100 geriausių visų laikų filmų

Garsus Čilės ir Prancūzijos kino režisierius, poetas, dramaturgas ir muzikos kompozitorius Alejandro Jodorowsky Prullansky kartą pasakė: 'Aš visada maniau, kad kinas iš visų menų yra pats išsamiausias menas'. Aš sutinku. Kinas ne vienaip ar kitaip yra visų kitų svarbių meno formų: tapybos, rašymo ir muzikos sujungimas. Neatsitiktinai kinas yra ir moderniausia meno forma. Galų gale, kad kinas galėtų egzistuoti, reikėjo kitų meno formų evoliucijos. Tai, kad ji išlieka populiariausia meno forma beveik nuo pat jos atsiradimo momento, parodo ir jos stiprybę, ir silpnybę: ji yra lengvai prieinama ir todėl labiau komercializuojama.

Atsižvelgdamas į tai, džiaugiuosi galėdamas pristatyti jums „The Cinemaholic's“ sąrašą 100 geriausių visų laikų filmų . Prieš pradėdami tyrinėti 100 geriausių kada nors sukurtų filmų sąrašą, dar kartą primename sau, kad sąrašai pagal savo prigimtį niekada nėra tobuli. Taigi, mes neteigiame, kad tai yra Šventasis Gralis iš absoliučiai geriausių pasaulio filmų sąrašo. Tačiau galiu jus patikinti, kad sudarant šį sąrašą atlikta daugybė tyrimų. Buvo svarstoma tūkstančiai filmų pavadinimų ir diskutuota dėl kiekvieno galutinio pasirinkimo. Esu tikras, kad sąraše trūksta daugelio mėgstamų filmų. Trūksta ir daugelio mano mėgstamiausių! Tačiau užuot nusivylę dėl to, pasinaudokite proga pamatyti filmus, kurių nematėte. Kas žino, galite atrasti savo naują (-us) mėgstamiausią (-us)!

100. Šerbūro skėčiai (1964)

Jacques'as Demy nuspalvina savo romantišką operą švelniu, nepaprastai rafinuotu rafinuotumu, kuris yra šiek tiek hipsteriškas. Bet ši spalva yra ne tik ant sienų, drabužių ir skėčių. Tai taip pat ant jaunos, neįmanomai įsimylėjusios merginos skruostų, kai ji eina per gatvę pasveikinti savo meilužio ir jo nebuvimo, kai mes matome tą veidą šyde, jauna mergina dabar kažkieno nuotaka. Yra spalvų, taip pat tai, kaip žmonės kalba, tiksliau tariant, dainuoja vieni kitiems. Tačiau jų lyriški pokalbiai nerimuoja kaip dauguma dainų. Kai viskas, pradedant meilės profesijomis ir baigiant susirūpinimu pinigais, yra apipinta niekuo neišsiskiriančia aistra, jums nebūtų daug naudinga eiti žvejoti dėl rimų ar priežasčių. Nors filmas ir visi jo melodingi atskleidimai, paremti nežemiškos Michelio Legrando muzikos, yra nepaprastai romantiški, visi mūsų veikėjų sprendimai, kaip ir viskas gyvenime, neabejotinai nėra tokie.

Kadangi taip nuobodžiai žinomas siužetas, matęs, kad tai yra nesuskaičiuojamų pop dainų ir muilo operų pagrindas, kiekvienas melancholija trykštantis „Šerbūro skėčių“ kadras yra viliojančiai šviežias, net nepažįstamas. Tai galite priskirti emocijų tikrumui ir nuoširdumui. Veikdami kukliu mastu, kaip ir „Skėčiai“, jus niokoja mažiausi atspindžiai. Buvau nustebęs, koks gali būti dviejų tuščių kėdžių, kurias vieną kartą užpildė du įsimylėjėliai, poveikis. Mielai pagamintame Demy gardumyne žygiuojame karnavalais, pripildytais kaspinais ir konfeti, puošiame eglutes ir dovanojame vienas kitam dovanas, sukišdami visus jausmus kur nors širdies kampeliuose, nes kad ir kaip sunku būtų pakelti kieno nors nebuvimą ar praeitis yra pamiršti, viskas, ką galime padaryti, yra gyventi šiandienos fantazijoje.

99. „Trainspotting“ (1996)

Šiek tiek sunku paaiškinti sinefilams kaip mes apie „Trainspotting“ fanatizmą. Tai įvyko tuo metu, kai narkotikų realybė buvo tik pradėjusi skęsti. Galima sakyti, kad tai glamūravo piktnaudžiavimą narkotikais ir tam tikru mastu tai tiesa. Iš to išplaukęs faktas buvo Danny Boyle'o bandymas parodyti aukštus ir žemiausius piktnaudžiavimo narkotikais būdus, nepritariant šalims. „Trainspotting“ yra kultinis filmas, pasakojantis istoriją apie keturis draugus ir jų priklausomybę. Pasipiktinimas ir keistumas yra vieninteliai du jį apibūdinantys žodžiai. Narkomanas, kuris nori būti švarus, kad kiekviename žingsnyje sukluptų dėl giliausio noro pakilti. Gausiai perdozuotas humoras, filmas stengiasi visiškai rimtai pabrėžti faktą: nepaisant gyvenimo siūlomos prabangos, jaunimas juos neigia. O priežastys? Nėra priežasčių. 'Kam reikalingos priežastys, kai jūs gaunate heroino?'

98. Absolventas (1967)

Ak, jaunystės dienos! Neatsargus ir džiaugsmingas. Linksmybės, nesijaudindamos nieko. Nesirūpina praeitimi, kuri liko už nugaros, ir nesijaudino dėl ateities, kuri dar laukia. Šį nerūpestingą gyvenimą vedė Benjaminas Braddockas, baigęs koledžą. Ir kai pagaliau grįžo į gimtąjį miestą, ten jis sutiko ponią Robinson. Aferos liepsna pradeda degti. Gyvenimas pasuka apsukriu posūkiu, kai jaunasis Benas seksą klaidina drauge. Tai tampa nerimastinga, kai jis patenka į jos dukterį. Mintis sukėlęs filmas, komedijos rūbais, „Absolventas“ yra vienas iš juokingiausių filmų. Vaidina Dustinas Hoffmanas, jame yra žymi linija - „ponia Robinson, ar bandote mane suvilioti?“

97. Dvivietis Veronique gyvenimas (1991)

Galbūt nė vienas kitas kino kūrėjas nesuprato moterų iki tokio gilaus emocinio gylio, kaip suprato Krzysztofas ​​Kieslowskis. Vyras juos tiesiog pamilo ir jis tai rodė su tokia aistra ir intymumu, kad tu negali nesijausti susižavėjęs savo neapdorota emocine jėga. „Dvigubas gyvenimas Veronike“ gali būti tik didžiausias jo meninis pasiekimas. Filmas pasakoja apie moterį, kuri pradeda jausti, kad nėra viena ir kad jos dalis gyvena kažkur pasaulyje kitoje sieloje. Veronique ir Weronika yra dvi tapačios moterys, kurios nepažįsta viena kitos, tačiau vis dėlto jomis sieja paslaptingai intymus emocinis ryšys. Itin stilizuota Slawomiro Idziako kinematografija nudažo filmą švelniai melancholišku jausmu, kuris apgaubia ir nepaleidžia. Yra jausmų ir emocijų, kurias tikrai sunku išreikšti žodžiais, ir filmas suteikia gyvybės tiems nepaaiškinamiems mąstančio liūdesio ir vienišumo jausmams. „Dvigubas gyvenimas Veronike“ yra stulbinantis meno kūrinys, vaizduojantis žmogaus sielą visais jos gražiais silpnumais ir švelnumu.

96. „Cinema Paradiso“ (1988)

Daugelis žmonių kiną laiko indulgencija, laisvalaikio praleidimo veikla, pramoga, neturinčia jokio gyvenimo padarinio. Bet aš, karštai sinefilų armijai, karštai remiančiai mane, galiu visiškai įsitikinęs, kad kinas yra toks pat būtinas gyvenimui, kaip ir kinas. „Kino paradiso“ yra gražus, jei ironiška, būdas pasakyti savo nuomonę. Sėkmingas kino režisierius Salvatore'as vieną dieną grįžta namo sužinojęs, kad mirė Alfredo, ir jis grįžta į savo gimtąjį miestą 1950-aisiais Sicilijoje. Jaunas ir išdykęs Salvatore'as (pravarde Toto) atranda ilgalaikę meilę filmams, priviliojančius jį į kaimo kino namus „Cinema Paradiso“, kur Alfredo yra projekcininkas. Paėmęs išgalvotą berniuką, senas burbulas tampa tėvo figūra, kai jis kruopščiai moko Toto įgūdžių, kurie būtų jo kino sėkmės atspirties akmuo.

Žiūrėti, kaip Toto ir Alfredo su pagarba diskutuoja apie kiną, ir pamatyti, kaip Alfredo teikia klasikinių filmų citatų patarimus gyvenimui, yra didžiulis džiaugsmas. Per „Toto“ pilnametystės istoriją „Cinema Paradiso“ nušviečia italų kino pokyčius ir mirštančią tradicinių filmų kūrimo, montažo ir ekranizavimo prekybą, tyrinėdama jauno berniuko svajonę palikti savo mažą miestelį įsitraukti į išorinį pasaulį. Vienas geriausių kada nors buvusių „filmų apie filmus“.

95. Vienas skrido virš gegutės lizdo (1975)

Viena iš tų retų filmų patirčių, kuri priverčia pajausti gausybę emocijų vienu metu. Tai juokinga dalimis, vieniems kelia pakilumą, o kitiems - tiesiai širdį. Tai taip pat yra vienas iš kitų retų supaprastinto ir efektyvaus pasakojimo žygdarbių, pasakojančių apie nusikaltėlį Randle'ą McMurphy'į, kuris, tikėdamasis išvengti kalėjimo laiko, padirbinėja psichinę ligą ir nepripažįsta savo kaltės dėl beprotybės. Atvykęs į psichikos įstaigą, jis sukyla prieš autoritarinę slaugytoją Rached (kurią vaidina plieninė Louise Fletcher) pagal klasikinės tvarkos ir chaoso scenarijų. Filmas nustato, kad iš tikrųjų nėra geresnio vaidinti personažų su šurmuliu ir žavesiu vienodai, nei pats Džekas Nicholsonas, pelnęs pelnytą „Oskaro“ laimėjimą už savo pasirodymą filme. Tai, kas prasideda kaip patvarus ir širdžiai mielas filmas, perauga į tragišką, nors ir viltingą pabaigą, po nerimą keliančių scenų, kuriose dalyvauja savižudybė ir pacientų elektrokonvulsinė terapija. Filmas vis dėlto niekada nepaleisk žiūrovo dėmesio ir veikėjų patoso ekrane, sukeldamas tikrą emociją ir džiaugsmą už žmogaus dvasią, kuri sklinda net ir neatsakomo autoriteto akivaizdoje.

94. Pyaasa (1957)

Tankus socialinių pokyčių idėjoms ir aštriems visuomenės piktybiškumo ir stigmų komentarams, „Pyaasa“ ne tik įkūnijo Indijos kino aukso amžių, bet ir atspindėjo patį Indijos buržuazą. Tai filmas, turintis subtilią savybės savybę, kur visos įžūlios tiesos ir atšiauri visuomenės realybė kunkuliuoja po paviršiumi, laukiančiu, kol sąmoninga auditorija juos ištirs ir ekstrapoliuos. ‘Pyaasa’ yra nesenstanti klasika ne be priežasties. Net po 60 metų išleidimo ji išlieka aktuali šiais laikais, nes Indiją ir toliau kamuoja tie patys visuomenės prakeiksmai - korupcija, misoginija, materializmas - su kuriais „Pyaasa“ tiesiogiai ar netiesiogiai kreipiasi.

93. Šiuolaikiniai laikai (1936)

„Modernūs laikai“ yra nuotaikingas filmas su galinga žinia. Vykdydamas „Chaplin“ prekės ženklo viltis ir skurdo temas, šis paveikslėlis sutelktas į neigiamą mašinų ir kitų technologinių pažangų formų neigiamą poveikį liaudies žmonėms, į žiburio šviesą įtraukiant fabriko darbuotoją, kurio gyvenimas bandant pasisuka daugybe posūkių. susidoroti su nauju pasauliu. Nors slapstickas yra ašaromis juokingas, visa tai yra liūdesio inde. „Modernūs laikai“ naudoja protingus, subtilius elementus, kad kaskart užduotų svarbius filosofinius klausimus. Kulminacija yra viena iš labiausiai jaudinančių visų laikų, apimanti liūdną laimės formą ir neturint realaus atsakymo ar sprendimo. Šis filmas labai gerai gali būti geriausiai parašytas Chaplino kūrinys ir stebina, kiek aktualios čia pateikiamos idėjos yra ir šiandien. Neabejotinai išlaikęs laiko išbandymą, kelias, kurį „Modern Times“ eina pasidalinti savo mintimis, yra bene geriausias šio kino triumfo aspektas.

92. Plona raudona linija (1998)

Terrence'as Malickas Grįžimas prie filmų kūrimo po 20 metų pertraukos buvo pažymėtas šia nuostabiai stulbinančia karo drama, tyrinėjančia ne karą, o kovos su karu emocijas. Filmas yra tikrai Malick-ian prigimties, daugiau dėmesio skiriama vizualumui nei istorijai, leidžiančiam pasinerti į jo patirtį. Filmo genialumas slypi Malicko vizijoje pamatyti grožį tamsioje ir siaubingoje vietoje kaip karas. Reikia kažkokio žiauraus ir kruvino, kaip karas, paversti tokiu hipnotizuojančiu potyriu, kuris peržengia karo realijas ir leidžia įsisavinti jo veikėjų emocijas. Tai tokia įtraukianti patirtis, kuri prašo pajusti žmones už ginklų ir bombų. Tai yra sunaikintos sielos, panašios į mus, pasiilgusios subtilaus prisilietimo, praleidžiančios savo įsimylėjėlių ir žmonų alsavimo šilumą, tuo pačiu turėdamos susidoroti su bjauriausiomis toli nuo jų esančiomis tikrovėmis. „Plonoji raudona linija“ yra tiesiog tokia patirtis, kokios nėra kitos; tas, kurį būtina pamatyti, pajusti ir apmąstyti.

91. „Blade Runner“ (1982)

„Ridley Scott“ „Blade Runner“ galutinis pjūvis, manau, yra didžiausias kada nors sukurtas distopinis filmas. Nors „Metropolis“ yra ginčytinas pasirinkimas, reikia stebėti neautentiškus vaizdus, ​​susijusius su vokiečių ekspresionistiniu kinu. Kita vertus, „Blade Runner“ yra daugiau nei tobulas kuriant pasaulį, kenčiantį nuo finansinės nelygybės, gyventojų bumo, nieko natūralaus trūkumo, nes čia negalima pasitikėti net kūnu. Blizgantis apšvietimas yra kontekstiniu požiūriu natūralus, nes tai yra elektroninis pasaulis, o Jordanas Cronenwethas jį naudoja panašiai kaip kasdieninius filmo „noir“ šviečiančius objektus. Nors tai gali nekelti tokių tolimų klausimų kaip „Kosminė odisėja“, tačiau priverčia mus susimąstyti, ar „androidai svajoja apie elektrines avis“.

90. Fargo (1996)

Smurtinis, juokingas, šiltas ir žiauriai intensyvus filmas „Fargo“ yra vienas geriausių 90-ųjų amerikiečių filmų ir viena didžiausių kada nors sukurtų kriminalinių dramų. Filmas pasakoja apie vyrą, kuris pasamdo du vyrus pagrobti žmoną ir išvilioti pinigus iš turtingo savo tėvo. Puikus „Coen Brothers“ tamsaus humoro panaudojimas persmelkia filmą su šilumos oru, suteikiančiu labai savitą filmo toną. Tai meistriškas komedijos, dramos ir smurto mišinys daro „Fargo“ tokią įsimintiną kino patirtį. Šis nuostabus sniego pripildyto Minesotos kadras, gražiai pagerbtas persekiojančio balo, sukuria filmo toną ir sukuria gilaus liūdesio jausmą, slypintį po smurtu ir humoru, kuriame kupinas filmas. Akivaizdu, kad filmo žvaigždė yra Francesas McDormandas, kuris pavagia pasirodymą, vaizduodamas nėščią policijos viršininką, patekusią į blogio ir žiaurumo pasaulį, tačiau sugebantį rasti šviesos ir vilties. „Fargo“ yra emociškai neapdorotas, žiauriai intensyvus, be galo juokingas ir skausmingai realistiškas gryno kniedžio kino kūrinys.

