šaliai yra tokie pat vietiniai, kaip ir gilioji jos literatūra, kuri stebėtinai kvestionuoja pačius įtikinamiausius dvasinio ir metafizinio klausimus. Daugelį vėlesnių Tarkovskio bruožų, įskaitant gamtos tėkmės filmavimą, galima pastebėti Andrejaus Rublevo kelionėje. Tai filmas, kuris tave nufilmuoja, sugriauna ir priverčia susimąstyti – tiek filmo metu, tiek dar ilgai pasibaigus titrams.

21. Nuotykis (1960)

Kaip jautiesi dėl neįmintos paslapties? Arba nebaigta istorija? Ar jūs siekiate užsidarymo beviltiškai jo ieškodami? Arba sutinkate su faktais ir judate toliau? Argi ne tai gyvenimas? Padaryti kompromisą ir judėti toliau? Filmas, atnešęs Michelangelo Antonioni pripažinimą visame pasaulyje, „Avventura“ yra jaunos moters dingimo istorija per kelionę jachta per Sicilijos pakrantę. Jos paieškos suartina buvusį mylimąjį ir geriausią draugą ir prasideda nerimą keliantys santykiai. Nors istorija yra apipinta dingusios moters paieška, jos tikrasis tikslas yra sukurti pasakojimą, nesusijusį su dideliu įvykiu ir vis tiek sužavėti auditoriją. Tikrieji pagrindinių veikėjų motyvai niekada iki galo nepaaiškinami, o pasibaigus filmui žiūrovas yra priverstas susitaikyti su tuo, kad kai kurie įvykiai lieka nepaaiškinti, kaip ir gyvenimas. Neabejotinas šedevras!

20. Kvėpuojantis (1960)

Dar gerokai prieš tai, kai Quentinas Tarantino įsiveržė į Amerikos nepriklausomą sceną savo beprotiškai įmantriu požiūriu į filmų kūrimą, kuris labiau akcentavo stilių, o ne turinį, buvo šis žmogus, vardu Jeanas Lucas-Godardas, kuris be baimės perėmė tradicines kino gramatikas ir beatodairiškai jas laužė. žemyn, iš naujo apibrėžiant ir formuojant filmus tokius, kokius matome šiandien, su filmu pavadinimu „Breathless“. Galbūt jokiam kitam filmui nepavyko užfiksuoti trumpalaikės jaunystės beprotybės taip, kaip „Breathless“ su savo beatodairiška energija ir svaiginančia atmosfera. Neįtikėtinai naudojami šuoliukai sujaudina būdingą prielaidos beprotybę, nes Godardas įnirtingai nutolsta nuo savo veikėjų, prašydamas sutelkti dėmesį į fragmentiškus siužetinės linijos aspektus, o ne į visą istoriją. „Breathless“ yra vienas svarbiausių filmų debiutų kino istorijoje ir, nors jis ir toliau poliarizuoja sinefilus ir kritikus, negalima paneigti jo įtakos šiuolaikiniam kinui.

19. Septyni samurajus (1958)

Akira Kurosawa yra viena originaliausių, įtakingiausių ir žinomiausių režisierių, kada nors gyvenusių. Rogeris Ebertas kartą pasakė apie Kurosawą Galima teigti, kad šis didžiausias režisierius įdarbino veiksmo herojus ateinantiems penkiasdešimčiai metų, ir jis negalėjo būti tikresnis. Sergeo Leone „Kumštis dolerių“, iš kurio, kaip teigiama, gimė spagečių vesterno žanras, įkvėptas Kurosawos „Yojmbo“. Dabartinis mūsų įrašas taip pat yra techninis ir kūrybinis baseinas ir įkvėpė daugybę tiesioginių perpasakojimų, taip pat daug vizualinio elemento šiuolaikiniame kine . Epinėje dramoje aprašoma septynių istorija roninas (bešeimininkių samurajų), kurie imasi ginklų, kad apgintų skurdžią civilizaciją, kuriai nebėra vietos, nuo banditų puldinėjimo XVI amžiuje Japonijoje, kuri baigiasi įnirtinga kulminacine kova. Tačiau „Septynių samurajų“ ryškumas slypi tame, kad jame pasakojama daugybė gerai sukurtų istorijų, kurios skiriasi įvairiais žanrais ir pagrindinėje dramoje. Visame filme yra veiksmo, nuotykių, romantikos ir pilnametystės elementų. Jį taip pat sudaro tokie gausiai išplėtoti kaip retas kepsnys personažai, kurie vėliau taps daugelio žanrų pagrindiniais elementais. Tikrai įkvepiantis meno kūrinys.

