100 geriausių visų laikų japoniškų filmų

Kokį Filmą Pamatyti?
 

Pirmiausia norėčiau skirti šiek tiek laiko garbingiems paminėjimams ir artimiesiems praleidimams: nepatraukliems Miko Naruse darbingiems plaukiojantiems debesims, kai moteris lipa laiptais, mokytis ir atleistinas kalno garsas to nepadarė. Aš bandžiau palikti daug laiko sušilti jo kūrybai, tačiau tai manęs vis nesudomina, liūdna pasakyti. Tampopo, Smėlio pilis, Žmogus už saulės, Angelo kiaušinis, Liūdesio Belladonna ir Arbatos skonis taip pat, deja, netiko mano kino padėkliui. Norėdami sumažinti potvynio srautą dėl pernelyg gausios Akira Kurosawa ir Yasujirō Ozu gausos, neįtraukiau jų puikaus benamio šuns, skandalo ar Kagemusha; nei akivaizdžiai vaisingo Ozu „Aš gimiau, bet & hellip;“, ankstyvos vasaros, vėlyvo rudens, vienintelio sūnaus, vasaros pabaigos, žaliosios arbatos skonio prie ryžių ir vištos vėjyje.

Turėkite omenyje, kad šis sąrašas skirtas geriausiems filmams: Taigi nė vienas iš šių filmų iš tikrųjų neatitiko 100 vietos. Aš tiesiog norėjau pripažinti jų kokybę tarp daugybės kitų brangakmenių. Taip pat nėra Shohei Imamura tvirtų, bet galų gale nepatenkinamų „Kiaulių ir mūšių laivų“, „The Pornographers“ ir „Žmogus dingsta“, taip pat Yoshishige Yoshida gražaus perversmo ir „Wuthering Heights“, kuklios Kon Ichikawa žvaigždės, širdies ir dešimties juodaodžių moterų, taip pat Hirokazu Koreedos. prisilietimas po gyvenimo, kaip tėvas kaip sūnus ir niekas nežino & hellip; visa tai mane jaudino ieškoti „Po audros“, kai tai pasibaigs. Galiausiai norėčiau šiek tiek pasikalbėti apie Siono Sono darbą: Nepaisant nusivylusio atkaklumo ir beviltiškos vilties - negaliu pasakyti, kad nė vienas jo bandytas kūrinys buvo vertas pastangų. „Šaltoji žuvis“, „Tokijo gentis“, „Kaltas romanas“ ir nepaprastai prasta meilės ekspozicija - visa tai, be kita ko, pastaroji - tai buvo pats blogiausias filmas, kurį mačiau šioje kelionėje per japonų kiną. Nepakeliama.

Su tuo iš kelio: pradėkime. Čia pateikiamas geriausių kada nors sukurtų japoniškų filmų sąrašas.

100. Pragaro vartai (1953)

Prabangiai įrengta laikotarpio įmonė „Vartų pragaras“ patraukli savo nuostabia dizaino palete. Režisierius Teinsuke'as Kinugasa, labiausiai žinomas dėl savo 1926 m Beprotybės puslapis , tai griežtai apgaubta pasaka, kurią reikia įvertinti maždaug dviem bandymais, ypač Vakarų apžvalgoms, kurios nėra susipažinusios su garbės įpareigotu Japonijos feodalų kodeksu, tačiau apdovanoja gausiai sukurtu posūkiu ir grėsmingomis užuominomis apie antgamtinį grėsmę, kuriai jis skirtas.

99. Vienišų vilkų ir jauniklių serija (1972 ... 74)

Keistas pretendentas į komiksų franšizių karalių, Vienišas vilkas ir jauniklis seka ištremtą budelį ir jo mažametį sūnų per septynių dalių seriją, kurie visi sudaro šią vietą sąraše. III dalis: Kūdikių krepšelis Hadesui ir VI dalis: Baltas dangus pragare yra stipriausi mano galva, nors kiekvienas yra vertas laikrodžio ir nuo šių metų yra naujai prieinamas „Criterion Collection“. Tai yra šiltų personažų kūriniai su viliojančiu veiksmu ir humoru, kurie užtemdo bet kokius pasakojimo formalumus - visi verti žiūrėti ir verti čia susikurti savo erdvę.

98. Ichi žudikas (2001)

Neįpareigojantis, be pasipiktinimo, Miike'o bebaimis stiliaus šurmulys kenkia bet kokiam turinio poreikiui, sutelkiant dėmesį į išsigimimą ir perteklių iš žodžio „go“ ir įvykdant savo pažadą dėl skausmo ir kraujo praliejimo tiek, kiek teisinėje linijos pusėje filmai net gali suprasti. Šlovingai beprotiška linksmybė su tamsos laižymu, tokiu ekstremalu, kad tu turi į tai žiūrėti rimtai. Negaliu negerbti Ichi žudikas už tai, kad jis yra toks patogus savo absurdiškume - ir nors titulinis personažas pasirodo esąs klišiškas nuobodulys, Miike ankstyvosiose stadijose randa pakankamai impulsų, kad kaskart suglumusi, suglumusi ir visiškai sužavėta patirtimi, pasiektų finišą.

97. „Battle Royale“ (2000 m.)

Kinji Fukasaku, nusikaltimo antologijos žmogus Kovos be garbės ar žmonijos , yra menininkas, kuris čia išreiškia labai nuostabią platesnio japoniško kino savybę: nebijo žanrinių filmų kūrimo. Mūšis Royale yra išskirtinai suprojektuotas kaip nepaprastai kvaila satyrinė komedija ir, nors pakeliui pasiekia humanistinių ženklų, Fukasaku net ir pačioje kebliausioje situacijoje esančios purslų ir nepriekaištingo komiško laiko upės daro brūkštelėjimą absoliučiu smūgiu. Takeshi Kitano eilė yra ypač pastebima, nes atsisakoma visų pagarbos idėjų dėl visiško proto ir skonio užpuolimo. Mūšis Royale yra netvarkinga, tiek daug tiesos, bet tai, kaip ji taip nenuilstamai vėl ir vėl sugrupuoja dar vieną ataką skeptikams, yra šlovinga. Nedvejodamas Fukasaku supranta buką ginklą, kurį laiko rankose, ir sūpuoja jį visa jėga. Tai, kad tai buvo jo paskutinis filmas, suteikia tam tikrą orumą vyro pastangoms - savižudybės misija, smogianti juokingam kaului, turėtumėte būti komos būsenos, kad nesijaustumėte dilgčiojusi bent kartą ar du. Esminės pramogos.

96. Godzilla (1954)

Klasikinis filmas apie monstrą, konkuruojantis tokiems kaip King Kongas ir bet kuris iš „Universal“ originalių gaminių, bent jau masteliu. Godzilla ne visai turi „Nematomo žmogaus“ žmogiškumą ir protą ar žiaurų „Padaro iš Juodųjų marių“ ilgesį, bet tai yra smagu. Stebėti, kaip didelis vyras su mirtinai sunkiu kostiumu kerta Japonijos miestą, yra patraukli patirtis iki šiol, visų pirma dėl neišvengiamai kuklaus žavesio. Tai jaučiasi šiuo metu ir, nepaisant greitai pasitaikančių padarinių, daugiau nei sveikintina ten likti, nes seniai prarasta eros relikvija - ir dabar yra tinkamesnis laikas nei bet kam kitam tikėtis, kad jos užmaskuotas švinas Haruo Nakajima ilsisi ramybėje.

95. „Crazed Fruit“ (1956 m.)

Japonijos naujosios bangos įkūrėjas, Pamišę vaisiai sutelkti dėmesį į jaunystės liepsną randa paprastą istoriją, kuri toli gražu neapsiriboja kukliais parametrais: peršoka dviejų tą pačią moterį įsimylėjusių vyrų tvorą, kad atspindėtų visos pokario kartos įspūdį. Šie žmonės yra nuožmūs, nepriklausomi ir beviltiškai nori įrodyti, kad juos sugadina pakartotinis jų tautos vertybių niekinimas. Jame randama pasakojimo niša, kuri per socialinius ir politinius kontekstus sklinda ir atspindi plačius pirmuosius Naujosios bangos žingsnius. Tęsiant šį sąrašą, pamatysime, kad ilgai gyvavęs judėjimas amžinai veržėsi į vidų - arba susižavėjęs, arba išsigandęs ir tai radęs ne tautų, o seksualumo, iškrypimo, smurto, godumo, antgamtiškumo ir psichozės pasakojimą. Antrasis pasaulinis karas vis dar gali slypėti šiose istorijose, bet manau, kad tai intriguoja, kad jis sprendžiamas taip pat atvirai Pamišęs vaisius padarė galų gale susilaukė dėmesio, o ne temos sprogimo.

94. Oharu gyvenimas (1952)

Pirmasis mūsų brūkštelėjimas Kenji Mizoguchi, Oharu gyvenimas įrodo klasikinį jaudinantį personažų tyrimą, kurio pagrindinis veikėjas atspindi moterų padėtį pokarinėje Japonijoje, ką Mizoguchi puikiai padarė per visą savo karjerą. Platus, sudėtingas draminis kūrinys, kuris naudoja laiką, kad išryškintų nelaimę, kuri greitai tampa jos dėmesio centru, Mizoguchi sukuria vieną iš geriausių savo kūrinių vien tam, kaip jis taip humaniškai susisuka ir lūžta kartu su pačiu Oharu - režisierius sujaudintas sunkumų, su kuriais susiduria. Būtent šis santykis, kraujuojantis tiesiai per ekraną, leidžia filmui iškelti savo dramą už patikimumo ribų.

93. Svajonės (1990)

Nurašytas jo paties pasąmonės Akira Kurosawa Svajonės yra tapybiškai pavaizduotas vieno žmogaus proto vidus: laisvai palyginamas su Pastoracinis išskyrus tai, kad trūksta „Naujosios bangos“ jautrumo labiau išmatuotam, ramiam naktinių Kurosawos klajonių tyrinėjimui. Gauta vinjetų kolekcija atskleidžia kažką neapdoroto ir unikalaus apie tai, kaip gyvenimas filtruojamas per mūsų pasąmonės objektyvą, ir tai gali būti pats sąžiningiausias filmas, kurį kada nors padarė Akira Kurosawa. Puikus, mielas mažas brangakmenis.

92. Laidotuvių rožių paradas (1969)

Režisieriaus Toshio Matsumoto plačiai atvertas Oidipas Rexas (galbūt geriausias kino teatras gali pasiūlyti), Laidotuvių rožių paradas žymi lemiamą alternatyvaus seksualumo ir su lytimi susijusių vaizdų japonų kine taką ir parduoda save be ribų, kurios šiandien pakeitė judėjimą. Tai ir šventė, ir žmogaus išraiškos kritika, suprantant painiavą, su kuria susiduria jos veikėjai, taip pat nuolankiai ir džiaugsmingai priimant savo sprendimus. Šis kritinis spėlionių spėjimas ir apibrėžia Laidotuvių rožių paradas Sėkmė ir, nors aš nemanau, kad tai yra karštai pasitraukusio Matsumoto vainikavimas, tačiau tai, kaip jis taip sąžiningai gynė savo dalykus, šiandien jau visi galėtume išmokti.