89. „Eraserhead“ (1977)

‘Eraserhead’ yra vadovėlio kūrinys apie atmosferos siaubą. Pasakojant istoriją apie keistų plaukų vyrą, kuris pats bando užauginti savotišką šeimą, šis filmas kiekvieną minutę labiau virsta siurrealistiniu košmaru. Naudojant garsą ir stambius planus, kad suteiktų klaustrofobiškos baimės jausmą, ir suderindami tai su siužetu, kuris neturi prasmės per pirmą laikrodį, Deivido Lyncho debiutas pasirodė esąs vienas geriausių pagrindinio režisieriaus, kuris pats savaime yra labai giriamas. Tai, ką daro „Eraserhead“, sukuria distopinį pasaulį - išsibarsčiusį negražiais pastatais ir mechaninėmis konstrukcijomis, įmerktomis į juodą-baltą žiaurumą - ir į jį įmeta veikėjus, kuriuos daugiau ar mažiau supainiojo aplinka. Nors išsiaiškinti šio paveikslo „prasmę“ beveik neįmanoma, reikia suprasti, kad tai niekada nėra tikslas. „Eraserhead“ savo auditorijos galvoje sukelia visiško nepatogumo jausmą, naudodamas ir savo vizualumą, ir siurrealistinį stilių, ir randa būdą, kaip manipuliuoti jų mintimis. Tik kelios nuotraukos yra taip gražiai suplanuotos, tačiau neginčijamai grėsmingos, kaip ši, ir tai galėjo išsitraukti tik kažkas panašus į Lynchą.

88. Berniukas (2014)

„Berniukas“ yra puikus priminimas apie praeinančius nesulaikyto džiaugsmo, nenumaldomo optimizmo ir burbuliuojančio nekaltumo metus. Jis remiasi tuo, kad grožis, džiaugsmas ir emocijos išgaunami iš įprasto žmonių gyvenimo, o ne iš bet kokio sustiprinto dramos veiksmo (duona ir sviestas daugumai filmų). Žavu matyti, kaip iš scenos į sceną keičiasi ne tik personažų fiziškumas, bet ir pastebėsite jų mados, šukuosenos, muzikos skonio ir apskritai gyvenimo perspektyvų pokyčius. „Vaikystė“ - taip, kaip daro labai nedaug filmų, peržengia kino ribas ir tampa maža mūsų pačių egzistencijos ir patirties dalimi. Linklateris dar kartą primena, kodėl jis yra geriausias versle, kai reikia pasakoti paprastas istorijas apie paprastus žmones.

87. Dangaus dienos (1978)

Terrence'o Malicko evoliucija į visiškai kontroliuojamą, autoritetingą kino vizionierių yra vienas didžiausių dalykų, nutikusių Amerikos kine. Iš jo ankstyvųjų darbų akivaizdu, kad jis labai norėjo iššokti iš įprastų kino ribų. Tokie filmai, kaip „Badlands“ ir „Dangaus dienos“, atrodė išties nesudėtingi pasakojimai, tačiau tai buvo filmai, kurie bandė būti kažkuo daugiau. Kažkas daugiau nei tik istorija. Patirtis. „Dangaus dienos“ tai pasiekia šauniau nei „Badlands“. Daugelis žmonių dažnai kritikavo filmą dėl silpnos siužeto linijos. Negalėčiau sakyti, kad jie yra visiškai neteisingi, tačiau istorija vis dėlto nėra svarbiausias filmo aspektas. Čia Malickas naudoja kino vizualumą, kuriame akcentuojama istorijos nuotaika, o ne pati istorija. Jo ketinimai nėra priversti jus emocingai naudotis personažų bėda, bet leisti jums juos stebėti, pajusti peizažų grožį ir jo vietos kvapą. Sukurti tokią visceraliai jaudinančią patirtį nėra stebuklas.

86. „Fireflies“ kapas (1988)

Gražus, jaudinantis filmas, lygus visais aspektais, kuriuos galite sugalvoti, o kiti gyvi veiksmo filmai pabrėžia karo grobį. Šis japonų animacinis filmas, kurio pagrindinis dėmesys buvo skiriamas Antrojo pasaulinio karo baisybėms, daugiausia dėmesio skiriant brolių ir seserų porų gyvenimams, sulaužė mano širdį taip, kaip niekam kitam filmui nepavyko, ir vis dar trypčiau kūrinius iki pat pabaigos. Būdamas karo filmas, jis taip pat daro stebuklus žmogaus fronte, gražiai realizuodamas ir plėtodamas švelnius Seitos ir Setsuko santykius, susidūręs su sunkumais, kurie buvo Antrasis pasaulinis karas. Pranešimas garsus ir aiškus. Joks karas nėra iš tikrųjų laimėtas, o visa pergales lydinti šlovė taip pat lydima karo metu sunaikintų nekaltų žmonių raudų. Aš norėčiau pagirti filmą už tai, kad jis nėra atvirai emociškai manipuliuojantis verčiant mus įsitvirtinti jo personažuose; tačiau nesuklyskite, jo galingas ir bekompromisis požiūris į karą ir brolių seserų patirtas trobes sumažins jus iki verkšlenančios netvarkos. Tai TAI liūdna. Tai sakant, nėra jokio kito būdo, kaip aš tai turėčiau. Tai tobulumas, labiausiai širdį draskanti forma.

85. Manhetenas (1979)

Romantika Woody Alleno filmuose visada jautėsi skausmingai teisinga ir slegiančiai tikroviška, nepaisant skaniai aštraus humoro jausmo, kurį jis apgaubė. Nors „Annie Hall“ išlieka jo drąsiausiu filmu, „Manhetenas“ meniškai yra labiau subrendęs darbas. Filme Allenas vaidino nuobodų, pasimetusį niujorkietį, neseniai išsiskyrusį, susitikinėjantį su vidurinės mokyklos mergina, tačiau galų gale įsimylėdamas savo geriausio bičiulio meilužę. Allenas šiek tiek sušvelnino šio filmo humorą, kad iš tikrųjų pajustume liūdesį, apėmusį jo personažus, todėl jis tampa tokia emociškai alinančia patirtimi. Tai tik giliai aštrus portretas, kuriame matosi besiplečiantys santykiai ir ydingi žmonės, kovojantys su savimi ir savo egzistencija, desperatiškai ieškantys laimės, kurios jie niekada neatpažintų ir nepasiektų. Ir būtent šis saldžiai subtilus, skaudus žmogaus būsenos suvokimas daro „Manheteną“ tokį galingą filmą.

84. Marketa Lazarova (1967)

Čekų ikonos „Franti & scaron; ek Vláčil“ bekūnis sapnų peizažas Marketa Lazarová yra paprasčiausiai vienas iš neįtikėtiniausių meno kūrinių, išėjusių iš 20^tūkstAmžius. Jo avangardinis požiūris į kinematografinę kalbą vos prilygsta to dažnai smerkiančio frazės posūkio riboms, nes tai yra kažkas daugiau. Stulbinantis regėjimo ir garso susiliejimas, nesutramdytas konvencijos, struktūros ar bet kokios rašytinės taisyklės, riaušių kinotyrininkai per daugelį metų pliaukštelėjo į filmo formą. Palyginimui, visa kita atrodo taip griežtai kontroliuojama - tokia nenatūrali ir sugalvota vykdant. Marketa Lazarová yra žalia, visceralinė ir stulbinamai dinamiška. Trumpai: tai Laisvas - tikras visų colių kinematografinės erdvės tyrimų galimybių viršūnė. Todėl tai yra vienas didžiausių kada nors sukurtų filmų.

83. Singinas lietuje (1952)

„Singin’ in the Rain “yra ryškiausias Holivudo aukso amžiaus miuziklas. Neįmanoma pamiršti Gene Kelly, šokančio prie gatvės šviestuvo, vaizdo, kai kalbame apie blizgančias kino akimirkas. Filmas ne tik džiugina savo paties meistriškumą, bet ir kino perėjimą nuo vaizdinės terpės iki rezonuojančios ir stimuliuojančios. Paminklus „Technicolor“ kino teatre iš pradžių kritikai ir žiūrovai linksmai atsisakė Kelly režisūrinių pastangų. Tikiu, kad šios klasikos aktualumas stiprėja kiekvieną dieną, nes vis didėja atotrūkis tarp filmo aptariamų laikotarpių (realaus ir ritės gyvenimo) ir dabarties. Mes prarandame ryšį su svarbia era, ir šis filmas jus apninka savo nostalgija.

82. Nežiūrėk dabar (1973)

Labai sunku rasti vaizduojamojo meno kūrinį, kuris būtų toks hipnotizuojantis kaip Nicolas Roeg „Dont Look Now“. Daugeliu atžvilgių šis šedevras yra kaip baisus nykštukas pabaigoje. Jis gražiai apgaubtas ekstazės spalvomis, tačiau jame slepiasi blogiausia gyvenimo dalis: mirtis. Nesvarbu, koks veiksmingas yra Sutherlando personažas, manau, kad tai yra emocijomis paremtas filmas, nes Roegas prarastos meilės ieškojimą nukreipia į galutinę istoriją. Gotikinis pamatas yra labai galingas prietaisas, kuriuo siekiama išryškinti ryšių, kuriais jis remiasi, tėviškos ir šeimyninės meilės svarbą, taip pat suteikti neaiškios formos vaiduokliams, persekiojantiems pagrindinį veikėją. 'Kai kurios vietos yra panašios į žmones, kai kurios šviečia, o kitos ne'.

81. Kovos klubas (1999)

Kiekvieną kartą atkeliauja meno kūrinys, apibrėžiantis kartos psichiką. Kalbant apie kiną, 50-tieji metai turėjo „Maištininką be priežasties“, 60-tieji - „Absolventą“, o 70-tieji - „Amerikos grafitus“. Net praėjus dviems dešimtmečiams, „Kovos klubas“ tinka mūsų kartos bruožams, nepatenkintiems, prieš įsitvirtinimą nukreiptam etosui kaip pirštinė. Kaip ir daugelis puikių filmų, „Kovos klubas“ yra labai susiskaldęs ir gali būti filosofiškai interpretuojamas įvairiais būdais - vieni mano, kad tai apibrėžia šiuolaikinį vyriškumą, kiti mano, kad šlovina smurtą ir nihilizmą.

Iš esmės tai yra trileris. Filmas pasakojamas iš neįvardinto pagrindinio veikėjo, kuris kenčia nuo nemigos ir nepatenkintas monotonišku darbu, kuris kerta kelius su veržliu muilo gamintoju Tyleriu Durdenu, POV. Durdenas ir pagrindinis veikėjas netrukus pradeda pogrindinį „Kovos klubą“, kaip būdą nepatenkintiems visuomenės nariams išlieti pyktį. Tačiau netrukus Tylerio planai ir pasakotojo santykiai nebekontroliuojami, o tai sukelia sprogstamą kulminaciją (tiesiogine to žodžio prasme!)

Kartu su propaguojamu velnio rūpesčiu, „Kovos klubas“ yra ir šiuolaikinės legendos Davido Fincherio kai kurių tūzų krypties požymis. Įspūdinga spalvų paletė, ryškus montažas ir aptakus fotoaparatas įkvėpė būrį tamsių trilerių, sekančių filmą. Dešimtojo dešimtmečio vandens nutylėjimo filmas.

80. Prieš saulėlydį (2004)

Štai tiesa apie žmogaus evoliuciją, kurios jums niekas nepasakys: žmonija netrukus praras pokalbio meną. Technologijų pažanga turi didelį šalutinį poveikį: žmonės vis mažiau susidomi realiu pokalbiu, nes turi technologijas, už kurių gali pasislėpti. Ir būtent todėl „Before Series“ laikysis ateinančius dešimtmečius. Filmų serija, pasakojanti apie du žmones, kurie užsiima tikru pokalbiu, yra retenybė net šiai kartai. Ateityje tokie filmai visiškai nebus kuriami. Štai kodėl ateities kartos su baime ir nuostaba atsigręš į trilogiją „Prieš“. Ir nenustebsiu, jei trilogija ras pelnytą vietą ne tik kino istorijoje, bet ir kiekvienos kino mokyklos bibliotekoje.

Tarp trijų filmų „Prieš“, „Prieš saulėlydį“ išsiskiria tuo, kad jis graudžiantis širdį. Filmas, kuris savaime pasakoja apie stipriausią žmogaus norą: norą būti su žmogumi, su kuriuo galėtum praleisti visą gyvenimą. Gerai įsižiūrėjus, „Prieš saulėlydį“ galiausiai tampa veidrodžiu, į kurį žvelgdami galite spręsti apie savo santykius: Kur suklydote? Kas jums iš tikrųjų buvo „tas“? Kokių galimybių praleidote? Kas galėjo būti? Tai vienas iš rečiausių retų filmų, kuriame jūsų pačių gyvenimo patirtis praturtins ir pamaitins jūsų patirtį filmu.

79. Matrica (1999)

Išradinga, sumani idėja, kurią ekrane pateikė Wachowskiai, sukėlė filmą, kuris privertė daugelį žiūrovų saugotis tikrovės, kurioje atsidūrė. Tiesa, kai buvo sukurta „Matrica“, kelio atgal nebebuvo, ji pasikeitė daiktus. Filmas ne tik šiek tiek pralenkė savo istoriją, bet ir pakeitė mokslinės fantastikos bei veiksmo filmų kūrimo būdą. „Matricos“, kaip filmo, sėkmė taip pat slypi tame, kaip jis meistriškai sklando tarp temų, įskaitant filosofiją, egzistencializmą ir net religiją, tuo pačiu dėvėdamas veiksmo ir mokslinės fantastikos filmo priedangą. Neo sugebėjimas manipuliuoti imituojama realybe, kad atliktų, atrodytų, neįmanomus žygdarbius, ir „kulkos laiko“ naudojimas - veiksmo technika, kuri dabar yra ne kas kita, o filmo išradingumas. Žanras dabar gali būti perpildytas, tačiau kai jis pasirodė pirmasis, galima sakyti, kad žiūrovai nieko panašaus nebuvo matę.

78. Septintasis žemynas (1989)

Vadinti Michaelo Haneke'io „Septintąjį žemyną“ siaubo filmu man skamba labai neteisingai, tačiau taip jį nurodo dauguma jį mačiusių žmonių. Su jais sunku ginčytis, nes žiūrint šį filmą žmogus jaučiasi beviltiškas, prislėgtas ir išsigandęs. Šis 1989 m. Klasikas, susijęs su šeima, nekenčiančia pasaulio ir gyvenimo apskritai, laikosi šaltos ir tolimos pozicijos, kad dar labiau izoliuotų tris žaidėjus nuo likusios visuomenės, o tai lėtai, bet užtikrintai priverčia žiūrovus giliai jaustis kaip jiems egzistencija įgauna tamsų posūkį. Būdamas vienas labiausiai nerimą keliančių filmų, kada nors papuošusių sidabrinį ekraną, debiutinis Haneke kūrinys tyčiojasi iš žiūrovo ir niekada nepaleidžia rankų. Jei žiūrovai tai vadina siaubo filmu, tai jie daro tai turėdami omenyje baisų filmą, kuris nepanašus į jokį kitą. Apimta neaiškumų ir tikrovės, Septintasis žemynas yra asmeniškas, intymus ir siaubingas tikros istorijos, kuri palieka jus tyloje, atpasakojimas, nes jai pasibaigus bent porą minučių jūs negalite ištarti nė vieno žodžio.

77. Zodiakas (2007)

„Zodiakas“ nėra jūsų įprastas trileris; tai yra lėtas tempas ir daugiau dėmesio skiriama nuotaikai ir veikėjams, o ne siužetui. Yra tokia aura, kurią Davidas Fincheris sukuria tiek, kad savo kauluose galėtum pajusti filmo nuotaiką. Tai nėra filmas, kuris paliks jus laimingą, kai jis pasibaigs. Tai taip pat filmas, kuriame blogas vaikinas laimi, geri - pralaimi. Ir todėl jis toks geras. Ne tik geras, bet ir modernus šedevras. Kai filmas sugeba tave trūkčioti visas pustrečios valandos ir palikti tave galvoti dienoms, jis turėjo daug ką sutvarkyti, ko įprastai sukurti trileriai neturi. Mano nuomone, „Zodiakas“ yra geriausias Fincherio filmas, kuriame jis savo disciplina ir įgūdžių spektru parodo, kodėl kartais „mažiau yra daugiau“.

76. Magnolija (1999)

‘Magnolia’ neabejotinai yra pats asmeniškiausias Paulo Thomaso Andersono darbas. Istorinė atmosfera, kurią Andersonas užkrėtė filmu, suteikia melodramai tam tikrą emocinį takumą, kuris yra taip neįtikėtinai priklausomas ir katartiškas savo energija. Filmas vyksta tik San Fernando slėnyje, kai įvairūs tarpusavyje susiję veikėjai išgyvena skirtingus gyvenimo etapus, stengdamiesi susitvarkyti su savo vidiniais demonais ir emociniais konfliktais. Andersonas myli šiuos žmones, jis juos pažįsta ir supranta, bet nepagrįstai pateikia juos tokius, kokie jie yra; ryškiai nuogi, žali ir tyri žmonės, susiduriantys su savo giliausiomis baimėmis ir silpnybėmis bei įveikiantys jas. „Magnolia“ yra tokia ypatinga, kad tai filmas, pasakojantis tiek daug apie savo kino kūrėją. Mums leidžiama žvilgtelėti į Andersono gyvenimą, vietą, kuriai jis priklauso, ir žmones jo gyvenime. Visame filme yra tiek daug Andersono. Toks filmas kaip „Magnolia“, jei jį būtų režisavęs bet kuris kitas kino kūrėjas, būtų pasijutęs pasenęs ir atrodytų panašus į savo laikų produktą, tačiau su Andersonu jis tik dar labiau patraukia filmą.