18. Gyvybės medis (2010)

„Gyvybės medis“ yra aukščiausia kino forma: jis tiesiog nepasakoja istorijos, o siekia pakeisti tavo gyvenimą. Tai filmas, kuriam prireiks laiko, o kai tai padarys, jums bus sunku nuolat apie tai negalvoti. Nepaprasto masto ir ambicijų kino eilėraštis „Gyvybės medis“ ne tik prašo žiūrovų stebėti, bet ir apmąstyti bei jausti. Paprasčiausiai tai istorija apie kelionę ieškant savęs. Sudėtingiausia, tai meditacija apie žmogaus gyvenimą ir mūsų vietą didžiojoje dalykų schemoje. Nesvarbu, kokiu tikėjimu tu tiki, ar apskritai tiki aukštesne esybe. Tikrasis nuostabos jausmas filme kyla iš magijos, kurios yra pats gyvenimas. Pats gražiausias filmo aspektas yra tas, kad su laiku jis vis gerėja, kaip puikus vynas.

17. Iš arti (1990)

Velionis didysis Irano autorius Abbasas Kiarostami grožį ir poeziją dažnai matė absurdiškiausiuose kasdieniškuose žmogaus gyvenimo epizoduose. Su apgaulingai paprastais siužetais ir natūralistinėmis aplinkybėmis Kiarostami tyrinėjo universalias temas, kurios sklandžiai peržengė kultūrines kliūtis dėl žmogiškumo, į kurį buvo įtrauktas jo kinas. „Iš arti“ yra neabejotinai labiausiai pasiekęs jo darbas ir vienas originaliausių, išradingiausių darbų. kada nors sukurto kino meno. Filmas yra dokumentinės fantastikos pavidalu, kuriame pasakojama apie tikrąjį žmogaus, kuris apsimetė Irano kino režisieriumi Mohsenu Makhmalbafu, teismą. Aktorių grupėje yra žmonių, kurie iš tikrųjų dalyvavo procese, vaidindami save filme. „Iš arti“ – tai stulbinantis žmogaus tapatybės tyrinėjimas, matomas paprasto žmogaus, kuris sunkiai susitvarko su savimi ir savo gyvenimu, akimis, iš beviltiško liūdesio ir nuoširdžios meilės kino menui, jis žengia į savo stabo kailį. žinokite, koks jausmas būti tikrai gyvam, juo žavimasi ir gerbiamas. Tai aukščiausio lygio filmų kūrimas.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Briuselis (1975 m.)

Šis prancūzų avangardinis filmas, kurio pagrindinę heroję atlieka Delphine Seyrig, nėra vien tik kino patirtis. Tai arčiau pratimo – išbandymo ir paveikia tave taip, kaip nedaugelis kitų filmų padarė anksčiau ar vėliau. Nepriklausomame kūrinyje pagrindinis dėmesys skiriamas trims dienoms vienišos, neramios namų šeimininkės gyvenime, kai ji atlieka savo griežtą grafiką, užpildytą kasdieniais namų ruošos darbais. Ji yra motina ir našlė, kuri vakarais atlieka sekso darbus džentelmenams, kad užsidirbtų pragyvenimui. Problemų kyla, kai antrąją dieną jos rutina šiek tiek sutrikusi, o tai sukelia savotišką domino efektą, kuris atsispindi kitose valandose. Jeanne Dielman Įtraukia žmogų į lėtą ir meditacinį pasaulį su išskirtiniu Akermano režisūriniu parašu, apimančiu diegetišką atmosferą ir hipnotizuojančią aurą, kurią sukelia rami, subtili ir kantri meistriškumo asmenybė, kuri yra skausminga egzistencijos monotonijos šventė.