91. Paprika (2008)

2008 m. Satoshi Kon filmas dažnai lyginamas su Chriso Nolano Pradžia - abu pagrįsti sapnų invazijos ir prievartos sampratomis. Manau, kad pagrindinis skirtumas, dėl kurio gerbėjai išsiskirsto per barikadą, yra tai, kad Nolano bandymas turi didesnį emocinį rezonansą ir veikėjų dėmesį, tačiau visa tai įklimpsta į varginančią struktūrą. Konas rašo 85 minutes ir užpildo kiekvieną kadrą svaiginančiu energijos klestėjimu ir spalvų sujungimu tarp sluoksnių tokia laisve ir lankstumu pasakodama, kad tankesnis Nolano darbas paprasčiausiai negali suspėti. Galų gale abu laikomi tvirtais amato ir išradingumo pavyzdžiais, tačiau konkurso nėra, kalbant apie tai, ką aš norėčiau įdėti grubios dienos pabaigoje. Ir atrasti daugybę kūrybinių galių Paprika arsenale, aukščiau kaip tik įdomus „Inception“ skonis - reikia tik patraukti „blu ray“ ir pataikyti.

90. Angelų ekstazė (1972)

Būdamas visos pramonės judėjimas, jaučiu, kad vyraujantys japonų naujosios bangos taškai susiklostė sekso ir smurto pagrindu. Abu šie dalykai yra būdingi gyvenimui ir meno elementai, kurie ir toliau iškloja viso pasaulio kino produkciją, tačiau jaučiu, kad nedaugelis filmų užsiima jais užsiimdami. Angelų ekstazė supranta, kad tai yra paties vulgarumas. Režisierius Kōji Wakamatsu tęsė susidorojimą su tokiu ekstremaliu dalyku suteikė jam galimybę tobulinti žiauriai smurtinių asmenybių vaizdavimą, o rezultatas - pašėlęs Sido ir Nansio tyrinėjimas anarchiškai prarandant save, taip pat karštas romantikos atspalvis. maišytuvas. Nepriklausomai nuo jūsų požiūrio pabaigoje, tai laukinis pasivažinėjimas.

89. Dekoratyvinis segtukas (1941)

Iš visų prieškario menininkų, kurių atminimą laikas abstrahuoja, Hiroshi Shimizu galbūt yra pagrindinis tarp tų, kuriems labai reikia iš naujo atrasti. Nepaisant gausaus „Criterion“ kolekcijos „Eclipse“ išleidimo (skausmas įsitaisyti ir žaisti bet kur už Amerikos ribų), jis atrodo nepakankamai paminėtas tarp svarbiausių šio laikotarpio režisierių, ir aš visiškai laikausi įsitikinimo, kad jis turėtų būti palaikomas tarp geriausių jų. Dekoratyvinis segtukas buvo išleistas, kai Japonija tempė Ameriką į Antrąjį pasaulinį karą, tačiau vis dėlto ji viliasi viltimi ir paprastumu, kuris siekia civilizuotesnio amžiaus - arba bent jau kalba apie pacifizmą, kurį Shimizu galėjo išgyventi kiekvieną dieną, nepaisydamas konflikto jis laiko barbariška ir nepaisančia to meto Japonijos išorinio įvaizdžio. Nesumažindamas šio apibūdinimo per daug politikoje, Dekoratyvinis segtukas yra vienas iš geriausių Shimizu sukurtų bruožų, o jo patvarus minimalizmas užtikrina jo nepakankamą rezonansą.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Neabejoju, kad sutikau plačiai paplitusį vitriolį, kad tokia visuotinai žavima klasika buvo tokia žema, tačiau reikia pasakyti, kad tarp nesuskaičiuojamų tūkstančių Ugetsu Monogatari vis dar patenka į 100 geriausių kada nors sukurtų japonų filmų. Aš aiškiai nemėgstu išpažįstamo Mizoguchi meistriškumo: užsitęsusi kartais pernelyg paprastos krypties žaizda, kuri dažnai sunaikina jo taip dažnai tobulą dirbinį ir sugadina visus ankstesnius jo padarinius. Tai sakant, meluosiu, jei jau nepaminėsiu, koks išskirtinai šis žaibas man buvo įdomus, kai buvau jaunesnis, ir, nepaisant nuviliančių paskutinių kartų pakartojimų serijų, stebuklingų akimirkų, kai viskas stojo į savo vietą, ir stebuklingai sukomponuoto Mizoguchi, kinematografiškai patrauklus ir galiausiai žmogaus potraukis vėl įsivėlė į mano gyslas. Ugetsu Monogatari iš dalies nusileidžia į sąrašą, nes tai yra esminis darbas, dėl kurio gaila, nes aš didžiuojuosi, kad asmeninius prioritetus teikiu statusui, o ne statusui: Bet esmė yra ta, kad noriu jį mylėti. Kada nors meilė gali vėl atsirasti ir Mizoguchi meistriškumas pakils dar aukščiau. Laikas pasakys.

87. Pirmosios meilės pragaras (1968)

Koncepcijoje lygiagrečiai atsekti panašius į panašius Nekvepia ir Erico Rohemerio meditacinė draugija „Mano naktis pas Maud‘ą“ iš vykstančio „Nouvelle Vague“, Pirmosios meilės pragaras yra tylus, gražiai sugeriantis poros, žengiančios pirmuosius žingsnius kartu, stebėjimas ir aplink juos tvyrantis kviečiantis, aistringas, paniuręs, šaltas, dažnai tuščias oras, bandant panaudoti ryšį, kurį taip drąsiai žada filmo pavadinimas savo auditorijai. Tai mažai priežiūros reikalaujantis meno kūrinys, apdovanojantis kantrius žiūrovus judančia žmonių sąveika.

86. Išgydyti (1997)

Redagavimas Išgydyti yra mirtinas. Jis pereina į tašką, kuriame norisi pažvelgti į šalį, Kurosawa užpildo žiūrovus numanomu savo filmo negailestingumo supratimu, kaip jis perpjauna buitinę rutiną ir krauju išpiltus lavonus taip natūraliai, kaip kvėpavimas; ir būtent šis nepaprastai šaltas, beveik psichozinis mirties priėmimas gyvenime verčia mane suabejoti jos vadovaujančiu pareigūnu Takabe, ir kokia pragariška smurto padėtis Japonijoje taip įprato prie žiaurių žudynių. Nors jis juda vangiai nuskaitydamas, kuris ima kenkti nekvėpuojančiai įtampai, Kiyoshi Kurosawa sugebėjo įkvėpti kūrinį, Išgydyti vis dar yra daugiau nei vertas priedas prie jo stipraus kino kanono.

85. Blogas miego šulinys (1960)

Silpniausia Akira Kurosawa Shakespeare'o adaptacija tebėra vienas stipriausių jo filmų, laisvai sekantis „Hamleto“ pasaką su sparnais laukiančia korporatyvinės kritikos šleifu. Laikydamasis kitų versijų, nepaisant tangentiškai, BSW yra silpnas gerbiamos pjesės perdavimas, kurio dialogo kupina kompozicija nesugeba užfiksuoti Šekspyro dramos pločio ir svorio, nors išugdo unikalų Kurosawano pasakojimo stilių, kuris prideda papildomos dimensijos pirminę medžiagą ir sukuria skaniai įtikinamą pasakojimo ritmą. „Blogo miego šulinys“ yra šiuolaikiškesnis ir įtampesnis nei įkvėpimas, kurį būtina pamatyti Kurosawa gerbėjams, trokštantiems jo šiuolaikinių pastangų įgūdžių ir subtilumo.

84. Tetsuo: Geležinis žmogus (1989)

Kova Tetsuo silpnu skrandžiu yra tarsi paimti kulką be liemenės. Sumuštas kartu su atraižų atramomis, netvarkingais rinkiniais ir skausmingais specialiaisiais efektais. Tetsuo: Geležinis žmogus siekimas nemalonaus, dėl kurio tai žavisi. Aš gerbiu pigumą, kurį jos kūrėjai pasiekė, kad būtų kuo labiau alinantis potyris: šokiruojantis savo stulbinančiu garso mišiniu ir niūriomis vienspalvėmis vizualinėmis medžiagomis, kurios išmeta tai, ką žinome, į mįslės sritį. Juodai balta spalva dažomi net labiausiai atpažįstami daiktai, kurie sudaro Tetsuo pasaulis kaip siaubingi nežinomybės bastionai, išlindę po plyšiais ir įsikibę į mus, kad prasidėtų smurtinės ir neišvengiamai sergančios mutacijos metamorfozė. Tai kūrinys, praeinantis rūpestį dėl subtilaus auditorijos jautrumo - ir būtent toks turėtų būti geras kūno siaubas. Tetsuo: Geležinis žmogus yra, be abejo, vienas iš geriausių.

83. Juodas lietus (1989)

Keistai parinktas filmas, vertinant jį kartu su paties Isao Takahata traktatu apie Antrojo pasaulinio karo kulminacijoje numestų branduolinių bombų žmonių skaičių ir nagrinėjamas panašiomis temomis, Juodojo lietaus nepilnavertiškumas nuostabiam „Fireflies“ kapas jokiu būdu nereiškia, kad jo negalima nepaisyti. Jei kas, gerbėjų legionai, kurie teisingai renkasi aplink Takahatos darbą, taip pat turėtų čia plūsti. Pirmasis Shohei Imamura brūkštelėjimas šiame sąraše, Juodas lietus giliai tragiškai, kruopščiai asmeniškai pažvelgia į branduolinio sprogimo svorį: kovoti su išgyvenusiųjų kaltėmis, apgaulingumu, sielvartu, įvykio ir jo rimtų pasekmių praradimu ir priėmimu taktiškai tiesiai į priekį, būdingą „Imamura“, kuris yra jo paties kelias toks pat ryškus ir greitas kaip Hirošima, mano meile svajoniškas aiškumas.

82. Žmonijos ir popieriniai balionai (1937)

Formalistinis klasikas toje pačioje srityje, kaip ir gerbiamas Kenji Mizoguchi darbas, išskyrus tai, kad čia vienodai gerbiamas režisierius Sadao Yamanaka laikosi nuolankiai, iš kurio gali mokytis visi, planuojantys patekti į kino pasaulį. Kitas jo garsus paveikslas, „Milijonas ryo puodo“ , yra palyginti rami, blaiviai sukomponuota ir meistriškai dramatizuota pasaka, nors aš manau, kad kraštas pasiekia namus Žmonija ir popieriniai balionai nes sugeba plačiau pasakyti apie kasdienio gyvenimo esmę. Žaismingai ambicingo pavadinimo patogumas atsispindi kiekviename kadre, ir nors tai nėra brūkštelėjimas, kurį radau labai įtikinantį ar net kantriai judantį - čia yra kažkas, dėl kurio reikia žiūrėti.

81. Tyla (1971)

Adaptuotas iš to paties romano, kurį neseniai įveikė Martinas Scorsese, Masahiro Shinoda Tyla yra patrauklus dėmesys Vakarų ir Rytų kino stilių skirtumams. Išoriškai stoiškas, griežtas Scorsese tonas sulankstytas kur kas kuklesnės pažiūros link po Shinodos žvalia ranka, leidžiančia plaukus gailėtis ir sentimentaliai šiaip įtraukiančiai natūralistiškai, nuplėšiamai paėmus knygą. Scena, išryškinanti Shinodos meistriškumą kuriant pasaulietišką atmosferą jo religinei pasakai, nereikia manipuliuoti, pasireiškia senos moters dainomis į pilną kambarį žmonių: vos pasakytas žodis rezonuoja su nagrinėjama istorija, taip pat nėra nė vieno Tolesnis apibūdinimas yra perteiktas, ir vis dėlto jis įkvepia likusią filmo dalį neišvengiamu gyvybingumu, kuris taip įtaigiai užsisegia kunigų ir jų mokinių kančių ir nevilties svorį. Neįvertintas ir viliojantis, jo nuolankumas man bet kurią dieną viršija legendinio italų ir amerikiečių režisieriaus kūrinį.