75. Rosemary kūdikis (1968)

„Rozmarino kūdikis“ yra tamsus, susuktas meno kūrinys, kuris žaidžia nekaltai, kad sukurtų siaubo jausmą. Filmas, susijęs su moterimi, nėštumo metu patiriančia komplikacijų, žengia visiškai naują kelią su savo siužetu, leidžiant ritualiniams elementams atlikti pagrindinį vaidmenį. Šis filmas turi mylėti tiek daug, pradedant gerai parašytais personažais ir baigiant tolima permaina, apimančia kiekvieną įvykį. Visame paveiksle visada jaučiama įtampa, ir tai iš dalies dėka tylios, užsitęsusios kinematografijos, atliekamos griežtu režisieriaus Polanskio stiliumi. Mia Farrow čia karjeroje pasirodo geriausią pasirodymą kaip Rosemary Woodhouse - moteris, kuri tampa silpnesnė kovodama su skausmais, kurie kyla kartu su vaiko nešimu. Apskritai šio filmo užfiksuota atmosfera atitinka nedaugelį kitų, o tai, kaip ji įsiskverbia į jūsų odą, iš tikrųjų yra kažkas kita.

74. Geri, blogi ir negražūs (1966)

Patrauklūs personažai, kuriuos vaidina legendiniai aktoriai, nežabotas, žiaurus ginklų šaudymo veiksmas, užkabinanti muzika ir intensyvi kinematografija - trečioji „Dolerių“ trilogijos dalis, sakoma, kad yra spagečių vesternų gimimas, yra geriausia, patrauklus, linksmas kinas. Blondie arba „No Name“ („Geras“), profesionalus ginklanešys ir Tuco („Bjaurusis“), ieškomas neteisėtas asmuo, susidaro nenorą ištikimybės, kai kiekvienas sužino svarbią detalę apie bėglio konfederato paslėptą aukso sandėlį. kurį užmušęs smogikas Angelas Eyes („Blogieji“) yra įpareigotas nužudyti. Trio kelionė yra kniedžių siužeto, kuris baigiasi klasikiniu vakarietiško stiliaus žvilgsniu, esmė. Clintas Eastwoodas kaip „Blondie“ yra mačizmo įvaizdis, Lee Van Cleefas kaip „Angel Eyes“ yra piktas personifikavimas, o Eli Wallachas, kaip Tuco, prideda impulsų ir įniršio charakterio sudėtingumą prie paprastesnių, tačiau labiau efektingų dviejų didesnių žvaigždžių „Good Vs Evil“ veiksmų. Tačiau valdžia Sergio Leone rankose yra amžinai režisierius - jis naudojasi plataus masto tolimais kadrais ir intensyvia kinematografija iš arti, jei reikia, kad sukurtų įtampą procese. Žanrą apibrėžiantis filmas Quentinas Tarantino, vienas didžiausių šiuolaikinio Vakarų šalių eksponentų, kažkada pavadintas „Geriausiai režisuotu filmu pasaulyje“.

73. Keliaujantys žaidėjai (1975)

Pernelyg ilgai Theo Angelopoulos intymus, subtiliai surenkamas epas buvo žinomas nedaugeliui kino entuziastų, o galbūt jį įvertino dar mažiau. Puikus, laipsniškas kino paminklo pastatymas mūsų ezoteriniam, kriptiniam santykiui su laiku suprantama ne visiems. Tačiau smalsuoliams tarp mūsų buvo žinoma, kad jie teikia paguodą, suteikia išminties ir dovanoja suvokimą, padedantį rasti pastovius, kuriuos galima pakabinti šiame visuotinai ir žiauriai dinamiškame pasaulyje. Tarp daugelio dalykų, kuriuos šis filmas pataiso, yra nesugadintas suvokimas apie „Oresto“ pasakos apreiškimus. Mitologija, siejama su tragiška figūra, užfiksuota protą slopinančiu nuolankumu, tačiau filmas sugeba mus per savo lankstų matymą perkelti į melancholišką, užsitęsusį 20-ojo amžiaus vidurio Graikijos vaizdą. Laikina elegancija pateisina istorijos žiūrėjimą stovint šalia trupės: iš išorės. Jūs esate linkęs ir nujausti jos griežtumą, ir apmąstyti jos kūrybą. Tai reta antifašistinė istorijos pamoka, nes joje niekada nepasakoma, ką galvoti. Tai mums tik parodo, ką jausti. Angelopoulosas ir operatorius Giorgosas Arvanitis mus patalpina į širdį stabdančias vietas ir jas išplauna su pražūtingu šio laikotarpio piktumu. „Keliaujantys žaidėjai“ yra kuklus, retas brangakmenis, kuris jaučiasi taip, tarsi būtų išgelbėtas iš riaušėmis apipintų gatvių ir išgyveno badaudamas. Paprasčiau tariant, mes to nenusipelnėme.

72. Talpykla (2005)

Michaelas Haneke'as dažnai kaltinamas tuo, kad visada nagrinėjo niūrius pasakojimus. Šis apibūdinimas yra visiškai nesąžiningas, nes tai, ką jis daro iš esmės, suteikia humanišką įžvalgą apie tamsą, apimančią mus visus, kaip mūsų ydingas suvokimas sukelia agonizuojančią izoliaciją ir kaip mūsų kliedesiai sumažina mūsų galimybes įveikti minėtą izoliaciją. „Caché“ yra ne tik masyvus, skaudus dokumentas, nurodantis 1961 m. Senos upės žudynių žiaurumą ir mūsų, kaip visuomenės, nežmoniškumą, bet ir poetiškai universalus personažų tyrimas. Georgesas, mūsų herojus, gyvenimą ir jo buvimą suvokia kaip socialinę būtybę iškreiptu džiaugsmo jausmu. Jis bėga nuo patogumo pasitikėti ir bendrauti su kitais. Jis mėgaujasi savo susvetimėjimu, lygiai taip, kaip susvetimina tiek daug žmonių, kurie jį taip brangina. Tuo Haneke tyčiojasi iš kartos, kuri nori likti viena. Jo kamera kartais būna neįprastai nutolusi, lygiai taip pat daugelis iš mūsų yra susiję su savo aplinka. Tačiau kontroliuodami turime susidurti su savo nepadorumu, savo neapgalvojimu, savo realybe. Vienas iš sudėtingiausių kino kūrinių, kurį kada nors pamatysite.

71. Avilio dvasia (1973)

Ispanijos meistras Viktoras Erice prieš išeidamas į pensiją sukūrė tik tris vaidybinius filmus. Vis dar gyvi ir šiandien, tokie filmai kaip „El Sur“, svarainis „Saulės medis“ ir ypač „Avilio dvasia“, jo nenusakomas debiutas, dėl kurių visi norime, kad jis vis dar kurtų filmus. Parabiliška pasaka apie du vaikus, kurių vienas tyrinėja jo egzistavimą su nekaltu, dažnai gluminančiu susižavėjimu, o kitas yra apsėstas jų vietiniame teatre vaidinto filmo „Frankenšteinas“. Jos paslaptingą Ispanijos miesto krašto portretą palieka viliojanti dviprasmybė dėl Erice būdingos neutralios krypties - retai pasitelkdamas kinematografinį metodą tylaus stebėjimo naudai. Rezultatas yra gluminantis, įtraukiantis ir privers jus susimąstyti apie paties gyvenimo mįslę: jos neatsakomus klausimus, didžiąsias paslaptis ir gluminantį neprieinamumą. Norėdami palikti jus visiškai sunaikintą ar nepalyginamai sujaudintą, nėra jokių abejonių, kad bet kuriam kraštutiniam „Avilio dvasiai“ bus svarbi patirtis.

70. Visi prezidento vyrai (1976)

Votergeitas. Vienas žodis, numušęs Richardo Nixono prezidentavimo užuolaidas ir privertęs žmones suprasti, kad net prezidento ūgio žmogus gali kuo žemiau nusileisti, kad atliktų savo darbus. Nors prezidento draugai buvo užsiėmę valydami jo sukurtą netvarką, buvo du žurnalistai, kuriems tai dvelkė. Nepaisant gresiančių grėsmių, jie dirbo nenuilstamai, siekė net menkiausių laidų ir kartais kėlė pavojų sau, kad faktai būtų pateikti žmonėms. Remiantis žurnalistų Bobo Woodwardo ir Carlo Bernsteino parašyta to paties pavadinimo knyga, „Visi prezidento vyrai“ yra sumanus pastebėjimas, kokia turėtų būti tikroji žurnalistika. Režisierius Alanas J Pakula buvo nominuotas aštuoniems akademijos apdovanojimams, galiausiai laimėjęs tris ir, beje, praradęs geriausią vaizdą „Rocky“.

69. Šešėlių armija (1969)

Manau, puikus palyginimas, kurį reikia padaryti naujokams Jeano-Pierre'o Melville'o kūryboje, yra Stanley Kubrickas. Abi praktikuoja ypatingą techninį tikslumą ir visiškai pasitiki kiekviena darbo ritė, kurią jie atlieka per ilgą ir kūrybiškai pelningą karjerą. Tai sakant, pigus, bet sudėtingas skundas, kurį kiekvienas gali pateikti Amerikos režisieriui, yra jo „sielos jausmas“. Laisva žmogaus išraiškos vieta. Taip nėra su Melville. Filme „Šešėlių armija“ Melville'o personažai dega nuo karčios nevilties kurstomos kibirkštėlės, dėl kurios kiekvienas jų veiksmas dvelkia žmonija. Mirtiname karo pasipriešinimo judėjimo pasaulyje vienas klaidingas žingsnis gali sukelti visišką sunaikinimą ir būtent minėtoji malonė ir virtuoziškas jo kino teatro valdymas Melville'as siuva visiškai tikinčio, įtikinamai mirusio pasaulio sėklas. „Šešėlių armija“ yra vienas tyliausių, intriguojančių ir monumentaliausiai veikiančių kūrinių, pasirodžiusių iš prancūzų kino, ir praleisti tokią nusikalstamai nepastebėtą klasiką reikštų sau didelę meškos paslaugą.

68. „Švytėjimas“ (1980)

Adaptavęs Stepheno Kingo klasiką, Stanley Kubrickas 1980 m. Sukūrė filmą, kuris iš naujo apibrėžė siaubo žanrą. Čia gimimo bijo ne tik istorija ar personažai. Aplinka ir tai, kaip ji buvo nufilmuota, puikiai padeda leisti protą slopinančiai įtampai prasiskverbti į auditorijos galvą. Filmas seka Jacką Torrence'ą, naujai paskirtą „The Overlook“ viešbučio prižiūrėtoją, ir jo šeimą, kai jie paslaptingame pastate praleidžia visišką izoliaciją. Stulbinantis spektaklis ir puikus kameros darbas Kubrickas įsitikina, kad filmo turinys nugrimzta į mūsų pasąmonę. Tai, kaip jis manipuliuoja garsu ir atmosfera, yra visiškai neįtikėtinas ir sukuria nepamirštamą, taip pat stuburą stingdančią dvi su puse valandos. „Švytėjimo“ pasaulis yra gražiai tamsus, visą savo kvapą gniaužiančio trečiojo veiksmo laiką tave tvirtai suimdamas už apykaklės.

67. Kinų kvartalas (1974)

Tarp šių dviejų yra film noir ir neo-noir, tiesiai tarp jų sėdi Jake'as Gittesas, gražiai apsirengęs traškia fedora, kad pagirtų šypseną jo veide. Nors ir būdamas didelis „Polanki“ gerbėjas, visada yra kažkas, kas neatitinka galutinio jo filmų produkto. Išskyrus kinų kvartalą. Šis esminis šedevras ne tik sukūrė savo tapatybę, bet ir visada į tai žiūri kino kūrėjai, kurie pasiskolino jo stilių, kad sukurtų savo filmo tapatybę. Polanskis yra magas darbe, apgaunantis mus skiriamais laidais, taip pat klasikiniu triukšmu ir triukšmu. Bet tada ateina paskutinis kinų kvartalo veiksmas, kuris taip greitai sugadina kiekvieną konvenciją, kuri iš pradžių buvo pridedama prie panašių paslaptingų filmų, jums lieka didžiulis šoko ir nevilties jausmas. Nesugebėjimas įveikti krikštatėvį II mane vis dar glumina, tačiau po pusės amžiaus žmonės pamiršo Siciliją, bet niekada nebuvo kinų kvartalo.

66. Šėtono tango (1994)

Prisipažinimas numeris vienas: beveik nemačiau besiplečiančio, nuostabaus Béla Tarr šedevro. Galima būtų manyti, kad visų laikų sinefilų mėgstamiausias statusas ir puiki reputacija, kurią jis sukaupė tarp Amerikos meno namų ratų ir tarp labiausiai informuotų kino kritikų visame pasaulyje, mane suintriguotų. Tačiau didžiulis jos trukmės (apie 432 minučių) ir į Lorį panašus tempas, kuris man taip patiko Tarro „Werckmeister Harmonies“, pasirodė bauginantis. Antras prisipažinimas: „Sátántangó“ pirmą kartą pamačiau vienu ypu. Mane užhipnotizavo jo pragmatiškas realaus pasaulio suvokimas ir kantrus, apdairus kino jausmas. Ji stebėjo daugiau, nei atspindėjo ir svarstė daugiau, nei pateikė tvarkingai suformuotus teiginius. Jos mitinis, niūrus realizmas buvo per geras, kad būtų tikras, ir pernelyg žiaurus, kad būtų galima suvokti tokiu grožio žvilgsniu.

Viskas, ko norėjau padaryti iki galo, buvo uždaryti visus langus ir apgaubti tamsą, nes filmas man buvo panašus į tą beprotį bažnyčioje, o jo raudojimas turėjo per daug prasmės. Prisipažinimas numeris trečias: man malonu pranešti, kad „Sátántangó“ įžūlūs socialiniai ir politiniai apmąstymai man pradėjo aiškėti, nes aš prie jo grįžau pakartotinai. Vasara, praleista ryjant László Krasznahorkai romaną, kuris veikia kaip filmo šaltinis, buvo ypač įsimintina. Viskas, ką dabar galiu padaryti, yra viltis ir toliau gauti šios laimingos avarijos dividendus.

65. Egzorcistas (1973)

Williamo Friedkino „Egzorcistas“ yra puikiai režisuotas. Vyras yra liūdnai pagarsėjęs dėl nepastovaus karjeros kelio, kurio metu klasika patenka į šliuzą (ir dažnai dvi grupės kerta įspūdingus kino begėdiškumo tyrimus). Savo geriausiu filmu Friedkinas nusprendė nufilmuoti dramą, kuri taip atsitiko apie demonišką apsėdimą: siūti patosą savo sudėtingiems veikėjams ir visceraliai išversti originalaus autoriaus Williamo Peterio Blattyo tekstą, įstrigusį tarp tikėjimo ir luošinančios abejonės. Galutinis rezultatas - du nuostabūs menininkai, dirbantys savo žaidimo viršuje, kad pristatytų mirgančią amerikietiško kino klasiką: tas, kuris užtemdo beveik visus savo žanro filmus (juosta galbūt nesąmoningai šiurpinantį „Pabudimas išgąsčio“ ar Tobe Hooperio nuostabų turą) jėga Teksaso grandininių pjūklų žudynės ). Tiesiog stulbinantis.

64. Suspiria (1977)

„Nes sapnuose mes patenkame į pasaulį, kuris yra visiškai mūsų pačių“ - J. K. Rowling. O kas, jei vienas iš labiausiai suktų kino protų nuspręstų apipurkšti savo pasąmonę ant filmo. Manoma, kad Dario Argento „Suspiria“ savo keistai sukonstruota istorija nepaiso kino logikos. Bet aš tikiu, kad tai neoekspresionistinis šedevras, įteikiantis tikrąją kino esmę, t. Y. Priversti mus jaustis tikrai, tikrai gyvus. Argento supranta kosmoso vertę ir todėl daugiau dėmesio skiria kinematografijai ir scenografijai, kurie yra dominuojantys jo filmo gyventojai. 'Suspiria' atspindi ne tik Argento stilių, bet ir visą italų siaubą, žanrą, kurį žadina meno estetika.

63. Žmogus pabėgo (1956)

Nepriekaištingai tikslus ir įkvepiančiai ekonomiškas Roberto Bressono, o taip retas jautis buvo užkluptas 1956 m. „A Man Pabėgęs“. Žmogaus, kaip kino kūrėjo, gyvybinių galių viršūnė seka prancūzų pasipriešinimo agento Fontaine'o bandymus pabėgti nuo vis pavojingesnio nacių kalėjimo ir randa prasmę kiekviename kadre. Nuo stulbinančiai žmogaus vaidmens, kurį pavaizdavo ne aktorius François Letterrier, kurio įdubę skruostai ir išpūstos akys taip įtikinamai išreiškė triuškinantį gyvenimo karo metu svorį, iki Bressono minimalizmo, sugebėjusio ugdyti skaudų artumą tarp žiūrovų ir pasakyto beviltiško žmogaus. : Nuo dažnų POV ir elegantiškų kompozicijų, kurios neperlenkė technikos, kurią Bressonui sukėlė aplinkiniai darbai, kartais nuskendo. Aš nenutraukčiau nė vieno kadro ir todėl brūkštelėjimas yra absoliučiai gyvybiškai svarbus pradedančiųjų filmų kūrėjų švietimo būdas: nupiešti ką nors tokio gyvo ir tankio, niekada nesijaučiant pervargus.