15. Rashomon (1950)

Vienas iš netradicinių ir eksperimentiškiausių savo laikui filmų kūrimo kūrinių „Rashomon“ stebi, kaip meistras dirba, išnaudodamas savo pasakojimo įgūdžius. Paprasčiau tariant, tai yra pasakojimas apie incidentą, kuris įvyko keturiais labai skirtingais požiūriais: kaltinamųjų, aukų ir tų, kurie teigia esantys liudininkai. Jis išsiskiria visais techniniais pagrindais beveik nepriekaištingu montažu ir meistriška režisūra, tačiau filmas užsitikrina savo pergalę teminiais klausimais, su kuriais jis susiduria; klausimai apie absoliučios tiesos egzistavimą. Ar tiesa iš tikrųjų yra tokia objektyvi ir neteisinga, kokia ji atrodo, ar yra tam tikras subjektyvumas? Paprastai jis yra objektyvus arba bent jau plačiai toks laikomas, be jokios kitos jo versijos. Šis filmas tai kvestionuoja taip, kad pats žiūrovas lieka nervinamas klausimų, taip pat dažnai komentuoja, kaip žmonės kartais nėra visiškai sąžiningi net sau. Tai taip pat temiškai sudėtinga, kaip yra, bet atrodo taip paprasta, kaip norite.

14. Stalkeris (1979)

Neįmanoma pervertinti jo mažesnių palikuonių, tarp kurių yra itin sėkmingas televizijos serialas „Westworld“, „Stalkerio“ įtaka vizualiniam pasakojimui. Idėjos – filosofinės, dvasinės ir mokslinės – bei jų vikrūs, šlovingi kino tyrinėjimai filme „Stalker“ paliko įspūdį daugelyje mokslinės fantastikos, kurios ateis po jo. Tokių filmų kūrėjų, kaip Terrence'o Malicko, darbuose atsispindi ne tiek sklandymas, transą sukeliantis ir taškuose, abstraktus tempas ar sielą sujaudinantis monochromatinės sepijos naudojimas už zonos ribų ir įspaudžiamos Estijos vietovių spalvos. ir Lav Diaz, kad būtų galima paminėti keletą, bet ištverminga kantrybė ir nuolankumas. Iš esmės perduodamas filosofinius valdymus žiūrovams, Tarkovskis palieka tiek daug erdvės žiūrovams patiems atrasti daugybę metafizinių filmo aspektų, kad net ir jo neprilygstama literatūrinė ir vizualinė poezija atrodo tiek pat mūsų, tiek jo paties prasimanymo vaisius. ir jo bendradarbiai“. Ir vis dėlto filmas lieka nuošalyje, nukreipdamas mus į neįmintas proto ir širdies paslaptis, ir mes niekada jų neišnarpliname, nes tiesus kelias niekada nėra teisingas.

13. Fanny ir Aleksandras (1982)

Praėjus beveik 35 metams nuo pirminio pasirodymo, paskutinį Bergmano režisūrinį filmą išskaidyti taip pat žavu, kaip ir tuo metu viso pasaulio kritikams, kurie, regis, stengėsi užtikrinti, kad jų nuomonė apie jį būtų išgirsta. Šios nuomonės skyrėsi daug labiau nei šiandien, tačiau filmo vieta Bergmano filmografijoje vis dar sunkiai apibrėžiama. Savo tonu, struktūra ir didžiuliu mastu jis skiriasi nuo to, ką Bergmanas padarė iki tol. Tačiau tai taip pat yra neabejotinas visų jo teminių ir vizualinių instinktų, susikertančių šiame gyvenimą patvirtinančiame XX a. pradžios Švedijos šeimos gobelene, derinys. Iš pirmo žvilgsnio atrodo, kad jo vaizdingas gausumas prikausto visą jūsų dėmesį su giliai įtraukiančiomis raudonos, žalios ir švelnios, šiltos geltonos spalvos variacijomis, kurios sudaro tokią svaiginančią spalvų paletę, kad jos nebuvimas – kai viskas nuspalvinta balta, juoda ir šiurkščia mėlyna – atrodo baudžiava. Kruopščiai sukurtos Bergmano kronikos spinduliuoja šeimos pikniko pomėgiu ir pasižymi žmogiškais ryšiais, kuriuos dešimtmečius palaikė tikras, trapus meilumas. Šiame dosniai išdėstytame gyvenimo perteikime gimimas ir mirtis yra atsitiktiniai. Mažame pasaulyje šie personažai, kaip ir daugelis iš mūsų, gyvena, aplinkiniai džiaugsmai yra viskas, ko galima tikėtis ir jiems jų užtenka, kaip ir mums. Ar visa tai iliuzija? Stebint, kaip šis milžiniškas ansamblis daro tokius stebuklus, taip gali pagalvoti. Jei taip, patikėkite manimi, jūs nenorite, kad jis būtų sugriautas.