80. „Go Go Second Time Virgin“ (1969 m.)

Iškart apsunkina sau reikalus, Eik Antrą kartą Mergelė pasiekia savo 65 minučių trukmę vienu iš keleto nemalonių išprievartavimo scenų. Pasakojimo kūrimas iš sergančio jaunos mergaitės puikių santykių su vienodai jaunatvišku, sutrikusiu žudiku, stebėjusiu iš tolo - režisieriaus Kōji Wakamatsu trumpas, bet gyvybiškai svarbus opusas apibrėžia save niekada neprisidedant pasakojimo konvencijos prie poros. Paliktas savo nuožiūra, apreiškimais ir pokalbiais, brūkšnys stebėtinai naudoja savo labai mažą biudžetą, dažnai veiksmingą kompoziciją pagal Japonijos naująją bangą, taip pat konfrontacinį seksualinio smurto vaizdavimą, kur kas patrauklesnį, tankesnį ir labiau matomą nei Nagisa. Liūdnai pagarsėjęs Ošimos meninis nesėkmė 1976 m. (Ir tai dosniai sakoma) Pojūčių karalystėje .

79. Pragaro nusidėjėliai (1960)

Pažymėtas mažiau nei intuityviu scenarijumi ir blankiu siužetu, Pragaro nusidėjėliai vis dar sugeba atrasti savo vietą šiame sąraše dėl savo išskirtinės dirbtinės kontrolės. Kiekvienas rėmelis yra apšviestas tuščiu apšvietimu ir išmargintas miglotos spalvų paletės, kurią kartais skiria auskarų dūriai raudonai, kurie subtiliai primena ateinančią kančią. Tu matai, Jigoku yra laukiantis žaidimas: filmas, kuris leidžia laiką monotoniškame realiame pasaulyje prieš pasinerdamas į pragarą. Puiki atidarymo scena suteikia žiūrovams kraujo dvelksmą, kuris preliminariai tantaluoja visose kitose scenose, kol mums pagaliau leidžiama patirti „Tartarus“: nuostabaus klastojimo, šlovingos spalvos, perdėtų priedų ir tikros panikos kavalkada, kai personažams suteikiama laiko apmąstyti savo veiksmų pasekmes. Taigi, nors ir varginantis, atlyginimas mums atlygina orderiais Pragaro nusidėjėliai bent kartą - nedaug kine atitinka jo iš esmės prieštaringą, klaikiai negyvą požemio viziją.

78. Dvidešimt keturios akys (1954)

Vadovaujantis jaunos moters matriarchaline vieta moksleivių klasės vadovu ir jos pasekmėmis aplinkinei visuomenei, „Dvidešimt keturios akys“ yra feministinis tekstas, kuriame nėra transcendentinio lyčių neutralumo, kai kažkas meistriškas kaip Jeanne Dielman, tačiau išlaiko savo vietą kaip svarbų dalyką. darbas siekiant stipraus centrinio spektaklio iš Hideko Takamine'o ir Thiassos stiliaus pasakojimų takelio, kuris tęsiasi 1928–1946 m., atlikdamas platų vidaus politikos tyrimą ir suvokimo progresą per metus nuo taikos iki karo laiko.

77. Ponas Thankyou (1936)

Hiroshi Shimizu taktiška mūsų sąveikos meditacija, Ponas ačiū seka žmonių grupę autobuse ir tyrinėja įvairiausių emocijų pobūdį valandos trukmės kelionėje iki tikslo (laimei, nukrypsta nuo autobuso važiavimo, kuris šiame sąraše baigsis kur kas mažiau sklandžiai). Tai žavingas poezijos portretas kasdieniniame gyvenime, kuris už daugybę paviršutiniškai ambicingų filmų yra šiame sąraše dėl savo sugebėjimo sėdėti ir kalbėti šiek tiek daugiau nei 60 minučių nepraleidžiant ritmo. Mažas mažas lobis.

76. Gėdos gatvė (1956)

Kenksėjimas ant opuso krašto, Kenji Mizoguchi Gėdos gatvė yra vienas iš didžiųjų gulbės dainų - tas, kuris semiasi iš visos iki šiol jo karjeros vyro patirtimi ir sujungia ją į savalaikį, būdingą kruopštumą ir nepaprastai žmogišką darbą. Japonijoje prostitucijos teisėtumo prieblandoje gyvenantis kekše, Mizoguchi sukuria gražiai judantį konflikto gobeleną ir akivaizdų „amoralumą“, atsižvelgiant į jo tikrąjį veidą, kuris perveria suvokimą ir leidžia pamatyti praeities išankstinius nusistatymus. Šiais laikais auditorija dažnai mėgaujasi aiškiai ant herojiškais ar nusikalstamai nesąžiningais personažais „GoodFellas“ ir kiti liūtiniai, dažnai linksmai sadistiški moraliai nepagrįstų veikėjų vaizdai. 1956 m., Ypač teisinio perėjimo metu, toks filmas turėjo būti negirdėtas. Moterys Gėdos gatvė tiesiog bando gyventi, ir tai daro jų naštą dar labiau draskančią.

75. Plaukiojančios piktžolės (1959)

Teisingai laikomas didžiausiais Ozu kaip menininko pasiekimais, 1959 m Plaukiojančios piktžolės seka keliaujančią atlikėjų trupę ir šeimos problemas, su kuriomis jie susiduria kelionių metu - ypač anksčiau atsiskyrusių šalių susitikimas, grasinantis atleisti pelningą teatro kompaniją. Jos toks pat galingas, kaip ir geriausi Ozu filmai, bet aš čia ginčijuosi su istorijų pasakojimu, ypač su struktūra. Laikoma prieš kai kuriuos vėlesnius „Ozu“ filmus, su kuriais čia susidursime, jiems negalima laikyti žvakės, bet tai bent jau tai, ar jis buvo kvalifikuotas menininkas. Plaukiojančios piktžolės vis dar sugeba įveikti 75 geriausius tyliai, kontempliatyviai. Vis dar esminis.

74. Pastoralas: mirti šalyje (1974)

Šūji Terayama ’s Pastoracinis yra didingas keistenybės pratimas. Niekam būtų naivu dubliuoti būtent šią keisto „siurrealistinio“ šaką, nes Pastoracinis yra kur kas mažiau subtilus: supakavęs savo trumpą veikimo laiką, kuriame gausu absurdiškos komedijos ir fantastiškų vaizdų, prisimenančių režisieriaus ateitį ateityje. Nesuvokiamai toks įkvėpimas yra menkas, atsižvelgiant į jo siužetą ir idėjas, nors, kaip ir ankstesniame jo kūrinyje, Terayamos siužeto atsainumas jokiu būdu nesumažina patirties, kurią jis bando suteikti, ir jei jo magnum opus bando išreikšti nepatenkinto jaunimo pyktis ir aistra, tai yra jo paties asmeniškesnis tęsinys: žavingai nufotografuoto ir šiltai realizuoto patrauklaus proto tyrimas. Filmą lengva padaryti keistą, bet tada akcentuoti vizualinį virtuoziškumą asmenybe, technika ir režisūriniais sugebėjimais, ką vyras pasiekia čia. Tai tikrai kažkas, ką reikia pamatyti.

73. Puiki mėlyna (1998)

Ryškus talento šauksmas iš animatoriaus Satoshi Kon, Puikiai mėlyna fiziškumo randa vidinė pensinio stabo, besistengiančio suvokti jos naują tapatybę, kova - visa tai apgaubia nuolat besikeičiantis šiuolaikinio pasaulio postūmis. Kon vizualinis jautrumas lemia ir puikius, ir taip, deja, perdėtus kino momentus, bet manau, kad svaiginantis pasakojimo dizainas Puikiai mėlyna rado nenumaldomumą, kuriuo jos veikėja kankina save ir, darydama tai, yra kankinama, nustumia ją nuo bet kokių režisieriaus žagsėjimų. Tai metafizinis kūrinys, leidžiantis siaubą paversti tikrovišku, kuris peržengia tradicinių animacinių bruožų ribas tam, kad jo drąsumas būtų kažkas tamsesnis ir nerimą keliantis. Nepaisant savęs, Konas nevengia realybės, vaizduodamas psichinę degradaciją, ir tai įtvirtina kitaip pasenusias dilemas Puikiai mėlyna šiai dienai. Įspūdingas, dažnai gluminantis animacijos eksperimentas.

72. Tamsus vanduo (2002)

Tiesioginė siaubingo evoliucija Žiedas , Hideo Nakata ’s Tamsus vanduo reprezentuoja antrą ir galbūt vienintelį režisieriaus hitą, kuris sugeba dar labiau išryškinti jo stilių. Jis apdovanotas branda, išvengiančia daugelio „J-Siaubų“, pagrindžiančią dramos galią su gudriu dėmesiu pusiausvyrai ir tikslumui, kurių mažesnieji menininkai visiškai negalėtų suvokti. Tai pulsuojantis kažkokio nematyto tikslo atgarsis kiekvienoje scenoje, o mados neišvengiamumas tampa ne tik baimės, bet ir prievartos ginklu.

71. Yûkoko: meilės ir mirties apeigos (1966)

Yûkoko: meilės ir mirties apeigos yra liūdnai pagarsėjęs dėl kelių priežasčių, būtent todėl, kad jo direktorius Yuiko Mishima taip pat nusižudė per seppuku po nepavykusio karinio perversmo. Vyras buvo geriausio Paulo Schraderio filmo pagrindas, Gyvenimas keturiuose skyriuose ir sutelkia save į akivaizdžiai patrauklų dalyką, pasitelkdamas „Noh“ inscenizaciją ir tvirtą kompoziciją, kad išpažintų savo žodį be žodžių. Spąstus sukeliantys specialieji efektai yra nepaprastai įspūdingi savo laiku, imituojantys Harakiri veiksmą iki stulbinamo efekto ir užtikrinantys puikius skyrybos taškus Mishimos patriotizmui. Nepasiduoti.

70. Akira (1988)

Blizgantis, neonais apipintas japonų animacijos ženklas ir jo infiltracija į tarptautinę centrinę sceną, Akira žymi revoliucinį anime tašką ir įspūdį daro ir šiandien savo blizgančiomis spalvomis, mielu futurizmu ir amorfišku, bjauriu titulinio personažo kraupiu virsmu. Nors istorijos struktūra yra perpildyta šalutinėmis natomis ir negali rasti aiškios krypties, kuria klestėti, populiarus suvokimas Akira veiksmas ir įspūdingesni animacijos žygdarbiai yra tai, kas daro jį tokiu įtakingu ir agresyviai įtraukiančiu - siejančius ekranus su išraiškingai sukurtomis vinjetėmis ir peržengiančią vangų progreso kvailumą kažkokiam tikrai įspūdingam. Tai žiauri, dinamiška ir žavinga - verta klasika ir startas nuostabiame amžiaus kuriant aukštos kokybės animaciją.