62. Užmušti paukštį (1962)

Tokiais laikais nėra geresnio filmo nei „Užmušti paukštį“, kuris paaiškintų neonaciams apie tikrąją kastos, tikėjimo ir rasės prasmę. Nustatytas rasinės susiskaldymo Amerikos laiko juostose, afroamerikietis vyras apkaltinamas baltosios moters kuklumo pažeidimu. Rasinės neteisybės viršūnėje, kai baltųjų žmonių pilnas teismas veržiasi dėl jo kraujo, tenka kovoti su savo byla vienam vyrui. Vienas baltasis, vardu Atticus Finch. Jis narsiai kovojo dėl to, kad visi vyrai yra lygūs teisme, nesvarbu, ar jie spalvoti, ar ne. Jo pastangos yra bergždžios, nes teismas vyrą pripažįsta kaltu. Bet žiūrovui lieka pamoka, kurią Atticusas Finchas skiepija savo vaikams. Tai yra, „niekada iš tikrųjų nesupranti žmogaus, kol neatsižvelgi į dalykus jo požiūriu“. Remiantis Harper Lee to paties pavadinimo bestseleriu, „To Kill A Mockingbird“ yra vienas didžiausių visų laikų filmų.

61. Galinis langas (1957)

Šedevro trilerio filmą skiria reguliariai ant mūsų sukrautos nuotekų nuotekos - tai, kad pastarieji sukasi žaibiškai, labiau remdamiesi mūsų sukrėtimu nei posūkio tikrumu, kad padarytume poveikį. Tačiau tokiuose filmuose, kaip „Galinis langas“, svarbūs dalykai, akivaizdūs iš profesionalių fotografų L.B. 'Jeffas' Jeffriesas atrodo, kad pro jo galinį langą lašas po lašo kaupiasi, kol jie užlieja, todėl nekaltas Jeffas įtaria, kad vyras, gyvenantis per kiemą, įvykdė žmogžudystę. Hitchcockas meistriškai naudoja savo fotoaparatą kaip iliuzionisto įrankius, kad žiūrovai būtų įsitempę, apgauti ir spėlioti, kol neatsiskleidžia žandikaulis. Įkyriai ieškodamas Jeffo besidominčio savo dalyko, Hitchcockas komentuoja vojerizmo klaidas, tai, kiek tai gali būti viliojantis, ir vienišo miesto gyvenimo būdo niūrumą, kuris jį lemia. Dar neįtikėtinai tai yra tiek pat komentaras apie žiūrovo vojerizmą, kiek Jeffas; kaip mus žavi Jeffo pakerėjimas. Žiūrėti, kai nesižiūri, yra nedoras džiaugsmas; Hitchcockas tai žino, žavisi ir traukia mus kartu.

60. 4 mėnesiai 3 savaitės ir 2 dienos (2007)

Kai kurie filmai jus jaudina; kai kurie prajuokina; kai kurie laužo tavo širdį. „4 mėnesiai, 3 savaitės ir 2 dienos“ priklauso specialiai filmų kategorijai: tiems, kurie jus jaudina ir jaudina. Kaip jūs galėjote atspėti, tokie filmai yra bene rečiausia iš retų veislių. Filmas stebimas dviem draugais, kurie bando surengti abortą žiauriame Rumunijos komunistiniame Ceausescu režime. Visceraliai ir be kompromisų filmas sugriebia jus už kaklo ir niekada nepaleidžia. Žiūrėti šį filmą yra tarsi patirti žarnyną išjaukiantį jausmą, kurį patiriate, kai nervingai laukiate, kol po operacijos vienas iš artimųjų išeis iš operacijos teatro. Geriausiu atveju tai nėra tik realistiškas kinas; tai taip pat yra vienas iš gyvenimą keičiančių filmų, kuriuos kada nors pamatysite.

59. Praėję metai Marienbade (1961)

Alano Resnaiso 1961 m. Filmas „Paskutiniai metai Marienbade“ yra arčiausiai mūsų svajonės vizualizavimo, ir tai daroma kuo keisčiau. Muzika, užimanti didžiąją dalį vykdymo laiko, veikia kaip raminamoji priemonė, dėl kurios žiūrovai tampa mieguista būsena. Nepaisant to, beveik neįmanoma atitraukti akių nuo ekrano, nes visame paveikslėlyje vyksta tiek daug, nors rodoma tik nedaug. Man patinka galvoti apie „Praėjusius metus Marienbade“ kaip filmas, įsivaizduojamas iš pasąmonės dėl jo pasikartojančio ir painaus pobūdžio. Veikėjai yra sutrikę dėl keisto pasaulio, į kurį jie taip pat pateko. Tai yra subrendęs ir rafinuotas kūrinys, ir manau, kad pagrindinis siužetas - susijęs su vyru ir jo santykiais su keista moterimi, kurią jis aiškiai prisimena susitikęs prieš metus, nors ji apie jį to neprisimena - labai įtraukiantis, originalus, aistringas, romantiškas, svajingas ir, žinoma, puikus.

58. Laukinės braškės (1957)

Ar kada buvote kelionėje, kur neturite nieko geresnio, kaip pažvelgti pro langą? Tam tikrą laiką jūs žiūrite į vaizdą lauke, kol jūsų mintys veržiasi, o tai, kas lauke, dabar yra tik šablonas - tai nebetraukia jūsų dėmesio. Taip nutinka su Isaku Borgu, Bergmano klasikinės nuotaikos kūrinio veikėju, kuris atrado savo vietą daugybėje visų laikų geriausių filmų sąrašų, įskaitant Stanley Kubricko 1963 m. Sudarytą sąrašą. Jis keliauja su savo uošve, norėdamas gauti diplomą. „daktaro Jubilario“ iš jo alma mater. Ji nemėgsta jo ir planuoja palikti sūnų. Tačiau mūsų profesorius, kurį vaidina genialusis Viktoras Sjöströmas, ateitimi nelabai domisi. Jo mintys ir dėl to filmas, kurį katapultavo daugybė žmonių, su kuriais susidūrė jo kelionė, nušvietė tik jo praeitį. Žiūrint per atlaidų, užtikrintą Bergmano objektyvą, jo prisiminimai yra paprasti, pažįstami ir žmogiški. Jie nešlovina jo gyvenimo ir neatmeta jo pasiekimų. Jie netvarkingi, kaip ir dauguma mūsų, ir sąmoningai iškraipyti. Kai jis pagaliau atvyksta į vietą, kur jam bus suteikta garbė, suprasime, kad jam niekada nereikėjo atlygio. Jo jis jau gavo tose braškėse, kurias rinko su savo vaikystės mylimuoju, prekybininku, kuris jį prisiminė, neramiais santykiais su žmona, gerais ir blogais, išperkančiais ir nedovanotinais. Kaip ir mes, šio paslaptingo, nepaaiškinamai jaudinančio filmo pavidalu.

57. Žaidimo taisyklės (1939)

Išradinga, kandži Jeano Renoiro manierų komedija sugeba stebėtinai gerai išsilaikyti po visų šių metų, išlikdama žaisminga ir persekiojusi kaip niekada. Išleidimo metu to vengė ir kritikai, ir žiūrovai, todėl po pražūtingos premjeros Renoiras iškirto didelę filmo dalį - dalį, kurioje daugiausia vaidino Oktavo personažas, kurį vaidino pats Renoiras. Vargu ar stebina jo augimas. Filmas savo gudriu, autoritetingu žongliravimu personažais, temomis, tonais ir aplinka visada yra linksmai linksmas, bet niekada ne mažiau kruopštus ar ne toks išradingai sukurtas, kaip geriausias šio laikotarpio pasaulio kinas. Jo kruopščiai suklastoti vaizdai pulsuoja rafinuotumu, tačiau pastangų niekada nematyti, o filmas priverčia tave stebėtis, kaip giliai įsipainiojai į savo meistriškai sukurtą atmosferą. Operatorius Jeanas Bacheletas ir Renoiras žaidžia fotoaparatu taip, kad suteiktų filmui erdvumo, tačiau jų nenumaldomas valdymas daro tai nuolat intriguojančia veikla. Jei viso to nepakanka, turėtumėte žinoti, kad Alainas Resnaisas kažkada sakė, kad filmas buvo vienintelė didžioji patirtis, kurią jis kada nors turėjo kine. Sunku būtų rasti labiau švytinčią rekomendaciją.

56. Trečiasis žmogus (1949)

„Film-noir“ yra žanras, susijęs su filmais, kuriuose gausu tamsių alėjų, slaptų, gundančių personažų, paslaptingumo jausmo ir kreminės juodai baltos spalvos, kad visa tai padengtų. Nors daugelis šių paveikslėlių yra intriguojančios ir siūlo gerą laiką, nedaugelis išbando ką nors novatoriško ir kitokio. „Trečiasis žmogus“ yra vienas didžiausių kada nors sukurtų filmų „Noir“, nes jis pasakoja savo stulbinančią istoriją išskirtinai gerai, naudodamas įspūdingus olandų pakrypimus, ryškią šviesą ir gražią muziką. Filmas yra susijęs su žmogumi ir jo paties atliktu tyrimu dėl finansiškai turtingo draugo nužudymo. Siužetas Trečiasis žmogus yra nusėtas romantika, tamsiu humoru, posūkiais ir įtampa. Jos širdyje filmas gali būti pavadintas miela meilės istorija, tačiau, kai viskas įmetama, tuo susižavėjimu lieka abejoti. Atkurdamas meistriškai parašytą scenarijų, Carol Reed magnum opusas yra tas, kuris tave laiko savo sėdynės krašte nuo nuolankaus, lengvabūdiško pirmojo veiksmo iki pabaigos, kuris gali būti protingiausias bet kokio paveikslo finalas “. Aš kada nors pamatysiu.

55. Šūksniai ir šnabždesiai (1972)

Ingmaro Bergmano tragiška šeimos drama apima liūdesį, kuris yra nepriekaištingai beviltiškas ir karštligiškai skubus. Tai nėra kantriai pastatyta scena po scenos ir iki galo pristatoma lėkštėje. Jūs esate įkvėpti to nuo pat filmo atidarymo, kuris supažindina pagrindinius žaidėjus ir jų užgrūdintą, degų liūdesį nuostabiais artimaisiais elementais, kurie aiškiai rodo jų slopinantį diskomfortą. Visa tai yra padengta negailestinga raudonos spalvos gausa - tamsiai raudona spalva, kuria nudažytos namo, kuriame vyksta istorija, sienos. Bergmanas priverčia mus suvokti mirties dvoką, kuris supa moteris taip impozantiškai, kad tikroji mirtis nėra priežastis sunerimti. Dėl iš prigimties kilusio moterų ilgesio viskas, kas filme, mano galvoje tapo persekiojančiu, krauju persmelktu prisiminimu. Nuolat žavintys Sveno Nykvisto vaizdai švelninami subtiliu Bergmano raštu ir aktorių meistriškai išgyventais spektakliais. Šviečiantis Livas Ullmanas tarsi mistifikuoja ir žavi kiekvieną kartą, kai tik kamera yra ant jos, o nepatikimosios Ingrid Thulin ir Harriet Andersson savo darbe yra taip neįsimintinos, kad jaučiasi invazine sąlytyje su savo jausmais. Bergmanas neduoda aiškių minčių parsinešti namo, tačiau neigia visus kitus pojūčius, išskyrus tuos, kuriuos patiria jo veikėjai. Mums įdomu, kiek toli pasiekia jo emocijas ir jis pratęsia tai kiekviename žingsnyje. Galų gale „verkimais ir šnabždesiais“ negalima tikėti, juo reikia gyventi.

54. Kartą Vakaruose (1968)

Galbūt tai yra Morricone'o persekiojimo rezultatas, o gal Delli Colli vizija yra tokia pat plati kaip Vakarai, o gal nenustygstanti kruopelė, šurmuliuojanti Bronsono ir Fondos akyse, ir galbūt tai yra visų šių aspektų kulminacija maestro, Sergio Leone, beveik kiekviename kadre. . Jei jums reikalingas vakarietis, turintis ir Johno Fordo grožį, ir negailestingą Samo Peckinpaho laukiškumą, tada Leonei tiesiog nėra artimųjų. Savo didžiuoju opusu jis pasiekia tai, ko jam prireikė 3 filmams anksčiau, kad sukurtų mistinį pasaulį niekur nieko. Nors paviršiuje galbūt nėra nieko dvasingo, filmas turi dievų. Dievų sportinės karūnos, užpildytos 10 litrų parako, ir kruopos, kurias jos nurijo vandeniu. Be to, Henry Fondos dalyvavimas antagonistu tikriausiai buvo to dešimtmečio sprendimas, nes jo ledinės mėlynos akys nebuvo panašios į tai, ko Vakarai kada nors matė.

53. Annie Hall (1977 m.)

Niekas negali teigti, kad supranta painią, viską ryjančią mįslę, kuri yra meilė, kaip Woody Allenas. Nė vienas Woody Alleno filmas nėra arti jo tikros, savitos šlovės nei ši pasaka apie Alvį Singerį, neurotišką, nihilistišką komiką Niujorke, kuris „labiau nei įsimyli“ su žvarbia, skraidančia, linksma Annie Hall ir paskui iškrenta iš jo. Filme taip pat nagrinėjami seksualumo lyčių skirtumai per Alvy ir Annie ‘Yin ir Yang’ santykius. Pabaigoje net ir Alvy meilę pripažįsta kaip „iracionalią, beprotišką ir absurdišką“, bet reikalingą gyvenime. Kelių novatoriškų pasakojimo būdų, tokių kaip ekspromtu nulaužta ketvirtoji siena, naudojimas, greitas praeities ir dabarties kaitaliojimas, naudojant sklandžius pjūvius, subtitruose parodant, kaip jaučiasi Alvy ar Annie, kai jie iš tikrųjų kalba visiškai kitaip, ir „ istorija istorijoje “kaip kulminacija iškelia jau įtraukiančią istoriją. „Annie Hall“ yra bene pirmoji iš tikrųjų modernistinė romantika apie celiulioidą ir vietoj jos įkvėpė romantiškų komedijų kartą. Nė vienas nėra toks žavus, kaip tas, kurį jie siekia mėgdžioti.

52. M (1931)

Prasidėjus balso įrašymo technologijai, reiškiniui, kurio viršūnė buvo 1927 m. „Džiazo dainininkė“, filmuose kilo absurdiškas dialogas. Ši technologija buvo savaime suprantama kaip tiesioginis atnaujinimas, o ne įrankis, kuris bus naudojamas kartu su nusistovėjusia kino kalba. Fritzas Langas, žmogus, savo karjerą pradėjęs nebyliame kine su virtine meistriškų darbų, įskaitant „Destiny“, daktarą Mabuse’ą, lošėją, „Die Nibelugen“ ir išskirtinį „Metropolis“. Jo migracija į garsą pasiekė aukščiausią tašką 1931 m. „M“ - filme, kuris, priešingai nei visi aplinkiniai šaltiniai, pašalino beveik visą aplinkos triukšmą. Rezultatas - tyli pokalbių sistema, kurioje vyrauja negyva atmosfera: tokia veiksmingai paremta pasakojimu. Aptariama istorija pasireiškia vaikų žudiku ir Vokietijos valdžios nekompetencija jį gaudyti - sudarant savo kengūros teismą, kad nubaustų žudiką. Tai, ką čia komunikuoja Langas, yra neįtikėtinai brandus žinutėje: teisingumą, kurį verta atlikti, visiškai pakerta to meto politinis kontekstas - užfiksuota nacionalsocialistų partijos eutanazijos politika ir vis žiauresni idealai, pasireiškiantys kaip žiaurus navikas žmonių kaltinimams. . Peterio Lorre'o spektaklis, turtingas patosu ir kankinamu humanizmu, padeda įveikti gilų „M“ klastą, kuri neišmatuojamai juda net iki šiol.

51. 12 piktų vyrų (1957)

Atsakymo, ar berniukas kaltas, ar ne, niekada nesužinosime. Tačiau vienas dalykas, kurį patvirtina „12 piktų vyrų“, yra tai, kad logika visada viršys intuiciją, jei kvailių pasaulyje yra vienas sveiko proto žmogus. Ar kvailystė yra liga, ar tik nežinojimo šalutinis produktas? Sidney Lumet drama neprašo jūsų naudoti smegenis per širdį, bet stengiasi pasiekti tašką, kuriame galėtumėte priimti sprendimą, abu dirbdami kartu. Kartu su kniedėjančiu scenarijumi, kuris išdidžiai įsitvirtina kiekvienos pasaulio kino mokyklos programoje, filmavimas ir pastatymas yra visiškai neprilygstamas japonų „Naujosios bangos“ klasikai. Pasigyręs nepamirštamu ansamblio atlikėjų pasirodymu „12 piktų vyrų“ yra Amerikos kino paminklas.