12. Apokalipsė dabar (1979)

Yra filmų apie karą, kuriuose rodomi karo sudėtingumai (pavyzdžiui, „Priešas vartuose“), kai kurie kiti smerkia jo sąvoką ir jai bjaurisi (pvz., „Pianistas“), o tada yra įžūlioji „Apokalipsė dabar“, kuri nesiūlo. nuomonę ar išvadą, o grafiškai atvaizduoja karo baisumus ir šlovina jame dalyvaujančius karius. Iki šiol vyksta diskusijos, ar „Apocalypse Now“ yra už karą, ar prieš karą. Mylėk arba nekęsk; aišku, kad jūs tai atsiminsite. Vienas iš problemiškiausių Holivudo istorijoje kūrinių, rašytojo-režisieriaus Franciso Fordo Coppolos paskutinis pjūvis buvo techniškai genialiausias jo darbas. Prielaida yra paprasta – kapitonas Willardas turi nutraukti darbą su ypatingu išankstiniu nusistatymu. Pulkininkas Kurtzas įžengė į priešo teritoriją ir paliko AWOL. Tačiau sekinanti Willardo kelionė per siaubingus Vietnamo mūšio laukus (kurią išaukštino kvapą gniaužianti Vittorio Storaro kinematografija) išlieka mintyse toli po to, kai pasirodė titrai. Su viena įsimintina scena po kitos ir galutiniais Martino Sheeno vaidmenimis Willardo, Marlono Brando kaip Kurtzo ir Roberto Duvallo kaip „napalmo entuziasto“ pulkininko leitenanto Kilgoro, „Apokalipsė dabar“, kaip teisingai teigė Coppola, nėra susijusi su Vietnamu. Tai Vietnamas.

11. 400 smūgių (1959)

François Truffaut „400 smūgių“ yra tikras meno kūrinys, kylantis iš tikro skausmo. Tikrai nuoširdus ir labai asmeniškas kūrinys Truffaut paskyrė filmą savo dvasiniam tėvui ir tarptautinio pripažinimo pelniusiam kino teoretikui André Bazinui. Išskirtinio autobiografinio pobūdžio Truffaut vaikystė buvo nerami, ir tai labai aiškiai atsispindi filme. Iš išorės filmas yra apie nepilnamečių ir paauglių nusikalstamumą, kurį dažnai lemia visuomenės ir tėvų nepriežiūra. Pažvelkite šiek tiek giliau ir rasite filmą apie viltį; tikiuosi, kad tai yra intensyvus ir gydomasis. Pagrindinis veikėjas Antoine'as Doinelis yra tam tikra prasme ryškus pačios visuomenės atstovas, visuomenė, kuri savo nesėkmes slepia už taisyklių, bausmių ir nuosprendžių. Filmas teka kaip upė ir nukelia žiūrovus į viltį, neviltį, empatiją ir net gryną pyktį. Jei kada nors norėjote pamatyti, kaip atrodo šedevras, ieškokite daugiau nei „400 smūgių“.

10. Mulholland Drive (2001 m.)

Davidas Lynchas nėra filmų kūrėjas. Vyras yra svajotojas. Ir „Mulholland Drive“ yra didžiausia svajonė, apie kurią jis kada nors svajojo. Svajonė, apimanti kiekvieną emociją, apimančią žmogaus egzistenciją. Sunku paaiškinti ar apibūdinti tokį filmą kaip „Mulholando važiavimas“, nes tai filmas apie patirtį ir tai, ką iš jos pasiimi, o ne siužetas, pagrįstas įprastiniu pasakojimu, kuris suteikia atsakymų, kuriuos su malonumu galėtum parsinešti namo. Lynchas dažnai teigė, kad jo filmo vizija iš esmės grindžiama daugybe idėjų ir jausmų. Ir tai tampa vartais suprasti tokį sudėtingą ir daugiasluoksnį filmą kaip „Mulholand Drive“. Tai svajonių, ambicijų, troškimų ir košmarų labirintas. Lynchas žino, kas mus labiausiai gąsdina ir kas veda į visišką beprotybę. Ir būtent šis nerimą keliantis intymus žmogaus pasąmonės atspindys paverčia „Mulholand Drive“ tokiu giliai šiurpiu meno kūriniu. Toks, kuris apgaubia jus šilumos ir švelnumo jausmu prieš perpjaunant kaukolę.