69. Sansho antstolis (1954)

Šiuo metu turiu prisipažinti: man niekada nepatiko Kenji Mizoguchi kūryba. Nepaisant to, kad kelis kartus bandžiau patraukti kelią per jo nuotraukas, niekas niekada neįstrigo. Mažai apie jo kūrybą mane įtraukia, o tai, kas yra rašytiniu lygmeniu, nusileidžia bukumu, kai jis taip tiesiai persodina jį į ekraną. Be abejo, vyro darbe galima stebėtis, bet tai mane ir toliau iliuzuoja. Visa tai turėdamas omenyje, aš bent jau radau paguodą iš naujo žiūrėdamas Sansho antstolis šiam sąrašui - filmas, kuris anksčiau mane privertė nusivilti dėl tokios galingos medžiagos švaistymo. Šis bandymas pražydo naujai įvertintą Mizoguchi ikonoklastinį požiūrį, kuris jaučiasi laisvas ankstesniuose jo darbuose. Nors manau, kad filmas yra apie 20 minučių per ilgas, jis gali apimti giliai paveikiančias scenas ir, nors trumpiau judančioje erdvėje, jis gali pasirodyti meistriškumo sferoje, tai bent jau padėjo pagrindą šiame sąraše esančiam legendiniam menininkui. Galbūt po daugelio metų Mizoguchi kūrybą čia pakėliau aukščiau - belieka tikėtis.

68. Onibaba (1964)

Pirmasis mūsų filmas iš Kaneto Shindo, Onibaba sukasi nepasitikėjimo ir apgaulės istorija - dvi vagys moterys, veikiamos apsėstos kaukės, kuri netrukus siekia savo dienotvarkės. Paranojaus atmosfera, kurią Shindo sukuria kruopščiai pastatydamas ir šurmuliuojančią istoriją, prilygsta brūkštelėjimo sėkmei - naujų veikėjų ir įvykių sujungimas, siekiant sustiprinti auditorijos ir pagrindinių jo žaidėjų sujaudinimo jausmą, skatina unikaliai lygiagrečią emocinį ryšį. Bet manau, kad, visų pirma, Onibaba išliekantis japoniško siaubo kino klasiko statusas kyla iš vieno kadro: vienas vaizdas, kuris tiek daug visceralinės energijos įpakuoja į paralyžiuojančią ramybę, kad mane tai fiziškai nustebino - nerekomenduojama grįžti į Onibaba bijodamas susidurti su tuo pačiu siaubingu buvimu. Atsižvelgiant į tą vieną, tobulai kankinantį kadrų rinkinį, likęs filmas beveik nublanksta, palyginti su visuomene: Tačiau norint jį visiškai sumažinti, būtų praleista tokio kontroliuojamo kaupimo esmė ir sensacingai valdoma kulminacija.

67. Sonatine (1993)

Visada įspūdingas Takeshi Kitano darbas yra tai, kaip jis suteikia lengvumą net ir labiausiai varginantiems scenarijams. Beveik dingusieji Fejerverkai ir Smurtinis policininkas abu tam tikra prasme dalijasi savo vieta sąraše su savo opusu, Sonatinas ir visi kalba apie jo populiarumą gimtojoje Japonijoje kaip ekrano komikas ir apie tai, kaip šios šaknys subtiliai prasiskverbia į jo kino pasiūlymus. Kiekvienas kadras, kuriame jis gyvena, šviečia, nepaisant tamsių ir dažnai žiaurių siužetų kompozicijos. Žaidimas taip mikliai suvokiant žmogaus moralę ir malonumą yra tai, kas daro Kitano tokią žavią figūrą, kokia atsirado iš japonų kino per pastaruosius kelis dešimtmečius, ir tai įrodo, kaip taip puikiai pasakė Rodgeris Ebertas, kai pamačiau Sonatinas , kad šiurkštiems nusikaltimų tyrimams nereikia aukoti gylio įsitraukimui į a-la Tarantino su jo paviršiniais monologais ir ruporu „apibūdinimu“. Kitano gali tiek.

66. Demonai (1971)

„New Wave“ vandens ženklas Toshio Matsumoto pribloškė prieš 2 metus savo puikumu Laidotuvių rožių paradas ir 71 demonai palaiko savo jutiminį pagreitį su ryškiai nušautu naktiniu vaizdu, kuris kiekvieną vaizdą panardina į visišką tamsą - tik košmariškoje tamsoje apšviestos vietos ir žaidėjai. Kiti režisieriai yra eksperimentavę su šia technika, galbūt ankstyviausias pastebimas pavyzdys, susijęs su Louiso Malle'o apklausa „Elevator to Gallows“, tačiau nedaugelis ją pastūmėjo į tokius invazinius efektus. Kad ir kaip arti jos veikėjai pabėgtų nuo antgamtiškų užpuolikų - niekas niekada nėra saugu. Tai, aišku, yra pavyzdinis egzistencinis siaubas.

65. Vis dar vaikštai (2008)

Manau, kad aukštas Yasujiro Ozu šešėlis gali mesti nemenką šešėlį bet kuriam dramatiško kino kūrėjui, o labai vertinama Hirokazu Koreeda galbūt yra svarbiausia tarp kenčiančių. Vyras bando išvengti palyginimo, palygindamas savo kūrybą su Ken Loach, labiau nei japonų legenda, tačiau tokio panašumo neišvengiama ir pabrėžiami keli Koreedos metodo trūkumai. Ozu kviečia jus atsisėsti su savo personažais ir palaipsniui išnarplioti istorijos esmę, tuo tarpu Koreeda savo fotoaparatą prikiša tame pačiame kambaryje kaip ir drama ir tik tyliai stebi. Jo stilius yra daug mažiau tiesus, šiek tiek primenantis Taivano meistro Hsiao-Hsieno Hou techniką, tačiau vis tiek dar labiau atsiskyręs.

Visa tai turint omenyje, Koreedos atsisakymas kištis vis dėlto sukelia keletą galingų intymių akimirkų vėliau, kai jis pradeda žydėti, kai veikėjai leidžia mums įveikti šešis jų ir mūsų pasaulio atskyrimo laipsnius. Kažkas tokio paprasto, kaip žmogus, artėjantis prie pianino, didelis dėmesio skirtumas, pabrėžiantis scenos svarbą, daro stebuklus, suteikdamas žiūrovams mažų, žadinančių žvilgsnių į savo veikėjų mintis. Iš tikrųjų Vis dar vaikšto yra vilties bastionas, skatinantis šiuolaikinės Japonijos kino kūrėjus patekti į šeimos dramos kūną ir stengtis ją įgyvendinti tokiu pat priverstumu ir poveikiu, kaip prieš visus tuos metus padarė tokie menininkai kaip Ozu ir Naruse. Kai scenoje yra tokie režisieriai kaip Sionas Sono, tai yra dovana, kad tokie žmonės kaip Hirokazu Koreeda vis dar yra pakrantėje virš sėklos dugno ir suteikia mums kažką tokio tylaus ir patrauklaus priemiesčio gyvenimo portrete.

64. Aktorių prisipažinimai (1971)

Žiauriai sąžiningas, būdingas atviras filmas - nepanašus į neatleistiną inkviziciją Žiemos šviesa - Yoshishige Yoshida ’s Aktorių prisipažinimai seka traumas, dėl kurių trys moterys įsipareigojo savo amatui - pirmasis spalvotas režisieriaus filmas ir žaviai: vienas, kuris šiame naujame raudonuojančiame spalvų juostų turtingume atėmė daugybę jo ekstremalių kamerų, kad būtų galima drąsiai, plikai siekti tiesos ir jo poveikis šiems žmonėms. Apreiškimas savaip yra gydymo forma ir Kiju Yoshida Aktorių prisipažinimai veikia nuostabiai kaip diskusija apie šią idėją.

63. „Narajamos baladė“ (1984)

„Narajamos baladė“ reprezentuoja bene garsiausią Shohei Imamura filmą, kuris pats savaime yra tokios pat gerbiamos klasikos perdirbinys. Kas išskiria Imamuros kūrinį, yra jo taktiliškas požiūris į žmogaus veiksmus - susižavėjęs niūriomis reakcijomis ir mutavusios psichikos įtaka, didžiulė emocinė įtampa vyro ar moters galvoje. Ankstesni jo filmai daug geriau nagrinėjo tokias temas, tačiau manau, kad tai neatmeta „Narajamos baladė“ nuo aukšto tarp jų stovėjimo. Jo pažįstama liaudies pasaka yra tokia pat kruopšti žmogaus elgsenos studijavimo tema, nors trūksta ligotumo, dėl kurio įgavo jo 60-ies metų darbas - Shohei Imamura vis tiek teikia patenkinamai gailestingą, tikrą meno kūrinį.

62. Mandara (1971)

Mandara yra savaip vienas labiausiai kiną žavinčių septintojo dešimtmečio pradžios filmų. Iššūkis, bet visapusiškai naudingas tema, fotografija ir jos sukurta stulbinančia nuotaika - tai be galo keistas kūrinys, galėjęs patekti į šio sąrašo viršutinius sluoksnius, jei tik turėčiau laiko pasinerti giliau į savo turtingai keistą pasaulį. Pakanka pasakyti: Šis mažai matytas „Naujosios bangos“ perlas yra būtinas dalykas.

61. Pasaka apie princesę Kaguya (2012)

Garbingo Isao Takahata 2012 m. Grįžimas į formą po nuostabaus 1988 m „Fireflies“ kapas , Pasaka apie princesę Kaguya yra tiesiog spalvingas. Šeimos pasakėle, tinkančiai bet kokiam amžiui, jos absoliučiai gražus animacijos stilius grįžta prie klasikinio dizaino, nutapyto baltos spalvos antklode - tai idealus pagrindas, kuris nuo to laiko įkvėpė savybes ne vienoje terpėje. Tolimoji estetinė trauka Kaguya nėra visiškai užtemdytas pasakojimo, tačiau jo šviesi kino prievarta vis tiek neišvengiamai svaigina nuo pradžios iki pabaigos ir reikalauja dėmesio iš bet kurio animacijos gerbėjo.

60. Tavo vardas (2016)

Naujausias filmas šiame sąraše, praėjusių metų Tavo vardas yra apreiškimas. Populiarus kinas Amerikoje dažnai gali būti toks negyvas ir ciniškas, net jo indie sceną labiau traukia šlovė, o ne meninis nuopelnas (kad nebūtų diskredituojamos akivaizdžios šio augančio pastebėjimo išimtys). Visa tai sakau todėl, kad ištyręs šiuolaikinius japonų leidimus šiam sąrašui, labai malonu turėti tokį patį nuostabų filmą Tavo vardas būti sėkmingam pagrindiniame sraute, kaip ir buvo. Nuo to laiko Japonija buvo užpustyta ir apdovanota daugybe animacinių filmų Akira 1988 m., o šiurkštus dažnai užlieja po juo esančius deimantus - tokia stipri plėvelė prasiveržė lengvai. Be įžangos ar komentarų tiesiog žiūrėkite Tavo vardas . Tai kažkas su širdimi ir sąžiningais ketinimais, kuriuos šiandien galėtume pasimokyti.