50. Miesto žiburiai (1931)

Nedaugelis ankstyvųjų kino kūrėjų turi pripažinimą ir populiarumą šiuolaikinėje kultūroje, kuri patinka Chaplinui. Taip gali būti dėl daugelio priežasčių. Jo filmai kalba su visais žmonėmis ir yra žarnyno nuotaika linksma, tačiau juo labiau jo pasakojimai į melancholiškas situacijas žiūri humoristiškai. Tai pasakytina apie tikriausiai asmeniškiausią jo paveikslą „Miesto žiburiai“, pasakojantį apie trampą ir jo pastangas sužavėti bei padėti vargšei aklai gėlių merginai. Jis tai daro po fasadu, apsimesdamas turtingu vyru, norėdamas patraukti jos dėmesį, tačiau tai darydamas susiduria su bėda. Kai filmas ir šiandien yra toks pat juokingas ir jaudinantis, kaip prieš daugiau nei 75 metus, tai paprastai reiškia, kad kažkas daro gerai. „Miesto žiburiai“ paliko savo pėdsaką pasaulyje skurdo ir gyvenimo vaizdavimu sunkiais depresijos metais, kuris yra taip gerai įvykdytas ir jaučiamas, kad niekada nepajudina žiūrovų, tuo pačiu suteikdamas jiems vilties geresnis rytojus.

49. Ateik ir pamatyk (1985)

Pastaroji neįtikėtinai meistriškos filmų kūrimo komandos pusė, režisierius Elemas Kilmovas buvo vedęs Larisa Shepitko - šviesią „Wings“ ir „The Ascent“ virtuozę. Kai ji taip liūdnai mirė per autoįvykį, Kilmovas baigė savo išskirtinio nebaigto projekto „Atsisveikinimas“ (kuris tiesiog galėjo lengvai užimti šią vietą) darbus - ir manau, kad visas šis kontekstas yra toks galingas, kaip kraujuoja vyro sielvartas. kiekvienas jo kūrybos rėmas. Kilmovo kinas mato neišreikštą įtūžį ir beviltiškumą: kaupti savo didžiulį emocijų svorį - ir nedaugelis kada nors sukurtų filmų pulsuoja tokiu galingu jausmu kaip Ateik pažiūrėk . Galima teigti, kad geriausias kada nors sukurtas karo filmas, jo pragariškas Vermachto invazijos į Baltarusiją vaizdavimas atkuria kurtinančius sprogimus, košmariškus vaizdus ir pasaulį, kuriam pamažu trūksta gyvenimo - jo scenos nufilmuotos spalvingoje tuščiavidurėje šviesoje. Visoje šioje kančioje Kilmovas kelią į supratimą randa transcendentiškai brandžioje išvadoje. Galbūt, įsipareigodamas apmąstyti gyvenimo pereinamumą, jis pagaliau randa jėgų palaidoti velionės žmonos kaulus. Belieka tikėtis.

48. Septintasis antspaudas (1957)

Nuo pat pirmųjų ikoninio Bergmano dokumento apie tikėjimą, baimę ir pasitenkinimą vaizdai yra užburti. Ryškus, grūdėtas žvilgsnis į jūrą, pakrantę ir joje drąsus riteris ir jo lemtingas susidūrimas su mirties personifikacija apibrėžia filmo aiškumą dėl objektyvumo, net jei jis palieka galimybių viliojančiam, beveik bauginančiam neaiškumui nuolat būti. Naudodamasis neprilygstamu Maxu von Sydowu ir grupe aktorių, kurie įstabią Bergmano medžiagą, paremtą jo pjese „Medžio tapyba“, iškelia į netikėtus lygius, „Septintasis antspaudas“ per menkas 90 minučių daro įtaką per kartas perduodama sena pasakėčia skatina vaizduotę kur kas platesnę, nei ji pati gali tikėtis sulaikyti. Gunnaro Fischerio putojantis, traškus nespalvotas užtikrina, kad kankinantis intensyvumas nuskaustų mūsų odą. Į srautą panašus sklandumas yra pasakojimo, išsiskleidusio didingu pasitikėjimu ir apčiuopiamu vienodumu, rezultatas. Tai gali būti visiškai paprasta istorija, kuri vis tiek savo krūtinėje puoselėja vertingas idėjas, tačiau ji yra pasiūta audiniu, kuris yra toks įmantrus ir drąsus, kad jūs negalite atsikvėpti, kad išverstumėte į ilgalaikę atmintį.

47. „La Dolce Vita“ (1960 m.)

Atsargiai, kantriai ir poetiškai sušvelnintas Fellini virtuozas yra visiškai parodytas jo „Palme d'Or“ nugalėtojui, kuris savo sieloje ir šešėlyje glamūru užfiksuoja gyvenimo būdą, kuris atrodo per daug nesuvokiamas ir tam tikru požiūriu pernelyg realus. Jo tempas pabrėžia pagrindinio veikėjo netikslingumo jausmą ir verčia mus maudytis simfoniškai išdėstant gyvenimo gyvybingumą ir tai, kaip visa tai yra trumpalaikė. Šį pagrindinį veikėją vaidina geriausias karjeros siekėjas Marcello Mastroianni, kuris naudoja šią laiko dovaną, kad užpildytų savo akis nenugalimu pasaulio nuovargiu. Abejojant tam tikrų „La Dolce Vita“ skyrių, kurie gali atrodyti be filosofinio importo ar pasakojimo aktualumo, svarba yra atmesti galimybę leisti pikantiškoms detalėms apsiprausti ir apmąstyti pasekmes. Kai dangiškoji Nino Rota partitūra mus nuneša į svaiginantį Romos pasaulį, matomą iliuzine Fellini akimi, jūs matote tik tai, ką jis nori, kad jūs pamatytumėte, ir tai greitai tampa tuo, ką norite pamatyti jūs taip pat.

46. ​​Psicho (1960)

Žmones geriausiu atveju galima apibūdinti kaip ypatumus. Žmogaus protas, kuris sugeba daugybę stulbinančių dalykų, taip pat sugeba išsigimti iki supratimo ribų. Alfredo Hitchcocko „Psycho“ pristatymų nereikia, nes jis laiko galvą aukštai, tarp nesenstančių kino teatrų. Be klasikos, tai taip pat liūdnas komentaras apie nesėkmingą žmonių moralę. Ir tai nėra Normanas Batesas! Kaustinis ponios Bates laikymasis, kuris Normano gyvenimą pavertė nevaisingu jau per vaikystę ir galų gale, yra priminimas, kaip meilė gali būti uždususi. Garsiai, Mr.Hitchcockas priėmė keistą „Psycho“ politiką, kuri apėmė vėlyvų dalyvių neįleidimą į filmą. Jis buvo priimtas siekiant užtikrinti visišką teisingumą pulsuojančioje filmo kulminacijos scenoje. Tikriausios formos trileris „Psycho“ yra sūnaus, jo motinos ir nesveiko jų nuosavybės ryšio istorija. Hitchcockas buvo taip nuožmiai saugomas dėl finalo, kad jis reklamavo filmą šioje žymos eilutėje - „Neatiduok pabaigos - tai vienintelis, kurį turime!“

45. „Solaris“ (1972)

Tarkovskio „Solaris“ yra visai panašus į filme pavaizduotus reiškinius. Nuo pat mįslės su giliai įsišaknijusia samprata iki evoliucionavimo į esybę, su kuria negaliu išsiskirti, tai yra patirtis, priverčianti mane susimąstyti apie kiekvienos visatą sudarančios molekulės užmarštį. Gal mes žinome apie mokslinius matmenis, bet ar gali koks nors instrumentas apskaičiuoti meilės ar liūdesio kiekį, esantį širdies nanogramoje? Ar kas nors gali rasti smegenų ląstelę, kurioje gyvena nepamirštama atmintis? Nuo užburiančios Bacho muzikos pradinėje sekoje iki daugiametės greitkelio scenos, Tarkovskio laiko naudojimas žiūrovui atsieti nuo įprasto pasaulio veikimo yra meistriškas. „Solaris“ yra sritis, kurioje emocijos siunčia jus suktis su beprotybe, bet kas nepajudintų, kai beprotybė yra graži, kad ją paliestumėte, ir pakankamai viscerali, kad atlaisvintų jus nuo savęs.

44. Schindlerio sąrašas (1993)

Svarbus filmas, kuriam labai naudinga Spielbergo nuojauta dėl dramos, tai yra vienodai nerimą kelianti ir jautri patirtis pačiai sau. Filmas, kaip ir daugelis kitų šiame sąraše esančių, yra meistriškumo pamoka to, ką aš mėgstu vadinti supaprastintu, paveikiu pasakojimu. Pasakojimas seka Oskarą Schindlerį, vokiečių verslininką, kuris Holokausto metu išgelbėjo daugiau nei tūkstančio žydų gyvybes, įdarbindamas juos savo gamyklose. Visi trys lyderiai, Liamas Neesonas kaip Oskaras Schindleris, Ralphas Fiennesas kaip Amonas Gothas ir Benas Kingsley kaip Itzhakas Sternas yra siaubingos formos, sukasi nuoširdžiausiuose pasirodymuose. Scena, ypač link filmo pabaigos, kurioje Schindleris nutrūksta, atsižvelgdamas į tai, kiek dar gyvybių jis galėjo išgelbėti, yra giliai jaudinanti ir mano mintyse išlieka kaip viena iš galingesnių, širdį perteikiančių scenų Kine. Tai, kad filmas buvo nufilmuotas nespalvotai, retai, kartais naudojant spalvas simbolizuojant ar išryškinant svarbų elementą, padidina patirtį. Lengvai, geriausias Spielbergo filmas, jis išlieka būtina filmų žiūrėjimo patirtis.

43. Lawrence of Arabia (1962 m.)

Kinas kaip terpė vis didėja. Turėdami pažangiausias technologijas, šiandieniniai kino kūrėjai siūlo mums visceralines kino patirtis. Tačiau yra keletas filmų, sukurtų dar prieš madingą CGI, kurių didžiulis ir monumentalus mastas nerado savo bendraamžio. Davido Leano epinė istorinė drama, pagrįsta T. E. Lawrence'as , viena garsiausių Didžiosios Britanijos veikėjų, yra vienas iš tokių filmų. Jame Pateras O'Toole'as vaidina Lawrence'ą ir kronika apie jo nuotykius Arabų pusiasalyje per Pirmąjį pasaulinį karą. Jau nuo pat pradžios Davidas Leanas piešia puikų judantį begalinės dykumos paveikslą visoje savo šlovėje, jam padeda kinematografas Freddie Youngas ir patrauklus Maurice'o Jarre'o rezultatas. Bet tai jokiu būdu neaukoja emocijų dėl ekstravagancijos. „Arabijos Lawrence“ yra stulbinantis Lawrence'o personažo tyrimas - jo emocinės kovos su karui būdingu asmeniniu smurtu, jo paties tapatumas ir jo padalinta ištikimybė tarp gimtosios Britanijos ir jos armijos bei naujai atrastų bendražygių arabų dykumos gentys. Dėl šios visavertės „Lawrence Of Arabia“ filmas yra vienas įtakingiausių kada nors egzistavusių filmų.

42. Ieškotojai (1956)

Neabejotinai didžiausias kada nors sukurtas vesternas, geriausias Johno Fordo karjeros filmas „Ieškotojai“ yra amerikiečių klasika, tarp geriausių filmų, pasirodžiusių nuo penkiasdešimties. Nors tuo metu jis buvo žavimasis ir gerbiamas, jo aštrus, stulbinantis jėga nebuvo pripažinta keletą metų, tačiau septintojo dešimtmečio pradžioje jis buvo vertinamas kaip šio žanro klasika ir bene geriausiu kada nors sukurtu vesternu. Tikrai laikas sugadino kai kurias filmų galias, bet ne tą aukštą, siautėjantį Veino pasirodymą ar filmo rasizmą, kuris kursto pyktį ir įniršį. Varomasis filmo pasakojimas Ethanas ir jo paieškos yra nesenstantys, tokie pat galingi šiandien, kokie buvo anuomet, galbūt labiau todėl, kad tiek daug subtilių istorijos taškų yra aiškūs.

41. Pather Panchali (1955 m.)

Indijos kiną pasauliui išvedęs filmas, suteikęs kinui vieną geriausių autorių Satyajit Ray. Pagal „Bibhutibhusan Bandopadhay“ romaną „Pather Panchali“ pasakoja apie nuskurdusią šeimą, bandančią klestėti per daugelį gyvenimo sunkumų. Galima teigti, kad tai romantizuoja skurdą, nes žiūrovas liudija daugybę išbandymų, su kuriais susiduria šeima ir uždirba savo pragyvenimo šaltinius. Nepaisant to, žiūrovui lieka akimirkos, įsiterpusios į maestro Ravi Shankaro muziką. Meilūs Appu ir jos sesers Durgos santykiai, traukinių seka, kuri yra vienas iš svarbiausių filmo akcentų, iš viso pakelia filmą į kitą lygį. 'Pather Panchali' per daugelį metų tapo vienu iš kultinių filmų ir reguliariai rodomas visų laikų geriausių filmų sąrašuose, ir pelnytai.

40. Kasablanka (1942)

Esminis amerikiečių klasikinis filmas. Jo žavesyje galbūt yra kažkas tokio užkrečiančio, kad vis tiek įsimyli, net ir visus šiuos metus. Be didžiulio pakartotinio žiūrimumo faktoriaus, jo įsimintinas rezultatas („Laikas eina!“) Ir itin cituojamas dialogas yra tvirtas atvejis. Paprasčiau tariant, tai yra malonumas, kai visi puikios kino patirties elementai yra tik tinkamais kiekiais!

Siužetas yra švelniai tariant paprastas, kartais beveik besiribojantis su banalu. Ciniškas, nuo širdies pritrenkiantis vyras, vadovaujantis garsiausiam Kasablankos naktiniam klubui, atsiduria kryžkelėje, kai mylima dama pasirodo su vyru. Siužeto įtaisai yra garsios tranzito raidės, tačiau istorija yra visiškai apie du įsimylėjėlius, patekusius į ankstyvojo Antrojo pasaulinio karo etapo foną, ir apie sunkų Bogarto personažo sprendimą pakabinti ar paleisti. Tačiau, kaip ir daugelyje šio žanro filmų, egzekucija daro triuką, paversdama „Kasablanką“ viena įtikinamiausių visų laikų romantiškų dramų, kuri taip pat yra nepaprastai gerai suvaidinta; Humphrey Bogartas ir Ingrid Bergman yra aukščiausio lygio, o juos puikiai palaiko tokie žaidėjai kaip Paulas Henreidas, Claude'as Rainsas ir Conradas Veidtas.

39. Barry Lyndonas (1975)

Žvelgiant į kiną kaip meno formą, negalima paneigti Barry Lyndono tobulumo, pradedant gražia kinematografija, užburiančiais sceniniais kūriniais, išskirtine muzika ir baigiant galinga režisūra. Kaip istorija pasakojama apie jauno žmogaus gyvenimą XVIII amžiaus Europoje, kai jis lipa žingsniais aristokratijos link, kad jo likimas vėl būtų nuvestas. Paveikslėlis pats savaime yra vienas iš didžiausių kada nors nufilmuotų scenų, kai žandikauliais naudojama šviesa, spalvos, fizinės savybės ir kt. Nėra geresnio būdo apibendrinti žmogaus gyvenimą, nei objektyviai į jį žiūrėti, ir būtent tai šis filmas buvo atliktas naudojant nepatikimą pasakotoją. Tai šalta ir tolima, retai suteikianti auditorijai galimybę pajusti pagrindinį veikėją. Žvelgiant iš šios perspektyvos, Barry Lyndonas yra gausus personažų tyrimas, turintis turtingus personažus, tikrovišką prisilietimą ir poetinį emocijų perdavimo būdą. Paprasčiausiai tai yra geriausias kinas.

38. Generolas

Vienas iš seniausių sąrašo pavadinimų „The General“ yra priminimas, kad daugelis šiuolaikinių veiksmo kūrinių sėdi labai ilgame šešėlyje, kurį metė ne kas kitas, o tylusis komedijos genijus Busteris Keatonas. Pasigyręs tokia įspūdinga kūryba, kaip net Charlie Chaplinas, pastarojo menininko mielas trampas prekiauja vietomis su maloniai beprotiškų personažų kavalada Keatono atveju; visa tai apsupta šurmuliuojančio kino inkvizicijos, kuri pratęsė terpės ribas tokiais judesiais kaip Sherlockas jaunesnysis ir „The Cameraman“. Visa tai net neminint jo magnum opus, 1927 m. „The General: After the Confederate“ inžinierius, skubėjęs įspėti savo pusę apie besiveržiančią Sąjungos kariuomenę Amerikos pilietinio karo metu. Jo pasakojimas sudaro šabloną naujausiam George'o Millerio filmui „Mad Max: Fury Road“ ir beveik kiekvienam kada nors sukurtam kačių ir pelių filmui, ištvermingam savo linksma komedija, įspūdingais specialiaisiais efektais ir bravūrišku triukšmu, kurio metu Keatonas labiau rizikuoja savo gyvybe. ne vieną kartą dėl jo mylinčios publikos pamėgimo. „Generolas“ išlieka vienu, jei ne geriausiu, kada nors sukurtu veiksmo filmu, kuris linksminasi su kiekviena savo esme ir sugeba sušaukti kuo daugiau puikiai valdomų epinio masto akimirkų, kad galėtų varžytis su bet kokiu CG pakrautu šurmuliu.