9. Dviračių vagys (1948 m.)

Paprastumas yra didžiausias rafinuotumas – Leonardo Da Vinci. Viena iš sunkiausių užduočių kuriant filmą yra išsiaiškinti, kada baigti filmą. Dviračių vagių pabaiga taip toniškai sinchronizuojasi su pradžia, nes pradedame nuo Antonio, kasdienybės, iškylančio iš minios, iki Antonio, kasdieninio žmogaus, išsisklaidančio minioje. Gyvenimas pokario Romoje kasdienybė virto kova, ir vargu ar kas išbrido iš tos nelaimės pelkės. Yra labai mažai filmų, kuriuose pateikiama tokia gili savistaba kaip „Dviračių vagys“. Tai filmas, kuris sudaužys jūsų širdį į gabalus ir įkvėps gyventi visavertį gyvenimą. Retai kada toks paprastas filmas savo žinute yra toks įspūdingas. Pažiūrėjus filmą praktiškai neįmanoma pamiršti. Nors didžiausias filmo pasiekimas yra tai, kiek jis įkvėpė nepriklausomų filmų kūrėjų, kurie iki šiol savo įkvėpimu mini „Dviračių vagis“.

8. Tokijo istorija (1953)

„Tokijo istorija“ yra tai, ko siekia kiekvienas filmų kūrėjas, norintis papasakoti prasmingą istoriją. Akivaizdu, kad visi jie neatitinka! Nėra geresnio pavyzdžio filmo, perteikiančio epinę istoriją taip paprastai, bet meistriškai, efektyviai ir nepamirštamai. Su „Tokyo Story“ Yasujiro Ozu pasiekė tai, kas yra kiekvieno gyvo kino kūrėjo svajonė: amžinai gyventi žiūrovų širdyse ir mintyse. Kas matė „Tokyo Story“, žinos, apie ką aš kalbu. Filmas pasakoja apie senstančią, tradicinę japonų porą, kuri aplanko savo vaikus Tokijuje tik tam, kad šiurkščiai suprastų, jog jų vaikai per daug užsiėmę savo gyvenimu, kad galėtų jais rūpintis, ir labai nuo jų nutolę kultūriniu ir emociniu požiūriu. . Filme taip pat puiku yra jo universali tema, su kuria gali susieti bet kas ir bet kur. Ozu filmų kūrimo stilius taip pat užtikrina, kad pasinertumėte į pasaką, kuri suteikia gilių įžvalgų apie besikeičiančią žmogaus psichiką, besikeičiančius laikus. Tiesiog nuostabu!

7. Meilės nuotaikos (2000)

„Meilės nuotaikoje“ tiesiog yra pati didžiausia meilės istorija, kada nors nufilmuota filme. Laikotarpis. Tai taip lengvai galėjo būti pjesė ar net poezija. Su gražiais, žaviais vaizdais ir išskirtine, sielą perveriančia muzika, „In The Mood For Love“ pasakoja sudėtingą dviejų paprastų asmenų istoriją. Du asmenys, išgyvenantys baimę ir įsimylėjimo vilionę; o įsimylėjus – didžiulis skausmas palikti ją neužbaigtą. „Meilės nuotaikoje“ vaizduojama meilė pažeidžiamiausia forma. Ir tai atskleidžia mūsų pačių pažeidžiamumą ir tai, kokie bejėgiai esame prieš meilę. Retai kada toks neįvertintas ir santūrus filmas turi tokį poveikį po peržiūros.

Nesu tikras, ar režisierius Wong-Kar-Wai ketino sukurti savo sukurtą filmą, nes dažniausiai filmavo be scenarijaus. Jei pažvelgsite į istoriją, labiausiai apibūdinantys meno kūriniai yra laimingi nelaimingi atsitikimai. Tarp jų priskaitykite „In the Mood For Love“.

6. 8 1/2 (1963 m.)