59. Nausicaä iš Vėjo slėnio (1984)

Nausicaä iš Vėjo slėnio yra ankstyvasis animacijos titano Hayo Miyazaki didingų menininko įgūdžių bastionas. Pasakojimas yra puikus - sukuria kažkokią niūrią apokaliptinę ateitį tarsi mūsų pačių pasaulyje su krypties laisve ir nuostabiu žemės unikalios floros ir faunos suvokimu - visi apgyvendinti įvairiais vienišų sielų būriais, kurie išreiškia šliaužiantį nepageidaujamą pripažinimą. nuostabiai. Pirmasis iš daugelio nuoširdžių, originalių ir švelniai įkvėptų Miyazaki kūrinių.

58. Šoksime? (1996)

Manau, kas skiria Gal pašokime? nuo bet kokio kito „gyvenimą patvirtinančio“ brūkštelėjimo yra toks rimtas. Akira Kurosawa pats traktatas apie išsipildymą (ar siaubingą jo trūkumą) m Ikiru yra ryškus kontrastas su nekenksmingu žavesiu, kuris natūraliai dygsta ir įsliuogia į mūsų širdis, o ne įsitraukia į kelią per ciniškai valdomus siužeto taškus. Tai nuostabus filmas, kuriam buvo suteikta tokia aukšta pozicija, kaip džiaugsmingai patikima jo istorija ir koks patogus režisierius Yoshikazu Suo yra su savo produktu. Malonumas.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshida didelis proveržis, Akitsu šaltiniai atspindi kažko ypatingo aušrą Japonijos naujosios bangos srityje. Jau 1962 m. Yoshida sugebėjo daugelio tuo metu japonų filmų psichoseksualų dėmesį nukreipti į galvą ir nepriekaištingu tikslumu sujungti jo vidines gelmes - susižavėjimą jis tik toliau ryškins laikui bėgant. Panašiai fantastiškų tęsinių serija įtvirtino jį kaip pagrindinį judėjimo narį, bet man taip yra Akitsu šaltiniai kuris tvirtiausiai laikosi savo kino genijaus savininko.

56. Žmona prisipažįsta (1961)

Pirmąjį mūsų filmą sutiko gausus 1961 m. Yasuzo Masumura Žmona prisipažįsta yra ankstyvosios Japonijos naujosios bangos vainikavimas. Po moters, kuri kaltinama tariamai atsitiktine vyro mirtimi, ji užfiksuoja agresijos, cinizmo ir nukreipimo bangas, būdingas tamsiajai japonų kino pusei tuo metu, išskyrus be jokio dažnai kruvino, žiauraus smurto. Tai, ką mes turime čia, yra proto smurtas, peršautas balsų, išpjautų kartumo ir stebimų akimis dėl kažkokio vargano, iki gyvos galvos įkalinto atvejo, kad būtų galima palyginti jų pačių kančias. Tai uždengtas sergamumas Žmona prisipažįsta tai suteikia svarų pagreitį jos visuomenės įkandimui.

55. Gilūs dievų troškimai (1968)

Ilgiausias Shohei Imamura filmas, Gilūs dievų troškimai yra taip pat turbūt filmas, kuris pilniausiai parodo jo stilių. Vadovaujantis įtempta izoliuotos kolonijos dinamika ir augančiu romanu, kuris žydi po jos, šiek tiek nutolusi Imamuros kryptis ir persmelktas beveik žurnalistinio vientisumo blizgesys leidžia pateikti patrauklų dokumentą apie gimtąjį gyvenimą, meilę ir tai, kaip mus neatsiejamai traukia mūsų pačių norai. ar tai būtų sąmoningai dalijamasi pirminiu potraukiu, ar kokiu nors nematerialiu implantu, siunčiamu tiesiai iš viršaus. Galų gale man sunku buvo suvaldyti Imamuros klausimą: ar lengviau priimti, kad mūsų dievai yra žiaurūs, ar mes tokie?

54. Žmogaus būklės 1 dalis: nėra didesnės meilės (1959)

Pirmasis epinėje filmų trilogijoje, Žmogaus būsenos 1 dalis: nėra didesnės meilės yra filmas, kuris sukurtų precedentus tolesniems veiksmams. Stiprybių ir silpnybių sąrašas režisieriui Masakai Kobayashi turėtų tik laiko pasimokyti iš užpakalio, niekada iki galo neišaiškinant tobulos pusiausvyros savo labai ambicingam kūriniui. Jokios didesnės meilės yra keletas nemirtingų akimirkų, visų pirma egzekucijos scena, trunkanti 10 minučių ir matanti užgniaužto Manchu burbulo įtūžį, be baimės, kurį visi ginklai ir spygliuota viela įkvepia kažkam, kas ypač atsiliepia iki šios dienos, taip pat iki pabaigos lankas keliems simboliams. Tai ilgas, persisotinęs ir galiausiai neveiksmingas filmas & hellip; bet tai taip pat meistriškai atliktas karo nuostolių tyrimas. Nesubalansuotas iki kraštutinumo, Žmogaus būsena Pradiniame skyriuje randama pakankamai tvirta dirva, kad būtų galima sukurti filmą, kuris nėra nei įpareigojantis, nei išskirtinis: Bet vis tiek yra daugiau nei pakankamai vertas, kad čia patektum į 60 populiariausiųjų.

53. Išmeskite savo knygas, mitingą gatvėse (1971)

Išmeskite savo knygas, mitingas gatvėse - tai kraujo srautas į galvą. Ryškus, neribotas atjungtų vinjetų išdėstymas, vaizduojantis ryškų japonų jaunimo atsiribojimo nuo senų vertybių vaizdą. Formalizmo atmetimas visai modernesniam, futuristui, susmulkintam į gabalus ir vis dėlto visiškai nesuprantamam. Tai kūrybinis pramonės pobūdis, kuris pasireiškia jaunų žmonių galvose, todėl stulbinančios, viliojančios ir dažnai neįtikėtinos partijos scenos. Keli filmai net iš Japonijos naujosios bangos gali uždegti tą pačią griežtai maištingą ugnį.

52. Raudonasis angelas (1966)

Masiškai vaisingas meistras Yasuzo Masumura kaip tik 1960-aisiais dirbo prie kolektyvinių 33 filmų, o vienas iš jo patinančių kūrybos akcentų yra 1966 metų didingas Raudonasis angelas. Raudonasis angelas, kurio pagrindinis tikslas - romantiškai įsitraukusi jaunoji slaugytoja, įstumta į karą, ypač gerai išvysto savo varginantį pasaulį: pradedant nuo veteranų legionų, užverstų randais ir išpurškusiais savo krauju bei prakaitu ant operacinio stalo purvinamame, apleistame komplekse - viskas kol galiausiai nebuvo įmestas į šio mirtino konflikto tiglį. Apčiuopiama baimė yra gausiai impresionistinio Masumuros krašto ženklas - ir pažymi jį kaip apibrėžiantį, deja, šešėliniame dešimtmetyje nustelbtą tautos kino balsą.

51. Žmogus be žemėlapio (1968)

Apgailestingai nepastebėtas Hiroshi Teshigaharos nepriekaištingos kūrybos įrašas, kurį pareigingai užgožė jo aukšta kūryba nuo ’62 iki ’66 ’, 1968 m. Žmogus be žemėlapio mato griežtą ikonoklastinį režisieriaus perėjimą nuo ryškios vienspalvės prie viliojančios spalvotos fotografijos: žvalgydamasis po išsiplėtusį pramoninės Japonijos labirintą su įtaigia, šiek tiek nuobodžia palete, kuri taip gausiai atkartoja nenumatytą pagrindinio veikėjo atsakymų troškimą. Žmogus be žemėlapio bėga abejonių ir sumišimo upėmis, nusileisdamas detektyvą giliame vandenyje, kad būtų kuo mažiau, ir retai leido sekundei atsikvėpti ir įsiminti viso to platybes.

Teshigahara žaismingai urbanizuoja kankinantį savo veikėjų siekimą pasauliu, kuris kiekviename žingsnyje paneigia katarsiją, velniškai tiksliai komentuodamas nesibaigiantį šiuolaikinio gyvenimo netikrumą. Jis atsisako ankstesnio savo kūrinio niuansuoto antgamtiškumo ir siurrealizmo kurdamas labiau pagrįstą kūrinį, kuris dėl to galbūt netgi labiau persekioja nei Sizifo agonija Moteris kopose arba Spąstai nemąstantis, nejaučiantis mirties progresas. Žmogus be žemėlapio smogia mums ant namų velėnos, todėl ji taip glumina - taip jaudina ir kodėl iki šiol išlieka toks gyvybiškai svarbus kino teatras.

50. Vabzdžių moteris (1963)

Mūsų ketvirtasis iki šiol gerbiamo meistro Shohei Imamura filmas, kiek pagarbesnė pavojingiau besaikio Nagisos Oshima monetos pusė, Vabzdžių moteris yra pavyzdinis pavyzdys, kodėl Imamura seksualinės politikos vizija visada buvo kur kas žavesnė nei prieštaringai vertinamas jo amžininkas. Tai prabangios vizualinės kontrolės filmas: įterpia savo vaizdus su prasme ir svoriu, taip pat skanią estetinę galią, kuri tiek daug prasmės išpjauna monochrominiu būdu. Moters kasdienį gyvenimą gaubia banguojanti juoda ir balta jūra, kuri tiek daug paverčia paslaptimi, į Tetsuo: Geležinis žmogus . Nors ir klaikiai ankstyva jo pradžios scena, nors ir paprasta, siuvama Kafkan narvo „Tome“ (gražiai grojo pelnytai pagerbto Sachiko Hidari) sėklomis, dedama į užuominas apie baisias Imamuros piktybines antraštes. Tai sunku žiūrėti, nė kiek nepaprastai padeda „Imamura“ tempo tempas, tačiau išlieka tikrai gyvybiškai svarbus kinas.

49. pulsas (2001)

Kiyoshi Kurosawa, atlikdamas fantastišką grėsmingų pastangų eilę, smarkiai pralenkė savo klasę pagal savo pažįstamo bendravardžio svorį, tačiau nė vienas ne visai užtemdė didžiulę laisvą 2001 m. Paspauskite . Laimėti nuo baimės ir labai pasitelkti laiku pateikiamas technologines nuorodas, nesiremiant jomis tiek, kad tai senintų vaizdą, Paspauskite yra nepaprastai baisus šiuolaikinių gaudynių paėmimas, kuris žymiai efektyviau išnaudoja pažįstamą Jūrei dvasios veidą, nei daugybė žymesnių blyškių veidų stalkerių vaizdų.

48. Kovos be garbės ar žmonijos (1973 ir hellip; 1975)

Kinji Fukasaku kelių dalių kriminalinė antologija yra Krikštatėvis pakėlė kiekvieną vaistą po tekančia saule. Laisvas nuo dažnai viršijančio Coppolos perfekcionistinio kūrinio struktūralizmo, Fukasaku smurtą filmuoja kaip džiazą, kai jis daugelį metų seka valdančią nusikalstamą šeimą. Dažnai pasineria į neatlygintinus hiperstilizuotus kampus ir redaguoja, kad užtikrintų jo kinetinio montažo efektą. Nors jame nėra sudėtingo charakterio ugdymo, teminės raiškos ar net pagrindinio skonio, jame yra kažkas tokio pūslingai gyvo Kovos be garbės ar žmonijos kad negaliu to nemylėti. Kiekvienas filmas papildo paskutinįjį ir kartu atspindi populistinio kriminalinio kino 70-ųjų Japonijos zenitą. Nedaug kada nors galėjo priartėti.