37. „Susprogdink“ (1966)

Laikas ? Svyruojantis šešiasdešimtmetis. Vieta? Londonas. Akinantis ir akinantis miestas. Gyvybinga ir žavinga. Seksas, narkotikai ir rokenrolas. Apskritai, diena Tomo, mados fotografo, gyvenančio gyvenimą, gyvenime, tarkim, abejotinos moralės. Per įvykių kupiną dieną, peržiūrėdamas poros nuotraukas, kurias jis gana paslėptai užfiksavo parke, jis jame randa negyvą kūną. Jis eina į tą pačią vietą ir randa kūną, kuris yra vyras iš poros. Bijodamas jis grįžta į savo studiją, kad surastų ją išgrobstytą, bet liko viena nuotrauka - negyvo kūno. Kitą dieną kūnas dingsta. Kas jį nužudė? Ir kodėl kūnas dingo? Kodėl Tomas manė, kad jis sekamas? „Blow Up“ yra režisieriaus Michelangelo Antonioni klasikinis aktas, kuris per daugelį metų įkvėpė daugybę kino kūrėjų, įskaitant Brianą De Palmą ir Francisą Fordą Coppolą.

36. Amžinas nepriekaištingo proto saulė (2003)

Svaiginanti, siurrealistinė meilės ir širdies skausmo epifanija niekada nebuvo ištirta tokiu būdu ir taip sėkmingai, kaip tai daro „Amžinas nepriekaištingo proto saulė“. Sodrūs gražiais vaizdais ir išradingomis partitūromis, panašiais į tylos epochos garso takelį, neįmanoma visko paaiškinti apie „Amžiną nepriekaištingo proto saulę“. Be abejo, filmas susidedantis iš sunkiai sekamo pasakojimo - nors iš tikrųjų, pradėjus sekti, jis yra paprastas - tai vienas iš tų filmų, kuris yra labai naudingas vien dėl to, kad negali susilaikyti nuo apgaulingos minties ir giliai sujaudinti. filmas, kad jis yra. Bet tikroji laidos žvaigždė yra jos rašytojas, Čarlis Kaufmanas , kuris kaip „Amžinas nepriekaištingo proto saulėlydis“ gali būti, kad labai gerai parašė giliausią genialų scenarijų, kada nors buvusį kino istorijoje. Filmas, kuris yra ne tik unikalus savaip, bet ir be galo pakartotinai žiūrimas su kiekviena peržiūra atrandama kažko naujo.

35. Taksi vairuotojas (1976)

Filme „Taksi vairuotojas“ Martinas Scorsese'as pateikia mums vieną iš labiausiai sutrikdytų, mažai tikėtinų, tačiau įnoringų mūsų laikų veikėjų Travis Bickle. Filmas seka jį, kai jis tampa taksi vairuotoju, kad susidorotų su nemiga, ir stebi, kaip jį pamažu įveikia visos beprotybės aplinkiniame mieste. Tikrasis būdas, kai „Taksi vairuotojas“ laimi kaip filmas, yra tai, kaip jam pavyksta pasislėpti prie tavęs, pamažu einant per kelią ir siaubą, kuris, regis, kankina Travisą Bickle'ą. Tuo jis teisingai pelno skirtumą kaip psichologinis trileris, o ne drama, dažnai dirbantis daugiau lygių nei paprasčiausiai abu. Filmas gali būti nerimą keliantis laikrodis dėl tamsios temos, dar tamsesnio elgesio ir saujos smurto, tačiau žiūrovams, norintiems žvilgtelėti pro šalį, tai puikus bandymas suprasti filmo dalį. žmogaus psichika, kuri dažniausiai pasireiškia budrumo forma. Aš turiu omenyje, kas negalvoja apie mūsų laikų neteisingumo atkūrimą ir grąžinimą? Būtent tą giliai įsitaisiusią fantazijos fantaziją „taksi vairuotojas“ žais labai efektyviai. Dabar filmas yra plačiai vertinamas kaip vienas svarbiausių kada nors sukurtų filmų, ir jis supažindino pasaulį su jėga, kuri buvo Scorsese.

34. Šlovės keliai (1957)

Prieš Stanley'ui Kubrickui žygiuojant tyrinėti nepaaiškinamų visuomenės aspektų, kurie ne tik peržengė laiką, bet ir žiūrovų lūkesčius iš savo pačių, jis padarė šį kniedantį karo kūrinį, kurį priskiriu šalia „Ateik ir pamatysi“. Skirtingai nuo pastarojo, „Šlovės keliai“ ištraukia širdį veriantį WW perdavimą iš to paties žmonijos seklumo, kuris dominavo paskutiniuose Kubricko kūriniuose. Kubricko pasaulyje demonai nėra apipilti krauju ir purvu, bet medaliais ir pasididžiavimu, o pragaras gilinasi į švenčiausias vietas - teismą. Tuo metu, kai pramonė priėmė patrauklią 3 juostelę, Kubricko monochrominė spalva nudažė karą vienu atspalviu. Kūnai, skudurai, kareivinės, dūmai, pelenai ir visa kita užmaskavo bendrą regimą kankinančią kančią.

33. Trys spalvos: raudona (1994)

Liūdniausia menininko žūtis yra tada, kai pagalvoji, kad jų paskutinis darbas būna visų laikų didžiausias. Taip buvo su lenkų autoriumi Krzysztofu Kieslowskiu ir paskutiniuoju jo filmu „Raudona“. Po filmo premjeros Kanuose 1994 m. Kieslowskis jau buvo pranešęs apie pasitraukimą iš filmų kūrimo, tačiau jo tragiškas žūtis daro dar gilesnį liūdesį praėjus beveik dvejiems metams po paskelbimo apie pasitraukimą. „Raudona“ yra paskutinė jo puikiai įvertintos „Trijų spalvų“ trilogijos dalis ir pasakoja apie jauną moterį, kuri susiduria su senu vyru po to, kai jis netyčia partrenkė savo šunį savo automobiliu. Senukas yra pensininkas teisėjas, atitrūkęs nuo gyvenimo ir bet kokių emocijų, laiką leidžia šnipinėdamas kitus žmones. Tarp jų abiejų užsimezga mažai tikėtinas ryšys su subtiliais romantiniais atspalviais. 'Raudona' yra apie šansus ir atsitiktinumus, kurie mus ištinka kasdien, ir apie nesugebėjimą atpažinti jo grožio ir reikšmingumo. Filme yra nepaaiškinamas melancholijos jausmas apie žmogaus likimo ir laiko tragediją ir apie tai, kaip mes, kaip žmonės pasaulyje, visi esame vienaip ar kitaip susiję. 'Raudona' yra stebinantis filmas ir tai yra vienas didžiausių kada nors sukurtų filmų.

32. Sierra Madre lobis (1948)

Kaip rodo pavadinimas, lobių paieškas mes dažnai siejame su pulsuojančiu nuotykiu ir su juo susijusiu adrenalino antplūdžiu. Tačiau yra nedaug istorijų, kuriose kalbama apie emocijas, kurias žmonės patiria leisdamiesi į kelionę, kad gautų tą auksą. Dažnai sakoma, kad sunkmetis išryškina tavo tikrąjį charakterį. „Sierra Madre lobis“ pasakoja istoriją, kai aukso geismas sukelia nemalonių personažų pokyčių, galiausiai jų individualų apleistumą. Nors dėmesys skiriamas sąžinę gadinančiam godumui, žiūrovui lieka žmogaus charakterio tyrimas nepalankiose situacijose. Tragiška godumo ir išdavystės pasaka. Šis filmas laimėjo akademijos apdovanojimą už geriausią režisierių, geriausiai pritaikytą scenarijų ir geriausią antraplanį aktorių. Per daugelį metų tai tapo kultine kino mėgėjų klasika visame pasaulyje.

31. „Pulp Fiction“ (1994)

Grožinė literatūra - terminas, žymimas žurnaluose ar knygose, pabrėžiant smurtą, seksą ir nusikalstamumą. Šie elementai privertė žurnalus parduoti kaip karštus blynus. Tarantino paėmė šiuos elementus, sujungė juos aplink tris istorijas ir sukūrė pasakojimą, kuris buvo ne mažesnis nei kino genijus. Vieną unikaliausių sukurtų popkultūros filmų žiūrovas supažindina su minios smogiko Vincento Vegos, jo nusikaltimų ir motormuto partnerio Juleso Winnfieldo, gangsterio žmonos Mia Wallace, boksininko Butcho Coolidge'o pasauliu stilingas nusikalstamumo ir smurto traktavimas. Vienas svarbiausių filmo aspektų, prisidėjusių prie jo sėkmės, buvo Samuelio L Jacksono pasirodymas. Kaip smogikas Julesas Winnfieldas, kuris Biblijos eilutes cituoja kaip smūgio linijas, buvo fenomenalus. Vienas didžiausių šios epochos filmų „Pulp Fiction“ tapo vadovėliu besikuriantiems kino kūrėjams visame pasaulyje.

30. Alžyro mūšis (1966)

Nedaugelis filmų nusinešė politikos naštą taip, kad praturtintų jų kinematografinį efektą, tačiau palikite liūdnai pavadintam uždegančiam italų maestro Gillo Pontecorvo paimti dar kunkuliuojantį 50-ųjų dešimtmečio pabaigos prancūziškos kolonijinės Alžyro žmonių priespaudos tašką ir paversti jį kažkuo. visiškai įtikinamas. Vis dar akivaizdžios paralelės, kurias Pontecorvo stebina nepaprastai neutraliu teroro ir terorizmo stebėjimu, kurį įvykdė abi pusės, šiandien „Alžyro mūšio“ išgyvenimas kelia įspūdingą intelektualinį iššūkį mūsų supratimui apie juodai-baltą karą, be to, Miklóso šalčio šaltis. Jancsó neišdildoma filmografija. Be to, jos laikraščių redagavimo būdai yra orientyras kino komunikacijoje ir, mano galva, žymiai labiau panaudojo pašėlusias „Nouvelle Vague“ pjovimo technikas, nei daugelis jo tiriamųjų viršūnių. Kartą pamatytas, niekada nepamirštas - „Alžyro mūšis“ yra tiesiog esminis pasaulio kino kūrinys.

29. Goodfellas (1990)

Režisieriaus svajonė sukurti epochą pagal laikotarpį, kuriame jis buvo sukurtas. Tačiau Martinui Scorsese'ui tai įprotis. Kiekvieną dešimtmetį jis buvo „A-Lister“, jis sukūrė filmą, kuris laikomas vienu didžiausių to laikotarpio. 1970-aisiais jis sukūrė „Taksi vairuotoją“, 1980-aisiais - „Raging Bull“, 1990-aisiais - „Goodfellas“, 2000-aisiais - „The Departed“ ir 2010-aisiais - „The Wolf Of Wall Street“. 1990 m. Gangsterių drama, paremta tikra mafiozo bendražygio Henry Hill istorija, tapo vienu iš etalonų šiame žanre. Filmas, kurį pirmasis pasakoja Hillas, apibūdina jo pakilimą ir kritimą kaip Niujorko mafijos dalį 1955–1980 m. Skirtingai nuo visų gangsterių ekstravagancijų „Krikštatėvyje“ ar „Scarface“, „Goodfellas“ nagrinėja autentiškos kasdienio gangsterio gyvenimo smulkmenos, sutelkiant dėmesį tiek į Hillo santykius su žmona Karen, kiek į jo išnaudojimą su gaujos draugais. Tačiau Scorsese'as naudoja visas strėles savo triukų virpesiuose, kad šis reikalas būtų viliojantis šis legendinis ilgas sekimo šūvis , koks įsimintinas dialogas ir sprogus Joe Pesci, kaip Tommy DeVito, audringo Hillo partnerio, aktas. Kalbant apie kriminalinį žanrą, „Goodfellas“ yra kuo geresnis.

28. Šėlstantis jautis (1980)

Martinas Scorsese yra žinomas dėl to, kad savo filmuose vaizduoja sunaikintų, ydingų, dažnai save sunaikinančių veikėjų istorijas. Ir jis dažnai apžiūrinėjo istorijos metraščius, norėdamas rasti savo kritusių herojų tikrose istorijose. „Piktasis jautis“ - tai legendinio boksininko Jake'o LaMottos gyvenimo istorija, kurios savigriaudantis ir įkyrus įniršis, seksualinis pavydas ir gyvuliškas apetitas, dėl kurio jis tapo ringo čempionu, sugriovė jo santykius su žmona ir šeima. Filmas yra nufilmuotas nespalvotai, kad būtų galima tiksliai parodyti epochą, kurioje jis buvo nustatytas, ir tamsią, slegiančią nuotaiką. Scorsese tikėjosi, kad tai bus jo galutinis projektas. Taigi jis buvo kruopščiai reiklus kurdamas filmą. Lygiai taip pat pasišventė Robertas De Niro, vaidinantis pagrindinį vaidmenį. Jis priaugo 60 svarų ir iš tikrųjų mokėsi boksininko. Trumpai susiliejusį LaMottos manierą jis įsisavina ugningu tobulumu, kai visiškai pasineria į charakterį. Jis gavo pelnytą savo bėdą. Tai didžiausias „Scorsese-De Niro“ triumfas. Intensyvus, galingas magnum opus.

27. Krikštatėvis: II dalis (1974)

Antrųjų dalių istorijoje buvo žinoma, kad nedaugelis filmų atitinka pirmųjų šlovę, o vieni palieka juos kai kuriais aspektais. Jei sudaromas sąrašas su tokiais filmais, „Krikštatėvis: II dalis“ bus jo vainikinis brangakmenis. Pirmojo palikimo įgyvendinimas buvo savaime mamuto užduotis, tačiau šis „Krikštatėvio“ sakmės tęsinys ne tik pavyko, bet ir išplėtė savo palikimą, kad taptų didžiausios amerikiečių istorijos apie kada nors pasakotą istoriją. Filmas pateikia du lygiagrečius pasakojimus; vienas susijęs su Michaelu Corleone'u kaip naujuoju Corleone 'šeimos verslo' vadovu, antrasis demonstruoja puikų Robertą De Niro kaip jauną Vito Corleone ir jo iškilimą į valdžią. Dvi istorijos yra meistriškai supintos, pateikiant viliojantį pasakojimą, kuris neatleidžia žiūrovo rankos. Alas Pacino čia atlieka keletą savo geriausių darbų, jo naujai atrastas žvilgsnis praktiškai sukramto peizažą kiekvieną kartą, kai tik pasirodo ekrane. Vienas iš tų tobulų filmų, kurį galima žiūrėti neatsižvelgiant į laiką, vietą ir paskutinį žiūrėjimą, o jūs vis tiek atsiduriate ir bijote. Jei I dalis yra šventasis altorius, II dalis yra duona ir vynas.

26. Oranžinis laikrodis (1971)

Pirmas dalykas, kuris tikriausiai ateina į galvą, kai paprašoma apibūdinti šį filmą vienu žodžiu, yra „nerimą keliantis“. Vienintelį filmą iš sąrašo, kurį išdrįsau peržiūrėti, pagavau save, kai žiūrėjau šį filmą, kelis kartus. „Laikrodžio oranžinė“ yra pats kompromisinis socialinis komentaras, pateikiantis ryškius vaizdus, ​​iš kurių niekada negali atsigauti. Tamsi, susisukusi ir nesuteikia atpirkimo to siekiantiems filme, kurio visuomenės požiūriu turbūt niūriausia distopija. Ir tuo, manau, slypi filmo sėkmė varant nerimą keliančią žinią namo. Netradicinis bet kokiu būdu, kokį tik galite įsivaizduoti, jis suteikia mums veikėjų, kurie yra nepaprastai malonūs ir įsitraukia į „ultravioletinius“ bei išžaginimo veiksmus; ji komentuoja socialinę ir politinę dalykų būklę griežčiausiu būdu, kokį tik galite įsivaizduoti, kelia painiavą, nes Alexui DeLarge'ui (kurį vaidina charizmatiškas Malcolmas McDowellas) taikomi nežmoniški atnaujinimo būdai ir jis palieka auditoriją visų dalykų, kuriuos ši nerimą kelianti patirtis priverčia jaustis iškart, farrago. Tikrai, Kubrickiano proporcijų kūrinys.

25. Vertigo (1958)

„Vertigo“ istorija vyksta taip - buvęs detektyvas Scotty (Jamesas Stewartas) kenčia nuo akrofobijos dėl incidento, įvykusio vykdant pareigas. Į jį kreipiasi senas draugas, kuris stebi žmoną Madeleine, kuri, jo manymu, yra apsėsta. Iš pradžių skeptiškai nusiteikusi, Scottie netrukus save sunaikina dėl gražios damos, kuri, atrodo, yra daug daugiau, nei ji leidžia. Alfredo Hitchcocko blizgesys slypi tame, kad jo didžiausi filmai, jaudinantys žiūrėti pirmą kartą, atrodo, kad žiūrovui atveria naują supratimo sluoksnį kiekviename žvilgsnyje. Žinoma, trumpai žvilgtelėjus, „Vertigo; yra gerai sukurta psichologinių nužudymų paslaptis. Tačiau žiūrint jį vėl ir vėl, vyro agresijos ir moteriško įvaizdžio konstravimo vyro galvoje temos ima atsiskleisti kaip begalybės dėžutė ir apimti tave. Ko gero, pats seniausiai sukurtas filmas, apie lėtai degantį „Vertigo“ blizgesį liudija tai, kad atidarius prieštaringas apžvalgas, filmas yra plačiai vertinamas kaip vienas didžiausių kada nors sukurtų filmų. Trilerių meistro šedevras.