Aštuntas su puse italo maestro filmografijoje ši tvanki, vešli fantazijų, košmarų ir per daug purvinos realybės epopėja yra tarsi biscotti – ryžtingai absurdiška savo forma ir iškepta taip, kad neleidžiama jo visiškai suryti. vienas ėjimas. Jo bauginantis, neramus kamerų darbas komplimentuoja sąmoningą Fellini viziją apie filmų kūrėją, bandantį naujame filme nukreipti daugybę kintančių potyrių, kuriuos patyrė per savo sudėtingą gyvenimą. Kad ir kaip būtų pusiau autobiografinis, „8 1/2“ prabėga pro savo auditoriją visu savo žaviu sudėtingumu tokiu radikaliu tempu, kad aš bandau dekonstruoti jos sumaniai sukomponuotus vaizdus, ​​kad surasčiau savo vietą Fellini stulbinantis specifiškumas, bet niekada negalėjo tvirtai nusileisti ant žemės.

Išnaudojant užtemdytą Marcello Mastroianni gravitaciją, Fellini elektra gali būti didžiulė. Jūs įsikimbate į tam tikros akimirkos suvokimą ir atpažįstate jos tvankų turtingumą tik tada, kai atrandate, kad filmo kūrėjas perėjo prie kitos plazdančios, maloniai nusiteikusios sekos. Jo idėjos apie menininkus ir jų gluminančią, juokingą maniją sau gali atrodyti pasenusios – o dar blogiau – nereikšmingos, tačiau jų konstravimo ir išraiškos įžūlumas niekada neprarandamas. Jis mus užburia ir apgauna, niekada neleisdamas atitraukti akių, o tada praslysta pro pirštus, kai mums išaiškėja, kad mes niekada to neturėjome savo rankose. Fellini mažai kuo skiriasi nuo aiškiaregės Mayos filme, kuri, atrodo, žino, ką visi galvoja: įgūdį jos asistentė priskyrė telepatijai. Kai mūsų pagrindinis veikėjas Gvidas klausia asistentės, kaip ji tai daro, jis aiškiai pažymi: iš dalies tai yra triukas, o iš dalies tikras. Nežinau, bet būna. Žodžiai negali būti tinkamesni apibūdinti filmą.

5. Asmuo (1966)

Manau, galima drąsiai teigti, kad „Persona“ viena sužlugdė kiną. Iš pažiūros siaubo filmas, Ingmaro Bergmano 1966 m. klasika labiau tyrinėja individualią tapatybę nei bet kas kitas. Naudojant novatoriškas montažo technikas, aštrius kameros kampus, šaltas išraiškas, įtraukiančius dialogus ir puikią režisūrą, šis filmas kuo tobuliau dviprasmiškai pasakoja istoriją apie garsią aktorę, kuri netenka balso, ir ja besirūpinančią slaugę. nuošaliuose namuose, kur jų išskirtinės asmenybės pamažu pradeda derėti viena su kita. Būdama pati kinematografiškiausia režisieriaus įmonė, „Persona“ būtinai pakeičia visas įprastas filmų kūrimo taisykles, siekdama sukurti naują ir žavią patirtį. Vieni geriausių kada nors atliktų celiulioido vaidmenų, filmo atmosfera padeda suprasti mums kylančius klausimus, sumaniai nukreipiant dėmesį į kuriamą amatą. Tiesiog nėra nieko panašaus į „Persona“, ir tai gali būti faktas.

4. Krikštatėvis (1972)

Ko gero, įtakingiausias kada nors sukurtas filmas. Viena iš rečiausių adaptacijų, kuri iš tikrųjų yra geresnė už pradinę medžiagą – šiuo atveju Mario Puzo romanas tuo pačiu pavadinimu – filmas ištvėrė per amžius ir yra klasika tikrąja to žodžio prasme, kuri su kiekvienu tobulėja. žiūrėjimas. Filme pasakojama apie mafijos šeimą, kuriai vadovauja Don Vito Corleone, o jo sūnus perima šeimos verslą po patriarcho mirties. Be jokios abejonės, pasirodymai yra viena iš pagrindinių šio filmo privalumų, o tokie grandai kaip Marlonas Brando kaip Vito Corleone ir Alas Pacino kaip Michaelas Corleone iš naujo apibrėžia vaidybos standartus. Visa kita, ypač scenarijus ir nuotaiką kurianti kinematografija bei partitūra, turėtų būti A klasės ir žanro apibūdinimas. Teisingai, nėra sinefilo, kuris nebūtų matęs šio filmo šedevro. Tai altorius, kur einame melstis.