47. Kwaidanas (1964)

Masakai Kobayashi būdinga gerai sukurta „Siaubo“ antologija „Kwaidan“ yra kniedantis nardymas į pasenusių japonų pasakų paslaptį ir piktybiškumą, viduramžių šaknis J-Horroro asortimento apgaulingų apsireiškimų ir neišvengiamų prakeikimų. Nenuilstantį gailestingumo trūkumą ar atokvėpį, esantį klestinčioje Japonijos siaubo scenoje, čia paliečia meistro ranka, taip gaunant vizualiai prabangų perlą, kuris sugeba įkvėpti naują gyvenimą į kitaip datuotas istorijas. Be jokių abejonių yra geriausia kada nors sukurta „Siaubo antologija“: neskiestas išskirtinio kino kūrėjo balsas, skambantis garsiai ir aiškiai, kad „J-Siaubo“ yra ko bijoti. Po kelių dešimtmečių mes vis dar esame įstrigę jo siaubingoje rankoje.

46. ​​„Tokyo Drifter“ (1966 m.)

Liepsnojančio maveriko Seujino Suzuki prakeikiamas pop meno genijaus gabalas, „Tokyo Drifter“ išsijungia kaip fejerverkas ir suteikia daugiau naudos savo stilistiniam pranašumui, nei šiandien gali tvirtinti net Quentinas Tarantino ir Martinas Scorsese. Filmo ugninga įtaka žymi jų redagavimą ir požiūrį į veiksmą - nepanašus į tai, kaip be galo perdėtas Goddardo Nekvepia toliau formuojasi taip, kaip mes pjauname. Kur kas mažesniu mastu „Suzuki“ kūrinys prasiskverbia į tiek daug šiuolaikinio kriminalinio kino rėmų, tačiau tai yra stipresnis stiliaus, atleidžiančio visus reikalus iš esmės, pavyzdys: jo ginklas sklinda kaip fejerverkas su gaiviais neoniniais efektais. šaudymas. Sukūrė pagrindinis choreografas savo žaidimo viršuje- „Tokyo Drifter“ celiuliozės kinas yra pats jaudinantis. Elektrinė ir vis dar didelė statinė.

45. „Fireflies“ kapas (1988)

Paviršiuje atvirkštinė Hayo Miyazaki visuotinės auditorijos pasakėčia, Ghibliano ikonos Isao Takahata garbinamasis „Fireflies“ kapas stovi kaip viena iš labiausiai vertinamų kada nors sukurtų animacijų, kurios emocinis svoris kyla dėl meistriško jos naudojimo. Šiuo atveju: „Fireflies“ kapas nebūtų toks visuotinai vertinamas ar net pastebimas, jei būtų pasakojęs apie istoriją realybės srityje. Tačiau Takahata objektyvas yra nupieštas. Jo atvaizdams įpurškiama elegancija ir nekaltumas, rodantys vaikystę - tai puikiai pagiria jo veikėjų sunkią padėtį. Nors kai kuriems, be abejo, tai atrodo kaip įmantrus jungiklis, nedaugelis filmų taip puikiai panaudojo animacijos meną, kad grakščiai pabrėžtų savo pranešimo galią. Lengvai antikariniai Takahatos ekspresyviai elegiški vaizdai pradeda prieštarauti nepaprastai liūdnai istorijai: leisti cinizmo dvelksmui ištrūkti iš orui nepralaidaus estetinio palaikymo, nors tai neturi mažai pasekmių. „Fireflies“ kapas yra varginanti ir dažnai graži karo laiko patirtis.

44. „Samurajaus trilogija“ (1954–55–56)

Puiki šurmuliuojančių pramogų juosta, režisieriaus Hiroshi Inagaki skaniai patraukli populistinė serija yra veiksmo ir nuotykių filmų kūrimo orientyras ir, ko gero, geriausia trilogija, skirta papuošti šį žanrą. Vadovaujamas visuomet nuostabaus Toshiro Mifune spektaklio ir nedaug žvelgiant į brandą, visų pirma pirmojo filmo pabaigoje, gana neįžeidžiantys ir nesudėtingi Inagaki pasakojimai skatinami taip pat aštriu ir jaudinančiu kino veiksmo suvokimu kaip 1950 m. turi siūlyti. Jo fotoaparato judesys jaudina, nukreipdamas aktorius įnirtingai ir energingai, padedančiu trilogijai įveikti savo pasakojimo sausus burtus, pridėjus jaudinančią kardų seką. Tai nėra kažkas ypatingo dramatiškame fronte, tačiau gali pasigirti pakankamai aistra amatui ir stebinantis savo sielos sielos jausmą, leidžiantį pasiekti tokią aukštą vietą. Svarbus nuotykių kino gerbėjų žiūrėjimas.

43. Birmos arfa (1956)

Kon Ichikawa kūrinys apie japonų kareivį, nuslydusį į kartą okupuotą šalį ir bandantį rasti taiką pokario pasaulio skausme, Birmos arfa susilaukė suprantamos kritikos dėl dažnai neryškaus karo vaizdavimo: daugiau šokančių būrių ir lengvų siužeto taško judesių nei visiškas, įtraukiantis laikas. Paradoksalu, bet manau, kad tai, kas padeda Birmos arfa įveikti šiuos klausimus yra jų širdis. Nepaisant gausiai kontroliuojamo pasakojimo, Ichikawa per visą filmą audžia gražius vaizdus, ​​kiekvieną sceną apipavidalindamas bent viena įmantria lentele, kuri, prisidėdama prie statiško jo krypties sofomorizmo, efektyviai sugeba perteikti nuotaiką - ypač tokia seka, kur mirties varoma kareiviai nukerpami minosvaidiais, o mūsų herojus pabunda kruvinoje lavonų jūroje: įkvėptais kadrais labiau panašus į stulbinančiai griežtą Rembrandto kompoziciją nei į bet kokį įprastą karo laiką. Tam tikra prasme jo supaprastinimas, tačiau silpnumas niekada neužgožia kolektyvinio poveikio, kurį kelia Ichikawa šviečianti fotografija ir įtikinamas nuolankumas.

42. Beprotybės puslapis (1926)

Ankstyviausias šio sąrašo kūrinys, Beprotybės puslapis yra nebyliojo japoniško kino pagrindas dėl savo skambančio estetinio balso: kūrinys, kuris informavo apie beprotybę ir tviskančią kūrybinę kibirkštį, kuri ir šiandien skatina nuostabiausius jų pramonės kūrinius. Jo prieglobsčio portrete nėra panašaus niuanso ar gilumo Titucut Follies ar net žmonija Skrydis virš gegutės lizdo fiktyvia forma, tačiau transcendentinis žingsnis nuo šio 1926 m. etapo yra išplėstas Japonijos prieškario kino vertinimas už dramatiškų titanų, tokių kaip Ozu, Mizoguchi, Yamanaka ir Shimizu, ribų. Tai, ką mes turime čia, yra jų vis dar tekančios kino iššūkių, stilistiškai provokuojančių ir tyčia pavojingų kūrinių upės šaltinis, kuris tuo labiau žavi turint galvoje šį tragiškų menininkų gagulį.

41. Paslėpta tvirtovė (1959)

Džordžo Lucaso liūdnai pagarsėjusi mažoji franšizė „Žvaigždžių karai“ buvo pastatyta paslėptos tvirtovės užpakalyje, o „Naujoji viltis“ pavogė viską, bet tai atsispindi šioje išskirtinėje nuotykių pasakoje. Gaila matyti, kaip šis „neoficialus perdarymas“ išsisuko su žmogžudyste, sutriuškindamas Kurosawa brūkštelėjimą pagal savo milžiniško sekimo svorį, nes „Paslėpta tvirtovė“ yra kur kas vertesnis klasikinis brūkštelėjimas, nei kada nors galėtų teigti Lucaso serialas. Kupina jaudinantis veiksmas, linksmas apibūdinimas ir stiprus vizualinis nuojauta, įprastas net ir pačioms vidutiniškiausioms Akira Kurosawa pastangoms. Visa tai turėdamas galvoje, aš to neprašau „Žvaigždžių karų“ - tiesiog norėčiau, kad genialus Kurosawa kūrinys būtų sulaikytas tuo pačiu kvėpavimu.

40. Žmogaus būklė, pt 2: Kelias į amžinybę (1960)

Mūšio įkandamas Masakai Kobayashi epinės trilogijos kūrinys Kelias į amžinybę tarnauja kaip didelė japonų karo epo epizodas, tinkantis bet kokiems ginčams Gelbėjant eilinį Rajaną , jei ne visai toks pavojingas, kaip kažkas panašaus į Samą Fullerį Didysis raudonasis ar net Plieninis šalmas . Jis išlaiko netvarkingą etinę maniją Žmogaus būsenos 1 dalis: nėra didesnės meilės tačiau sugeba remtis visceraline kovos patirtimi ir išmatuotu, nuosekliu požiūriu į jo veikėjus, kuriuos pabrėžia jų gyvybė ir mirtis mirtinoje žmonijos istorijos dalyje. Kaip ir kiekviename tęstiniame segmente, Žmogaus būsena vis labiau artėja prie to, kad pasiektų savo bendravardį, ir nors 2 dalis šio tikslo nesuvokia - bent jau bando. Daugiau nei galime pasakyti apie daugumą to meto filmų.

39. Didvyriška skaistykla (1970)

Iškart nesuprantamas, išraiškingas ir vizualiai gluminantis: Herojinė skaistykla yra puikus gruntas išskirtinei Yoshishige Yoshida filmografijai. Jo nepaprastai svetima estetika dažnai dezorientuoja - kiekvienas kadras lenkia mūsų santykį su erdve, kiekvienas sutrumpintas laiko fragmentas nepanašus į pašėlusį atminties įkvėptą Alaino Resnaiso pasakojimą - ir sąžiningai sukuria siužetą Herojinė skaistykla ypač sunku sekti ir suprasti. Jo fragmentiška pasakojimo technika dar labiau apkrauna mažiau atviros auditorijos norą gauti visiškai darnią pasakojimo patirtį, tačiau nenusakomi malonumai, glūdintys iškrypusiame Yoshida pasaulyje, teisingai vertina jų precedentą dėl griežtai struktūrizuotų siužetinių linijų. Apibūdinti Herojinė skaistykla būtų neįmanoma. Nerekomenduoti jo vien dėl savo neįmanoma - būtų nusikaltimas.

38. Nužudymo ketinimai (1964)

Šohei Imamuros niūrus triptikas Kiaulės ir kovos laivai, nužudymo ketinimai ir Pornografai pasiekė neginčijamą piko aklavietę filmu, kuriame pavojingai detaliai stebima moters, flirtuojančios tarp žeminančių santykių su vyru ir kamuojamo romano su savo prievartautoju, nelaimė. Pirmasis pastarojo susitikimas ir po jo sekanti scena yra gražiai glausti pavyzdžiai, kaip gali būti nepaprastai bjaurus Imamura pasaulis - ir kaip žmogaus kontaktas dažnai gali nuvaryti jo veikėjus į kraštutinumus, daugelis gali bandyti diskredituoti kaip nepriimtinus. Iš tikrųjų, Nužudymo ketinimai žiaurus, bet sąžiningas priespaudos ir kai kurios liguistos laisvės tyrimas kūniškos išraiškos būdu sugeba atspindėti tokio pat tikslaus kiekvieno iš mūsų, esančių toje pačioje situacijoje, portretą kaip ir jo geriausi filmai.