24. Hirošima, mano meilė (1959)

„Hiroshima mon amour“, kilęs iš Prancūzijos kairiojo kranto vizionieriaus Alaino Resnaiso proto, yra transcendentine galia verkiantis filmas. Jos istorija susipynė su atmintimi ir abiejų, vykusių Hirošimoje Antrojo pasaulinio karo metu, randais, kuriuos pasakojo du žmonės - vienas prancūzas, vienas japonas - bandant sujungti vyraujančią ten įvykusio niokojimo žinią. Išskyrus tai, kad intelektualiai ar emociškai nėra ko gauti iš tokios kvailystės. Tai kūrinys, apimtas tarptautinio sielvarto, pasiekiantis toliau nei pats konfliktas ir į tiesas bei represijas, kurios kiekvieną dieną persekioja žmones. Atominio sprogimo atgarsiai atrandame mažą dalį to, kas taip negerai su mumis pačiais. Tai, kad „Resnais“ paprasčiausiai supranta šią neliečiamą painiavą, o ne bando ją taisyti, „Hiroshima mon amour“ paverčia vienu didžiausių kino šedevrų.

23. Atsitiktinis Balthazaras (1966)

Apleistas Roberto Bressono šedevras yra jausmo pratimas. Tai vengia apibrėžti aiškų veikėją ar pagrindinę temą, nebent skaičiuojate stebuklingą gamtos jėgą, kuri yra Balthazaras, ir, jei paimsite filmą pagal nominalią vertę, tai ne. Bet jei leisite jam būti jūsų prieigos tašku prie emocinio ir teminio filmo peizažo, sunku iš jo grįžti neatlygintinai. Balthazaro savitas, lieknas ir kietas vizualinis stilius atrodo beveik žavingas žvelgiant atgal; jos ramus trapumas apgaubtas atsistatydinusiu, išskirtinai išmintingu valdymo jausmu. Netgi juntamas sąžiningumas slepia tyrinėtas pastangas šiek tiek susilaikyti, paprastumu ir pobūdžiu pamaitinti turtą, kurį žiūrovai gali atrasti, o kai kuriais kvapą gniaužiančiais atvejais įsivaizduoti. Kadangi aktoriai kalba tiek mažai apie savo keblią padėtį, mes patiriame atsitiktinius, nepagrįstus žiaurumo veiksmus ir jaučiame slopinantį liūdesį dėl juos. Tokia forma, kai net labiausiai pasiekę menininkai siekia tik sustiprinti žiūrovų pojūčius, laikydamiesi išbandytų, Bressono vaizdai man suteikė lyrišką šabloną, kuriuo galėčiau pagrįsti mano atjautos dydį, net įvertinti, kiek sąmoninga yra ta atjauta. .

Visa tai grąžina mane į pradinę mintį. Kiekvienos „Balthazar“ akimirkos priskyrimas priklauso ne nuo to, ar jos turinį laikome socialinio ar net politinio pobūdžio alegorijomis, bet nuo to, kaip jie mus daro jausti mėgaudamasis jų sudėtingumu ir ramybe, užuot pasikliaudamas beprasmiška ekspozicija, kuria naudojasi dauguma filmų. Taigi visiškai prasminga, jei pagrindinis veikėjas yra tas pats asilas.

22. Andrejus Rublevas (1966)

Manau, kad „Andrejus Rublevas“ yra didžiausias rusų autoriaus Andrejaus Tarkovskio skulptūros laiko koncepcijos pavyzdys. Daugelis pastarųjų darbų buvo abstraktūs, nes jis nagrinėjo neįtikėtinai asmeniškas temas ir vizualizaciją, kuri buvo išsibarsčiusi per tam tikrus laikotarpius. Su „Andrejumi Rublevu“ Tarkovskis užfiksavo patį laiką ir tada jį glostė giliausiais menininko sielos atspalviais. Tikriausiai vienintelis Tarkovskio kūrėjas, galėjęs įvertinti aukščiausią pasiekimą, vaizduodamas menininko represijas. Jis tyrinėja slegiančius Rusijos režimus, kurie yra tokios pat vietinės šalies gyventojai, kaip ir gili jos literatūra, kuri stebėtinai suabejojo ​​įtikinamiausiais dvasinio ir metafizinio klausimais. Daugelį vėlesnių Tarkovsky bruožų, įskaitant gamtos tėkmės filmavimą, galima pastebėti Andrejaus Rublevo kelionėje. Tai filmas, kuris filmuoja tave, sugadina ir priverčia susimąstyti - tiek filmo metu, tiek ilgai po to, kai įsisavinami kreditai.

21. Nuotykis (1960)

Kaip jaučiatės neišspręsta paslaptis? Arba nebaigta istorija? Ar siekiate uždarymo beviltiškai jo ieškodamas? Arba priimate faktus ir tada einate toliau? Argi ne apie gyvenimą? Kompromisas ir judėjimas toliau? Filmas, atnešęs Michelangelo Antonioni pripažinimą visame pasaulyje, „L’Avventura“ yra pasakojimas apie jauną moterį, kuri dingo per kelionę jachta per Sicilijos pakrantę. Jos paieška suartina buvusį mylimąjį ir geriausią draugą ir prasideda nerimą keliantys santykiai. Nors istorija yra susijusi su dingusios moters paieškomis, jos tikrasis tikslas yra sukonstruoti pasakojimą, nesusitelkiant ties svarbiausiu įvykiu ir vis tiek sugebant sužavėti auditoriją. Tikrieji centrinių veikėjų motyvai niekada nėra iki galo paaiškinami, o kai filmas baigiasi, žiūrovas yra priverstas sutikti, kad kai kurie įvykiai lieka nepaaiškinti, kaip ir gyvenimas. Neabejotinas šedevras!

20. bekvėpis (1960)

Gerokai prieš tai, kai Quentinas Tarantino sumušė savo kelią į Amerikos indie sceną su savo nepaprastai kebliu požiūriu į filmų kūrimą, kuris labiau pabrėžė stiliaus, o ne medžiagos esmę, buvo šis žmogus, vardu Jeanas Lucas-Godardas, be baimės perėmęs tradicines kino gramatikas ir beatodairiškai jas sulaužęs. filmą „Breathless“, iš naujo apibrėžiant ir formuojant filmus taip, kaip matome šiandien. Galbūt nė vienam kitam filmui nepavyko užfiksuoti trumpalaikės jaunystės beprotybės taip, kaip tai daro „Breathless“ su savo neapgalvota energija ir svaiginančia nuotaika. Kraupus šuolių pjūvių naudojimas pralinksmina prielaidos beprotybę, nes Godardas nuožmiai alkūnėmis atokiau nuo savo personažų, prašydamas sutelkti dėmesį į fragmentiškus siužeto aspektus, o ne į visą istoriją. „Kvėpavimas“ yra vienas iš svarbiausių filmų debiutų kino istorijoje ir, nors jis ir toliau poliarizuoja sinefilus ir kritikus, nepaneigsi jo įtakos šiuolaikiniam kinui.

19. Septyni samurajus (1958)

Akira Kurosawa yra viena originaliausių, įtakingiausių ir labiausiai žinomų režisierių, kokių tik yra gyvenę. Rogeris Ebertas kartą pasakė apie Kurosawą: „Galima teigti, kad šis didžiausias režisierius per ateinančius penkiasdešimt metų įdarbino veiksmo herojus“, ir jis negalėjo būti tikras. Sergeo Leone'io „A Fistful Of Dollars“, kuris, sakoma, pagimdė Vakarų spagečių žanrą, buvo įkvėptas iš Kurosawos „Yojmbo“. Mūsų dabartinis įrašas taip pat yra techninis ir kūrybinis baseinas ir įkvėpė begales tiesioginių perpasakojimų, taip pat daug vaizdinio elemento šiuolaikiniame kine . Epiška drama apibūdina septynių istoriją Roninas (be meistrų samurajus), kurie imasi ginklų, kad apgintų vargingą civilizaciją, kuriai jiems nebėra vietos, nuo reidų banditų XVI a. Japonijoje, kuri baigiasi nuožmiomis klimato takomis. Tačiau „Septynių samurajų“ blizgesys slypi tame, kad jis pasakoja daugybę gerai sukurtų istorijų, besidriekiančių žanruose su pagrindine drama. Visame filme yra veiksmo, nuotykių, romantikos ir pilnametystės elementų. Jį taip pat sudaro tokie gausiai išvystyti personažai kaip retas kepsnys, kuris vėliau taptų kelių žanrų pagrindiniais elementais. Tikrai įkvepiantis meno kūrinys.

18. Gyvybės medis (2010)

„Gyvybės medis“ yra aukščiausia kino forma: jis tiesiog nepasako istorijos, bet siekia pakeisti savo gyvenimą. Tai filmas, kuriam užtrukti reikės laiko, o kai tai nutiks, jums bus sunku apie jį nuolat negalvoti. Nepaprastos apimties ir ambicijų turintis kino eilėraštis „Gyvybės medis“ ne tik prašo žiūrovų stebėti, bet ir apmąstyti bei pajausti. Paprasčiausiai tai yra pasakojimas apie savęs paiešką. Sudėtingiausiu atveju tai yra meditacija apie žmogaus gyvenimą ir mūsų vietą didingoje dalykų schemoje. Nesvarbu, kokiu tikėjimu tiki, ar apskritai tiki aukštesne esybe. Tikrasis nuostabos jausmas filme kyla iš magijos, kuri yra pats gyvenimas. Gražiausias filmo aspektas yra tai, kad jis laikui bėgant vis gerėja, pavyzdžiui, puikus vynas.

17. Uždaryti (1990)

Vėlyvasis didysis Irano autorius Abbasas Kiarostami grožį ir poeziją dažnai matė absurdiškiausiuose kasdieniuose žmogaus gyvenimo epizoduose. Apgaulingai paprastais siužetais ir natūralistinėmis aplinkybėmis Kiarostami tyrinėjo universalias temas, kurios sklandžiai peržengė kultūrines kliūtis dėl žmonijos, į kurią buvo įtrauktas jo kinas, natos. „Uždaryti“ yra neabejotinai labiausiai pasiektas jo darbas ir vienas originaliausių, išradingiausių kūrinių. kada nors sukurto kino meno. Filmas yra doku fantastikos pavidalas, skirtas kronikuoti žmogaus, kuris apsimetė Irano kino režisieriumi Mohsenu Makhmalbafu, tikrąjį gyvenimą. Aktorių gretose dalyvauja žmonės, kurie iš tikrųjų dalyvavo bandyme ir patys vaidino filme. „Uždaryti“ yra nuostabus žmogaus tapatybės tyrinėjimas, matomas paprasto žmogaus, kovojančio su savimi ir savo gyvenimu, akimis ir iš beviltiško liūdesio ir tikros meilės kino menui žengia savo stabo batus. žinoti, koks jausmas būti tikrai gyvu, žavėtis ir gerbti. Tai yra aukščiausio lygio filmų kūrimas.

16. Jeanne Dielman, 23 m., „Quai Du Commerce“, 1080 Briuselis (1975).

Šis prancūzų avangardinis vaidmuo, kuriame pagrindinį vaidmenį atlieka Delphine Seyrig, nėra tik kino patirtis. Tai yra arčiau pratimo - testo ir paveikia jus taip, kaip nedaugelis kitų filmų padarė prieš tai ar vėliau. Nepriklausomas kūrinys sutelkia dėmesį į tris vienišos, nerimaujančios namų šeimininkės gyvenimo dienas, kai ji išgyvena savo griežtą grafiką, užpildytą kasdieniais namų ruošos darbais. Ji yra motina ir našlė, kuri vakarais dirba sekso darbus džentelmenams, kad užsidirbtų pragyvenimui. Problemų kyla, kai antrą dieną jos kasdienybė yra šiek tiek sutrikdyta, o tai sukelia tam tikrą domino efektą, kuris atsispindi valandomis po jo. Jeanne Dielman traukia vieną į savo lėtą ir meditatyvų pasaulį su skiriamuoju Akermano režisieriaus parašu, įtraukiančiu diegetinę atmosferą, ir hipnotizuojančią aurą, kurią sukelia rami, subtili ir kantri pagrindinio kūrinio asmenybė, kuri yra skaudi buvimo monotonijos šventė.

15. Rashomonas (1950)

Vienas iš netradicinių ir savo laikų eksperimentiškiausių filmų kūrinių ‘Rashomon’ stebi meistrą darbe, viską atlikdamas su savo pasakojimo įgūdžiais. Paprasčiau tariant, tai pasakojimas apie incidentą, įvykusį per keturis labai skirtingus požiūrius: kaltinamųjų, aukų ir tų, kurie skelbiasi esą liudininkai. Jis išsiskiria visais techniniais sumetimais beveik nepriekaištingu montažu ir meistriška režisūra, tačiau filmas užtikrina savo pergales teminiais klausimais, kuriuos jis nagrinėja; klausimai apie absoliučios tiesos egzistavimą. Ar tiesa iš tiesų yra tokia objektyvi ir neteisinga, kokia ją padaroma, ar yra su ja susijęs tam tikras subjektyvumas? Paprastai jis yra objektyvus arba bent jau laikomas plačiai suprantamu, be jokių kitų jo versijų. Šis filmas kelia abejonių tokiu būdu, kad žiūrovas pats lieka suerzintas klausimais, taip pat dažnai komentuodamas, kaip žmonės kartais nėra visiškai sąžiningi net patys sau. Tai kuo tematiška, tačiau atrodo, kad taip paprasta, kaip norite.

14. Stalkeris (1979)

Laikant mažesnius palikuonis, tarp kurių yra ir labai sėkmingas televizijos serialas „Vakarų pasaulis“, negalima pervertinti „Stalkerio“ didžiulės įtakos vaizdiniam pasakojimui. Idėjos - filosofinės, dvasinės ir mokslinės -, taip pat jų vikrūs, šlovingi kino tyrimai „Stalkeryje“ rado įspūdžių apie daugelį mokslinės fantastikos darbų, kurie bus po jo. Tai ne tiek sklandymas, transo sukėlimas, tiek taškuose, abstraktus žingsniavimas ar sielą jaudinantis monochromatinės sepijos naudojimas už „zonos“ ribų ir įspūdingos Estijos vietų spalvos, kurios atsispindi tokių filmų kūrėjų darbe kaip: Terrence'as Malickas ir Lavas Diazas, jei norėčiau paminėti keletą, tačiau ilgalaikę kantrybę ir nuolankumą. Iš esmės perduodamas filosofinę karalystę žiūrovams, Tarkovskis palieka tiek daug galimybių žiūrovams patiems atrasti daugybę metafizinių filmo aspektų, kad net ir jo neprilygstama pažodinė ir vaizdinė poezija atrodo tiek pat, kiek jo kūrinio vaisius. o jo bendradarbiai “. Ir vis dėlto filmas lieka nuošalyje, vedantis mus į neaprėpiamas proto ir širdies paslaptis, ir niekada jų neišnarpliojame, nes tiesus kelias niekada nėra teisingas.

13. Fanny ir Aleksandras (1982)

Praėjus beveik 35 metams po pradinio išleidimo, Bergmano režisūrinis vaidmuo yra toks pat žavingas, kaip ir viso pasaulio kritikams, kurie, atrodo, stengėsi užtikrinti, kad jų nuomonė būtų išgirsta. Šios nuomonės skyrėsi kur kas labiau nei šiandien, tačiau atrodo, kad filmo vietą Bergmano filmografijoje sunku apibrėžti. Pagal savo toną, struktūrą ir dydį tai nepanašu į tai, ką Bergmanas padarė iki to momento. Tačiau tai yra neginčijamas visų jo teminių ir vaizdinių instinktų, susikirtusių per šį gyvenimą patvirtinantį šeimos gobeleną, sujungimas 1900-ųjų pradžioje Švedijoje. Panašu, kad jo vaizdingas gausa iš pirmo žvilgsnio atkreipia jūsų dėmesį į giliai įtraukiančius raudonų, žalių ir švelnių, šiltų geltonų variantų variantus, kurie sudaro tokią svaiginančią spalvų paletę, kad jo nebuvimas - kai viskas apvilkta baltais, juodais ir atšiauriais mėlynais atspalviais - atrodo baudžiantis. Kruopščiai sukurtos Bergmano kronikos spinduliuoja šeimos iškylos veržlumu ir puikiai išmano žmogaus ryšius, kuriuos dešimtmečius laiko tikras, trapus meilumas. Šiame dosniai montuojamame gyvenimo perdavime gimimas ir mirtis yra atsitiktiniai. Mažame pasaulyje šie personažai, kaip ir dauguma iš mūsų, gyvena, gali tikėtis apipinto džiaugsmo ir jiems jų pakanka, kaip turėtų būti mums. Ar visa tai iliuzija? Stebint, kaip šis gigantiškas ansamblis daro tokius stebuklus, galima taip pagalvoti. Jei taip, patikėkite, nenorite, kad jis būtų sutrupintas.