3. Pilietis Kane'as (1941 m.)

Amerikos kino Šventasis Gralis. 'Pilietis Kane'as' apibrėžė beveik kiekvieną kino meną apimantį aspektą. Filmas, kuris sulaužė daugybę filmų kūrimo konvencijų, kad sukurtų naujas. Nuo pat savo novatoriškų techninių savybių, įskaitant apšvietimą, garsą ir vaizdus, ​​iki labai novatoriško pasakojimo stiliaus, „Pilietis Kane“ pakeitė filmų kūrimo būdą. Filmas yra labai gilus charakterio tyrimas, kuris įgauna paslaptingos dramos formą, atskleidžiant mįslingo leidybos magnato, kurio paskutinis žodis sukėlė reporterio susidomėjimą, gyvenimo tiesas. Jis leidžiasi į kelionę, tyrinėdamas žmogų, kuris kadaise savo gyvenimą pradėjo turėdamas neapdorotų ambicijų ir troškimų, bet netrukus pasidavė viliojančioms godumo ir valdžios galioms. „Citizen Kane“ yra nepaprastai galingas meno kūrinys, kuris plačiai tyrinėja gilias temas ir fiksuoja be galo sudėtingus emocinius gyvenimo kaip žmogaus aspektus.

2. Veidrodis (1975)

Ar menas kada nors gali būti toks asmeniškas, kad negalėtum jo atskirti nuo kūrėjo? Tai klausimas, kuris mane sukrėtė pirmą kartą pamačius Andrejaus Tarkovskio „Veidrodį“. Tai meno kūrinys, kuriame menininkas visiškai atsiduoda savo darbui, todėl jūs negalite atskirti jo ir jo atliekamo darbo. Panašu, kad Tarkovskis kvėpavo visą filmą. Autoriai sukūrė savo šedevrus, keisdami ir formuodami kiną tokį, kokį jį matome šiandien, bet Tarkovskis žengė žingsnį toliau ir pasiekė tai, kas nepasiekiama; suteikdamas gyvybę jo menui. „Veidrodis“ yra tiesiog kvėpuojantis kinas. Galėjai pamatyti Tarkovskią, jo šeimą, kultūrą, kurioje jis užaugo. Tiesą sakant, galėjai joje pamatyti save, savo mamą ir tokį Deja Vu jausmą, kuris tave aplanko žiūrint į šias vietas. Beveik taip, lyg buvai ten, galbūt gyvenime ar sapne kažkur pasiklydai. O menininkui sukurti kažką asmeniško ir intymaus yra kažkas, kas tikrai neapsakoma. Tai filmas, pagrindžiantis tai, ką visada žinojome: kinas yra didžiausia meno rūšis.

1. 2001: Kosminė odisėja (1967)

Kaip ir visi kiti šio sąrašo įrašai, „2001“ taip pat yra filmų kūrimo pamoka. Keletas filmų kūrėjų, įskaitant Christopherį Nolaną ir Denisą Villeneuve'ą, kalbėjo apie tai, kaip filmas buvo jų įkvėpėjas. Taigi, taip, filmas yra technikos stebuklas. Tačiau ne dėl to filmas atsidūrė daugybės puikių filmų sąrašo viršuje. Jis sėdi viršuje, nes tai filmas, kuris išdrįso nukeliauti ten, kur dar nebuvo buvęs filmas. Po velnių, niekas net nežinojo, kad yra tokia vieta, kur galėtų nukeliauti kinas. Ir jei kada nors kino menui reikėjo priežasties ar įrodymo, kad patvirtintų, jog jo egzistavimo tikslas yra daug daugiau nei vien pramoga, tai štai: visiškai įtikinanti ir nepaprastai mitinė „2001: Kosminė odisėja“.

Stanley Kubrickas beveik visais savo filmais praplėtė kino akiratį. Su „2001: A Space Odyssey“ jis taip pat suteikė naują prasmę tam, ką kinas gali pasiekti. Dauguma filmų kūrėjų kiną naudoja kaip terpę pasakoti istoriją. Tačiau Kubrickas klausinėdamas naudojo kiną. Ko jis paklausė? Viskas, nuo Dievo iki mūsų egzistavimo tikslo. Nors „2001: Kosminė odisėja“ yra labai protingas mokslinės fantastikos filmas, jis taip pat yra daug daugiau. Manau, kad tai filmas, labiau filosofinis siekis nustatyti, ar Dievas egzistuoja. Kalbėkite apie taikymąsi aukštai!