37. Nužudymas (1964)

Dvigubai Masahiro Shinodos 1964 m. Išleidimo metais buvo galima nuspėti du geriausius šalies sukurtus filmus, iš kurių paskutinis buvo Nužudymas . Puikus komforto mastelio pavyzdys, Nužudymas audžia tematiškai neambicingą dramą, kuri iš savo paprastos istorijos ištraukia pakankamai daug, kad būtų vertinama tarp puikiausių šio sąrašo filmų: toks pat puošniai apšviestas ir fotografuotas, kaip ir bet kuris 60-ųjų vidurio filmas, kurio veiksmas toks pat tikslus ir galingas, kokio tikėtumėtės iš arklidžių. Šinoda. Tai nepakankamai psichinės būsenos imitacija, nes laukiniai gandai apie taikinį yra panaikinami ir numalšinami aplink. Tai sukuria pasakojimą, kuris džiaugiasi nenuspėjamo nesuvokiamumo akimirkomis - greitai persijungdamas nuo realybės į praeitį, palikdamas tiek auditoriją, tiek kelias nerimaujančias galimų grupių grupes. žudikai ant skustuvo pergalingos pergalės ir tikrai mirtino pralaimėjimo.

36. Nuoga sala (1960)

Stoinis Kaneto Shindo ramaus kaimo gyvenimo tyrimas „Nuoga sala“ beveik neturi jokio šnekamojo dialogo - visą dėmesį nukreipiant į savo vaizdus, ​​norint papasakoti savo istoriją ar, tiksliau sakant, sukurti savo jausmą. Shindo ikonoklastinis požiūris į filmų kūrimą sukuria keletą gražiai rezonuojančių nuotraukų visoje jo filmografijoje, tačiau Onibaba ir Kuroneko vaizdai patobulina jų pasakojimą mažose vizualinio įkvėpimo kišenėse. „Nuoga sala“ yra 96 ​​minučių esminė fotografija. Ji susipina taip, kad priverstų Bergmaną raudonuoti, ugdytų nuotaiką ir leistų jai išsiskleisti visuotiniu ir paveikiančiu dalyku. Ramybė ir vargas, su kuria susiduria maža Kaneto salų šeima kiekvieną dieną, beveik kaip keistai optimistiškas Béla Tarr Turino žirgo atvirkštinis variantas. Tai, ko trūksta triuškinančiai šio filmo jėgai, vietoj to, Shindo išsivysto į ritualinę žmogaus ištvermės ir tokio grožio gamtos grožio šventę. Patraukli, šviečianti ir neįmanoma sugerianti mažai patirties.

35. „Branded to Kill“ (1967 m.)

Jei minėtas Sejiunas Suzuki pasiektų savo stilistinę viršūnę 1966 m „Tokyo Drifter“ , filmas, kurį taip išniekino jo prodiuseriai, kad jie pasmerkė jo tolesnes nuotraukas į griežtesnį biudžetą ir išnaudojo visas galimybes, kad jis galėtų naudoti spalvas Firminiai žudyti taptų jo kūrybiniu zenitu ir puikiu meno pavyzdžiu per sunkumus. Žmogaus elektrifikuojantis didžiulis opusas, Firminiai žudyti seka žudiku, bandančiu apgauti dar mirtingesnį žudiką, sprogdamas kelią legionų milžinais ir žaibolaidžio romanais. Jis amžinai aštrus, neprarasdamas savo kruopelytės, preliminariai pasiekia dramatiškiau ambicingą teritoriją ir vis tiek sugeba supakuoti daugybę beveidžių blogiukų, kad mūsų antiherojus galėtų šaudyti būriais. Firminis „Kill's“ stilius vis dar sugeba ieškoti prasmės, nesvarbu rezultatas, yra tai, kas ją pažymi virš likusios pakuotės.

34. Likimo kardas (1966)

Veiksmo maestro Kihachi Okamoto stilingas liūdnai atšauktos trilogijos lakūnas „Likimo kardas“ yra pagrindinis kino katarsis. Tai meistriškai choreografuotas velniško kardų demonstravimo būdas, kai pagrindinė legenda Tatsuya Nakadai susiduria su Toshiro Mifune ir begalė bevardžių ginklų būrio, kurie visi velniškai demonstruoja, kaip mirtinas gali būti titulinis ginklas. Dešimtys krinta prieš ašmenis, ypač šlovingai neapgalvotoje neišspręstoje paskutinėje scenoje, ir nors atsidavimas pasakojimui ir personažas geriausiu atveju yra tangentinis - atmosfera ir režisieriaus bravūra išgelbsti jį nuo dar vienos veiksmo akcento ritės. Verta pamatyti iki karčios, kruvinos pabaigos.

33. Hausu (1977)

Kad ir koks didelis komplimentas galėtų sumokėti keistą filmą, jis lieka keistas. Daugelis iš mūsų pavadino kažką keisto, nes nesame nieko neišmanę, tik norėdami sužinoti, kad tai tariama keistenybė nublanksta, palyginti su vėlesniais kino atradimais. Toks yra mūsų kelias per filmą, kaip ir labai užsitęsęs būdas tai pasakyti Hausu yra visiškai psichinis. Nuolat kankinamas dėl kartais įkvėptų, dažnai grakščių, bet visada beprotiškų foninių balų ir alsuoja moksleivių, kovojančių su turimais arbūzais, scenomis, kurias suvalgo pianinai žudikai ir pabėgo nuo fantastiško fantominio katės pragaro, linkusio prakeikti kiekvieną sielą, peržengiančią jos slenkstį. Iš esmės tai yra Ju-Onas bet turėdamas savimonę ir svaiginantį kūrybiškumą, eidamas visą kelią vien tik su stiliumi - atsisakydamas fono mito siužeto, kuris taip dažnai persekiodavo namų istorijas, visiškai atsidavęs svaiginančiam darbui. Rezultatas - šlovinga linksmybių aukštakrosnė.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawa daug reklamuojamas senatvės portretas, Ikiru eina kaip tvirta paralelė paties Ozu darbui su žmonėmis jų žiemos metais - praradęs minimalistinę kryptį Kurosawa kur kas tiesmukesniam, intensyvesniam darbui. Rezultatas supakuotas: kelios scenos, kurios liečia kinetinį grįžtamąjį ryšį tik dėl savo vaizdų stiprumo ir juos lydinčios tylos ar bangų. Manau, kad Kurosawos balsas mažai kuo prisideda prie ypač stipraus kino kanono apie senėjimą ir apskritai nepasiekia apreiškiamųjų Laukinės braškės arba Pulkininko Blimpo gyvenimas ir mirtis nepaisant jų palyginamojo kinematografinio betarpiškumo trūkumo, tačiau niekas iš to nesumenkina stulbinančio AK darbo rezonanso čia.

31. Aklasis žvėris (1969)

Neprilygstamas jausmingumo ir fizinės esmės tyrimas, Aklasis žvėris seka aklojo vyro ir moters, kurį jis paima į nelaisvę, įklimpimą į sunkiai suprojektuotą labirintą, išklotą žmogaus formos skulptūromis - sienomis, padengtomis akimis ir lūpomis, o grindys sutvertos neišvengiamu galūnių raizginiu. Tai siurrealistiškumas ir intriguojanti prielaida nėra langai į bet kokią tikrai tankią teminę žemę, nors režisierius Yasuzo Masumura sugeba daug geriau išgauti geismo ir ilgesio santykį, nei nuoseklus nesėkmės peilis Nagisa Oshima taip dažnai paslydo ir supjausto save. Daugiau kontempliatyvių kūrinių apie seksualumą Yoshishige Yoshida yra esminis menininkas, tačiau paneigti visiškai unikalią Masumura viziją čia būtų nusikalstama, nepaisant jos trūkumo. Vietoj to, jis užpildo savo filmą spalvingais rinkiniais ir skaudžiais jausmais, kurie užgauna veikėjus. Stilistikos priekyje Aklasis žvėris absoliučiai pakyla.

30. Žmogaus būklė, pt 3: kareivio malda (1961)

Masakai Kobayashi pražūtingai galinga jo dešimties valandų trilogijos išvada, Žmogaus būsenos 3 dalis: kareivio malda tarnauja kaip visko, kas buvo vystoma Kobayashi, kulminacija, lygiomis dalimis paveikiomis ir pervertintomis, kaip ir su kitais kūriniais. Gaila, kad serialas niekada ne visai įveikė nei sugriežtintą knygos ilgį, nei priverstinį humanizmą, kuris kartais gali sugadinti šiaip stiprią savo režisieriaus formą: Tačiau be šių tvankių akimirkų mums niekada nebūtų padovanota didžiulė gražiai realizuotų kolekcija scenos, kurios galėjo sukurti šedevrą pačios. Kareivio malda nėra subtilesnis už savo pirmtakus, tačiau tas pabaigos jausmas pakimba virš Kobayashi kūrybos, kaip pavargusi aušra - norisi naująją dieną praleisti su atnaujintomis Japonijos kino pramonės akcijomis. Ir aukštas epinio kino triumfas, ir, dar svarbiau, tas paskutinis žingsnis per šlovės vartus, kurie Kobayashi suteikė gausią meno laisvę kitam dešimtmečiui. Rezultatas yra, kaip pamatysime, daugiau nei verta kelių valandų praktikos & hellip;

29. Dviguba savižudybė (1969)

Nerimą keliantis klaikus kūrybinio proceso tyrimas, Dviguba savižudybė mato medinę lėlių pjesę, pastatytą siekiant dviejų jos vedlių, kurie patys pasibaigė, o šešėlinės figūros žvalgėsi scenas, norėdamos tobulinti savo pasakojimą. Karštligiškai baisi pasaka, kai fasadas nukrenta ir košmariški lėlininkai tikslina savo kitus judesius - dažnai morfuoja rinkinius kartu su judančia Masahiro Shinodos kamera, kad susidarytų baisiai iškreiptas erdvės pojūtis. Už jo daugialypio meninio įtaiso siužetas Dviguba savižudybė yra palyginti įprastas ir neranda gilių pagrindų, bet galbūt tai ir užtikrina jos sėkmę: Shinoda atidžiai tikrina savo kūrybos bloką, kai smalsios demoniškos rankos traukia savo vizijos kraštus, kad ji būtų tikslesnė, o taip pat išvaikyti iš jos. ketinimai visiškai. Ar tai būtų jo vidinių kovų reprezentacija, ar direktoriaus nesugebama koordinuoti darbo jėgos - dvigubo Dviguba savižudybė peržengia vidutinišką pasaką dėl kino patirties, nusipelniusios 50 geriausių ir daugiau nei pavyzdinių kolektyvinių Masahiro Shinodos, kaip kino kūrėjo, talentų.