12. „Apokalipsė dabar“ (1979)

Yra karo filmų, kuriuose rodomos karybos subtilybės (pvz., „Enemy At The Gates“), kai kurie kiti vengia ir bjaurisi jos samprata (pvz., „Pianistas“), o paskui yra įžūli „Apocalypse Now“, kuri nesiūlo nuomonę ar išvadą, bet vietoj to grafiškai pavaizduotas karo siaubas, šlovinant jame dalyvaujančius karius. Iki šiol kyla diskusijos, ar „Apokalipsė dabar“ yra prieš karą ar antikarą. Mylėk tai ar nekenti; tikras dalykas yra tai, kad jūs tai atsiminsite. Vienas problematiškiausių Holivudo istorijų pastatymų, rašytojo ir režisieriaus Franciso Fordo Coppolos galutinis pjūvis baigėsi techniškai puikiausiu darbu. Plika prielaida yra paprasta - kapitonas Willardas turi „nutraukti su ypatingomis išankstinėmis nuostatomis“ pulkininkas Kurtzas, kuris pateko į priešo teritoriją ir išvyko iš AWOL. Tačiau tai yra alinanti Willardo kelionė per kankinančius Vietnamo mūšio laukus (kuriuos iškelia kvapą gniaužianti Vittorio Storaro kinematografija), išlieka mintyse toli po kreditų sukūrimo. Vykdant vieną įsimintiną sceną po kitos ir galutinius Martino Sheeno kaip Willardo, Marlono Brando kaip Kurtzo ir Roberto Duvallo kaip „napalmo entuziasto“ pulkininko leitenanto Kilgore pasirodymus, „Apokalipsė dabar“, kaip teisingai pareiškė Coppola, „nėra apie Vietnamą. Tai Vietnamas “.

11. „400 smūgių“ (1959)

Françoiso Truffauto „400 smūgių“ yra tikras meno kūrinys, kilęs iš tikro skausmo. Tikrai nuoširdus ir giliai asmeniškas kūrinys Truffautas paskyrė filmą savo dvasiniam tėvui ir tarptautinį pripažinimą pelniusiam kino teoretikui André Bazinui. Išskirtinai autobiografinio pobūdžio Truffauto vaikystė buvo nerami, ir tai labai aiškiai atsispindi filme. Iš išorės filmas pasakoja apie nepilnamečių ir paauglių nusikalstamumą, kurį dažnai lemia visuomenės ir tėvų nepriežiūra. Pažvelkite šiek tiek giliau ir rasite filmą apie viltį; viltis, kuri yra ir intensyvi, ir terapinė. Pagrindinis veikėjas Antoine'as Doinelis yra ryškus pačios visuomenės, visuomenės, kuri savo nesėkmes slepia už taisyklių, bausmių ir sprendimų, atstovavimas. Filmas teka tarsi upė ir nukelia žiūrovus į vilties, nevilties, empatijos ir net didžiulio pykčio kelionę. Jei kada norėjote pamatyti, kaip atrodo šedevras, nežiūrėkite toliau kaip „The 400 Blows“.

10. „Mulholland Drive“ (2001)

Davidas Lynchas nėra kino kūrėjas. Vyras yra svajotojas. O „Mulholland Drive“ yra didžiausia svajonė, kurią jis kada nors svajojo. Sapnas, apimantis visas emocijas, apimančias žmogaus egzistavimą. Tokį filmą kaip „Mulholland Drive“ sunku paaiškinti ar apibūdinti, nes tai yra filmas apie patirtį ir tai, ką tu iš jos imi, o ne siužetas, paremtas įprastu pasakojimu, kuris maitina tave atsakymais, kuriuos galėtum laimingai parsivežti namo. Lynchas dažnai teigė, kad jo filmo vizija iš esmės grindžiama daugybe idėjų ir jausmų. Tai tampa vartais suprasti tokį sudėtingą ir daugiasluoksnį filmą kaip „Mulholland Drive“. Tai svajonių, ambicijų, norų ir košmarų labirintas. Lynchas žino, kas mus labiausiai gąsdina ir kas skatina mus išprotėti. Ir būtent šis nerimą keliantis intymus žmogaus pasąmonės atspindys daro „Mulholland Drive“ tokį giliai kankinantį meno kūrinį. Tokia, kuri apgaubia šiluma ir švelnumu, prieš perkirpdama tiesiai per kaukolę.

9. Dviračių vagys (1948)

„Paprastumas yra didžiausias rafinuotumas“ - Leonardo Da Vinci. Viena iš sunkiausių užduočių kuriant filmą yra išsiaiškinti, kada baigti filmą. Dviračių vagių pabaiga taip toniškai sinchronizuojama su pradžia, kai pradedame nuo Antonio, kasdienio žmogaus, kylančio iš minios, iki Antonio, kasdienio žmogaus, išsisklaidančio minioje. Gyvenimas pokario Romoje kasdien virto kova, ir vos buvo žmonių, kurie padarė tą vargo liūną. Yra labai mažai filmų, kuriuose pateikiama tokia giluminė savianalizė kaip „Dviračių vagims“. Tai filmas, kuris suskaidys jūsų širdį į gabalus ir vis dėlto įkvėps jus gyventi visą gyvenimą. Retai, tokia paprasta savo prielaida yra tokia efektinga savo žinute. Faktiškai neįmanoma pamiršti filmo, kai jį pažiūrėjai. Nors didžiausias filmo pasiekimas yra tai, kiek nepriklausomų kino kūrėjų jis įkvėpė, kurie iki šios dienos savo įkvėpimu nurodo „Dviračių vagis“.

8. Tokijo istorija (1953)

„Tokijo istorija“ yra tai, ko siekia kiekvienas filmo kūrėjas, norintis pasakyti prasmingą istoriją. Akivaizdu, kad visi jie nesiekia! Nėra geresnio filmo, kuriame epinė istorija būtų pateikiama taip paprastai, bet meistriškai, efektyviai ir nepamirštamai, pavyzdžio. Su „Tokyo Story“ Yasujiro Ozu pasiekė tai, kas yra kiekvieno gyvo kino kūrėjo svajonė: amžinai gyventi auditorijoje širdyje ir mintyse. Kas matė „Tokyo Story“, žinos, apie ką kalbu. Filmas pasakoja apie senstančią, tradicinę japonų porą, kuri lanko savo vaikus Tokijuje, kad suprastų, jog jų vaikai yra per daug užsiėmę savo gyvenimu, kad jais rūpintųsi ir kultūriškai bei emociškai nuo jų labai nutolo. . Filme taip pat puiku yra jo universali tema, su kuria gali susieti kiekvienas ir bet kur. Ozu filmų kūrimo stilius taip pat užtikrina, kad esate pasinėręs į pasaką, kuri siūlo gilias įžvalgas apie besikeičiančią žmogaus psichiką kintant laikams. Tiesiog puikus!

7. Meilės nuotaikoje (2000)

„Meilės nuotaikoje“ yra paprasčiausiai didžiausia kada nors sukurta meilės istorija. Laikotarpis. Tai taip lengvai galėjo būti pjesė ar net poezija. Gražiais, patraukliais vaizdais ir išskirtine sielą veriančia muzika „In The Mood For Love“ pasakojama sudėtinga dviejų paprastų asmenų istorija. Du asmenys, išgyvenantys įsimylėjimo baimę ir masalą; ir kartą įsimylėjus, didžiulis skausmas paliekant jį neužbaigtą. „Meilės nuotaikoje“ vaizduojama meilė pažeidžiamiausia forma. Tai darydamas jis atskleidžia mūsų pačių pažeidžiamumą ir tai, kokie bejėgiai esame meilės akivaizdoje. Retai toks menkai įvertintas ir taip santūrus filmas turi tokį poveikį po peržiūros.

Nesu tikras, ar režisierius Wong-Kar-Wai ketino kurti savo sukurtą filmą, turėdamas omenyje tai, kad jis daugiausiai filmavo be scenarijaus. Pažvelgus į istoriją, labiausiai apibūdinantys meno kūriniai yra laimingi nelaimingi atsitikimai. Tarp jų skaičiuokite „Meilės nuotaikoje“.

6. 8 1/2 (1963)

Italų maestro filmografijoje aštuoni su puse numerio, ši tvanki, gausi fantazijų, košmarų ir pernelyg purvinos realybės epopėja yra panaši į biscotti - ryžtingai absurdiška savo forma ir kepama tokiu būdu, kuris neleidžia jos visiškai praryti vienas ėjimas. Jo bauginantis, neramus fotoaparatas pagiria Fellini sąmoningą viziją apie filmo kūrėją, bandantį nukreipti daugybę permainų, kurias jis patyrė per savo mazgo gyvenimą, naujame filme. Kad ir kaip būtų pusiau autobiografiškai, „8 1/2“ vėjais pro savo auditoriją, nepaisydamas viso savo siaubingo kompleksiškumo tokiu radikaliu ritmu, kad aš bandžiau dekonstruoti staiga sukomponuotus jo vaizdus, ​​kad galėčiau rasti savo vietą Fellini aukšta specifika, tačiau niekada negalėjo tvirtai nusileisti ant žemės.

Išnaudojant užtamsintus Marcello Mastroianni gravitus, visa Fellini elektra gali būti didžiulė. Jūs laikotės savo suvokimo apie tam tikrą akimirką ir atpažįstate jo niūrų turtingumą, tik sužinoję, kad filmo kūrėjas perėjo į kitą plazdančią, subtiliai pasiruošusią seką. Jo idėjos apie menininkus ir jų gluminantį, juokingą apsėdimą savimi gali atrodyti pasenusios - ar dar blogiau - nesvarbios, tačiau jų konstrukcijos ir išraiškos įžūlumo niekada neprarandame. Tai užburia ir apgauna, niekada neleisdami atitraukti akių ir paskui praslysta pro pirštus, kai mums atrodo, kad niekada to neturėjome. Fellini nedaug skiriasi nuo aiškiaregės Mayos filme, kuri, atrodo, žino, ką visi galvoja: įgūdį, kurį jos padėjėja priskiria telepatijai. Kai mūsų herojus Guido klausia asistentės, kaip ji tai daro, jis aiškiai pažymi: „Iš dalies tai yra gudrybė, o iš dalies ir tikra. Aš nežinau, bet būna. “ Jokie žodžiai negalėjo būti labiau tinkami apibūdinti filmą.

5. Asmuo (1966)

Manau, kad saugu sakyti, kad „Persona“ vienas pats sugadino kiną. 1966 m. Ingmaro Bergmano klasika, būdama siaubo filmas iš paviršiaus, yra labiau asmens tapatybės tyrimas, nei bet kas kitas. Naudojant novatoriškas montažo technikas, ryškius fotoaparato kampus, šaltas išraiškas, įtraukiančius dialogus ir puikią režisūrą, šis filmas kuo puikiausiai dviprasmiškai pasakoja garsios balso netekusios aktorės ir ja besirūpinančios slaugytojos istoriją. nuošaliuose namuose, kur jų išskirtinės asmenybės pamažu pradeda lysti viena su kita. Būdama „kino“ režisieriaus veikla, „Persona“ būtinai pasuka visas įprastas kino kūrimo taisykles, kad bandytų suteikti naujos ir žavingos patirties. Kai vieni didžiausių vaidybinių elementų kada nors buvo pastatyti ant celiuloido, filmo atmosfera padeda mums įvertinti klausimus, susijusius su juo, protingai nukreipiant dėmesį į amatą, kuris pradedamas žaisti. Paprasčiausiai nėra nieko panašaus į „Personą“, ir tai gali būti faktas.

4. Krikštatėvis (1972)

Galbūt, įtakingiausias kada nors sukurtas filmas. Viena iš rečiausių adaptacijų, kuri iš tikrųjų yra geresnė už pradinę medžiagą - šiuo atveju Mario Puzo to paties pavadinimo romanas - filmas per ilgus amžius išliko ir yra klasika tikrąja to žodžio prasme, kuri vis gerėja su kiekvienu žiūrėjimas. Filme aprašoma mafijos šeima, kuriai vadovauja Don Vito Corleone, ir daugiausia dėmesio skiriama jo sūnaus perėjimui, kai jis patriarcho mirties metu perima šeimos verslą. Be jokios abejonės, spektakliai yra viena iš pagrindinių šio filmo stipriųjų pusių: didieji, tarp jų Marlonas Brando kaip Vito Corleone ir Alas Pacino, kaip Michaelas Corleone, performansais iš naujo apibrėžia vaidybos standartus. Tikėtina, kad visa kita, ypač scenarijus ir nuotaiką kurianti kinematografija bei partitūra, yra A rodiklis ir žanrą apibrėžiantis. Pakankamai teisingai, nėra sinefilo, kuris nebūtų matęs šio filmo šedevro. Tai altorius, kuriame einame melstis.

3. Pilietis Kane (1941)

Amerikos kino šventasis gralis. „Citizen Kane“ apibrėžė beveik visus aspektus, apimančius kino meną. Filmas, kuris sulaužė nesuskaičiuojamą daugybę filmų kūrimo būdų, kad tik sukurtų naujų. „Citizen Kane“ pakeitė filmų kūrimo būdą nuo novatoriškų techninių aspektų, įskaitant apšvietimą, garsą ir vaizdą iki labai novatoriško pasakojimo stiliaus. Filmas yra gilus personažų tyrimas, kuris įgauna paslaptingos dramos pavidalą, atskleidžiant mįslingo leidybos magnato, kurio paskutinis žodis sulaukė reporterio susidomėjimo, gyvenimo tiesas. Jis leidžiasi į kelionę, tyrinėdamas žmogų, kuris kažkada savo gyvenimą pradėjo su žaliais užmojais ir norais, tačiau netrukus pasiduotų gundančiai godumo ir valdžios galiai. „Citizen Kane“ yra nepaprastai galingas meno kūrinys, plačiai tyrinėjantis gilias temas ir fiksuojantis be galo sudėtingus emocinius gyvenimo, kaip žmogaus, aspektus.

2. Veidrodis (1975)

Ar menas gali būti toks asmeniškas, kad nepavyktų jo atskirti nuo kūrėjo? Tai klausimas, kuris mane užklupo, kai pirmą kartą pamačiau Andrejaus Tarkovskio „Veidrodį“. Tai meno kūrinys, kuriame menininkas visiškai atsiduoda savo darbui, kurio nepavyksta atskirti nuo jo ir jo atliekamo darbo. Tai beveik taip, tarsi Tarkovskis kvėpuotų visu filmu. Auteurai sukūrė savo šedevrus, keisdami ir formuodami kiną taip, kaip matome šiandien, tačiau Tarkovskis žengė žingsnį toliau ir pasiekė nepasiekiamą; suteikdamas gyvybę savo menui. 'Veidrodis' yra tiesiog kvėpuojantis kinas. Galėjai pamatyti Tarkovskį, jo šeimą, kultūrą, kurioje jis užaugo. Tiesą sakant, gali pavykti pamatyti save jame, savo motiną, ir toks Deja Vu jausmas, kuris tavo galvoje sukasi, žiūrint į šias vietas. Tai beveik taip, lyg būtum ten buvęs, gal gyvenime ar kažkur pasiklydusiame sapne. O menininkui sukurti tai, kas asmeniška ir intymu, yra kažkas, kas tikrai nėra žodžių. Tai filmas, kuris pagrindžia tai, ką visada žinojome: kinas yra didžiausia meno forma.

1. 2001 m .: Kosminė odisėja (1967)

Kaip ir visi kiti šio sąrašo įrašai, „2001“ taip pat yra filmų pamoka. Keli filmų kūrėjai, įskaitant tokius kaip Christopheris Nolanas ir Denisas Villeneuve'as, kalbėjo apie tai, kaip filmas buvo jų įkvėpėjas. Taigi, taip, filmas yra techninis stebuklas. Bet ne todėl filmas pateko į šio daugybės puikių filmų sąrašą. Jis sėdi viršuje, nes tai filmas, kuris išdrįso nuvykti į vietą, kur dar nebuvo nė vieno filmo. Po velnių, niekas net nežinojo, kad yra tokia vieta, kur kinas gali nusitaikyti. Ir jei kada nors kino menas reikalavo priežasties ar įrodymo, patvirtinančio, kad jo egzistavimo tikslas yra daug daugiau nei tik pramoga, tai štai: visiškai įtikinamas ir nepaprastai mitinis „2001: kosminė odisėja“.

Stanley Kubrickas kino akiratį praplėtė beveik visais savo filmais. „2001: kosminė odisėja“ jis taip pat suteikė naują prasmę tam, ką gali pasiekti kinas. Dauguma kino kūrėjų naudoja kiną kaip priemonę pasakojimui. Tačiau Kubrickas kvestionavo kiną. Ką jis suabejojo? Viskas, nuo Dievo iki mūsų egzistavimo tikslo. Nors „2001: kosminė odisėja“ yra labai intelektualus mokslinės fantastikos filmas, jis taip pat yra kur kas daugiau. Manau, kad tai filmas, kuris yra daugiau filosofinis siekis nustatyti, ar Dievas egzistuoja. Kalbėk apie aukštą taikymą!

.