28. Žiedas (1998)

Nors šiek tiek panašus Ju-Onas dusina dėl savo laisvo nuovargio, Ringu ’s tuštuma yra mirtiniausias jos ginklas. Režisierės Hideo Nakata sklindanti tylos jūra persmelkia ir įsiveržia į kiekvieną praeinančią sceną, kiekvieną triukšmą išryškindama padidėjusiu baimės pakurstyto žmogaus, pulsuojančio adrenalinu, intensyvumu - kad ir kokia kasdieniška scena būtų. Taigi tokie aktualūs garso skaitikliai, kaip tylos nepriekaištingas žiaurumas, skamba per tylą. Nuo to nėra pabėgimo Žiedas bet kuriame jūsų proto kampe. Nesvarbu, kur bėgiotum - vos tik pataikysi į žaidimą, tu tik prailgini neišvengiamą. Galų gale, kas gali būti siaubingiau nei mirtis, kurią patvirtina mūsų pačių neišvengiamas smalsumas?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo Kuroneko jaučiasi lyg pūslintis siaubo filmų kompozicijų miražas, sukrautas tobulai demoniškam absoliutaus košmaro regėjimui. Kompleksinė moralinė dilema, kunkuliuojanti po paviršiumi, yra nauja išvaizda toms nesustabdomoms dvasioms, kurias Japonijos siaubo žiniasklaida pradėjo nuo pat pradžių - kurdama vidinį pasakojimą, kuris įveikė ankstesnių Shinodos šiurkštumą Onibaba suformuoti kažką ypatingo. Tai viliojančiai nufilmuotas, estetiškai patrauklus kūrinys, kuris, nepaisant šerpetojančio subjektų įniršio, aiškiai užjaučiančiu akimi užpildo spragą tarp tikrovės ir klaikios fantazijos. Ne tik aiškus „J-Horror“ filmas, bet ir pasaulinės dramos klasika 6-ojo dešimtmečio pabaigoje.

26. „Spirited Away“ (2001)

Nedaug yra animacijos, su kuria galima visiškai konkuruoti Dvasus toli , bent jau kūrybine prasme. Filmas perkrautas nuostabia unikalaus dizaino jūra ir įsimintinai sukurtais personažais, kurie visi juda ir kalba taip pat išraiškingai, kaip pagrindiniai. Išsami visata, kurią sugebėjo sukurti Hayo Miyazaki, mano galva, smarkiai nusveria būdingą keistą jo kūrybos pasakojimą ir tempus - nepanašus į Akira tuo, kad atsitiktiniais intervalais progresuodamas šokinėja pirmyn ir atgal, siekdamas išgauti kito veiksmo medžiagos vertę; nors ir nesąžiningas pavojus Dvasus toli bent jau leidžia mums šiek tiek ilgiau įsigilinti į ryškius jo kūrinius.

25. Mirtis kabant (1968)

Per šį sąrašą nufotografavau nedaug pastabų pripažintai režisierei Nagisai Oshimai ir suprantu tokios pozicijos infantilumą: Bet aš tai darau tik todėl, kad šis tikrai talentingas kino režisierius taip dažnai paskęsta įkyriai pereksualizuotoje kino produkcijoje. „Imamura“ ankstyvojo darbo palyginamoji konfrontacinė eilutė yra veiksminga komentaruose apie žmogaus emocijas, tačiau kai Oshima tiek mažai paliekama vaizduotei, aš pradedu manyti, kad nieko nėra už varginančiai netinkamo darbo. Tai yra, išskyrus 1968-ųjų genialiai keistą „Mirtą kabant“. Pasakojimas apie mirties bausmės vykdytoją, kuris atsisako mirti, Oshima naudojasi savo žiauriu, bet vis dėlto suvokiamu objektyvu, norėdamas išryškinti daugybę socialinių problemų, vyriausybės nesėkmių ir žmogaus išraiškų - visa tai apgaubia nuolat linksma farsine komedija, kuria pasitiki savimi ir kino kūrėjas. gleivinė, kaip anksčiau Oshima atrodė taip toli. Nei anksčiau, nei po to jam pavyko prilygti šiam įkvėptam mirties bausmės šūviui, o tai yra gėda, bet bent jau teko pamatyti, kad jis bent kartą pakilo.

24. Bėglys iš praeities (1965)

Tomu Uchida Bėglys iš praeities yra, žodžiu: išskirtinis. Išlikę pakankamai kompetentingo režisieriaus filmai yra tiesiog neprilygstami čia rodomam darbui, kalbėdami su kažkokiu nuostabiu žaibu butelyje, kai Uchida buvo apdovanotas tiksliai tinkama istorija, kad įvykdytų savo, kaip menininko, pažadą. Bėglys iš praeities žvelgia į smurtą ir savęs sukeltą sielvartą taip, kaip nedaugelis filmų gali palyginti su laiko smėliu, kai jis pasklinda žemyn, o daugiau veikėjų priartėja prie dieviško atlygio suteikimo mūsų veikėjui - unikalus iššūkis tiek šaknies, tiek prieš, tiek prieš. jis bando išvengti kruvino smurto kelio, kurį ankstyvaisiais metais rėžė per Japoniją. Aš tai randu Bėglys iš praeities yra toks ypatingai galingas ir netgi galimai gilus savo rezoliucijoje, kad neturėčiau pasakyti daugiau nei, žinoma, kad kuo greičiau tai pamatyčiau.

23. Spąstai (1962)

Stulbinantis Hiroshi Teshigaharos debiutas, Spąstai derina žanrus su pagyvenusio meistro pasitikėjimu ir tikslumu, tuo labiau režisieriaus, kuris anksčiau tik tvarkė dokumentinius filmus. Nors jis kiek stengiasi išlaikyti savo istoriją įtikinamą visas 97 minutes - ką Spąstai pasiūlymai savo pasakojimo vykdymu nusveria visas problemas. Žaidimas su realybės suvokimu maišant žudikus, fantomus ir siurrealistinius vaizdus - Spąstai dažnai kelia siaubą, nes jos daugybė veikėjų desperatiškai bando atremti savo nesustabdomą užpuoliką: normalus vyras, apsivilkęs baltą kostiumą, mojuodamas skydeliu. Teshigaharos siaubingo žudiko žmonija veikia kaip pirmasis iš daugelio socialinių komentarų, kuriuos jo darbai pateikia tik pagal savo įvaizdį - niekada neaukojant laiko ar patikimumo taško stūmimui namo. Nėra kairiųjų pažiūrų, Spąstai išlaiko savo jėgą kaip kankinanti kino patirtis: pateikiamos kelios šokiruojančios scenos, kalbančios apie Teshigaharos metodo aiškumą ir meistriškumą, nes jis net labiausiai pavienėms akimirkoms įkvepia platų emocijų spektrą, kuris taip laisvai šoka aplink vienas kitą - derinamas nuo humoro iki siaubo širdies plakimas. Nedaugelis debiutų taip kruopščiai žinojo savo šeimininko karjeros kelią.

22. Tokijo prieblanda (1957)

Paskutinis Yasujirō Ozu juoda ir balta juosta, Tokijo sutemos rinkliavos kaip kontekstinis vyro monochromatinių išvykų elegijus, taip pat galbūt ir pats niūriausias jo bruožas. Žymus Ozu pasislinkimas nuo savo paties 360 laipsnių taisyklės, o ne sėdėti už veikėjų, jų paniurę veidai, pakeisti nepaprastai tuščia, šalta plaukų galva, yra meistriškas nukrypimas nuo jo būdingo blokavimo ir komponavimo kur kas niūresniam reikalui - vienas jo atspindys. pagrindinių žaidėjų nepalenkiama padėtis. Tokijo prieblanda ima ženklus iš „Hollywood noir“ su savo užsitęsusiais šešėliais ir purvinais, netobulais etapais, kad sukurtų visuotinai negailestingą, galų gale netikslų kino pasaulį, kuris savo niūriomis emocinėmis paralelėmis veikia mūsų pačių visuomenę, o ne neproporcingą distopiją, kuri laiku prarastų blizgesį. Išskirtinis, labai neapsaugotas brangakmenis.

21. „Eureka“ (2000)

Ilgiausias šio sąrašo filmas „S“ „Eureka“ tęsiasi dėl s- ir manau, kad būtų nedovanotina atskleisti bet kurią jos siužeto liniją. Net turtingiausiais pastarojo meto kino atminties metais „Eureka“ vis dar priskiriamas prie geriausių 2000 m. ir iš tikrųjų viso dešimtmečio filmų: iškilmingas, vizualiai ryškus ir unikalus & hellip; Japonų sielvarto portretas. Tik tokioje šalyje tokį blaivumą ir įtakojančią melancholiją būtų galima derinti su taktiliu humoro, švelnumo ir nesąmoningai sveikinamu absurdu - visa tai įpinta į aukštą žmogaus emocijų gobeleną, kurį paprasčiausiai reikia pamatyti. Neskaitykite jokių konspektų- nežiūrėkite į tai- tiesiog pamatykite „Eureka“ .

20. Kerštas yra mano (1979)

Režisierius Shohei Imamura yra nepadoraus kino viršūnė. Jo tamsūs, sugadinti personažai ir konfrontacijos pripildytos situacijos išreiškia begėdišką susižavėjimą žmogaus sielos sugadinimu. Kerštas yra mano. Ryūzūo Saki pasakojimas apie serijinį žudiką Akira Nishiguchi perkeliamas įaudrinančiu rafinuotumu: giliai smurtaujančio, sociopato ir vis dėlto neabejotinai tikro žmogaus pateikimas su visomis mūsų savitomis savybėmis, užmezgus jo amoralaus sunaikinimo lizdą. „Imamura“ žingsnis nesuderinamas su srautu, kaip nurodyta, bet manau, kad šiuo atveju istorija garantuoja ilgesnį vykdymo laiką ir galiausiai suteikia nepakartojamą metafizinę rezoliuciją tokiam žiauriam kūriniui, raginančiam vėją ir pačią žemę priėmė paskutinį savo sprendimą.

19. Yojimbo (1961)

Veiksmo kino sferoje mažai kas papuola į mūsų kulnus Jojimbo . Patrauklus Kurosawos leitmotyvo naudojimas įgauna jo veikėjų žingsnį, taip pat padeda palengvinti įtampą ir bet kokius „Morricone“ balus. Aštrių veiksmų sekas šiek tiek prigesina vingiuotas garso dizainas ir viešo vaidinimo įvertinimas - kažkas panašaus Likimo kardas ir Nužudymas neturite jokių problemų - bet tai, ką ji duoda mainais, yra nuolat komiškas „Red Harvest-Mifune“ pagrindas, pasirodantis klasikiniu spektakliu, kuris sklinda fizine asmenybe ir protu, dirbdamas pagrindiniu akmeniu, kuris, be abejo, yra geriausias tiesiai į viršų. kada nors sukurtas veiksmo filmas.

18. Klausymas (1999)

Perklausa yra filmas su karštligiškai tiksliu savo tono valdymu. Takashi Miike'as, kitaip pataikęs ir praleidęs savo vardą, padarė rezultatyvią, kartais vaisingą karjerą, kuri suteikė gyvybės tokiems svarbiems klasikams kaip: Lankytojas Q ir Akis - bet nedaug apie jo režisūros stilių išoriškai perteikiamas pasitikėjimas ir aštrūs įgūdžiai, reikalingi norint įveikti ką nors taip įžūliai susuktą kaip Perklausa . Kur kas labiau subrendęs nei bet kuris iš aplinkinių kūrinių, Miike'o opusas žiauriai ir efektyviai tyrinėja paprastą prielaidą: kiekvieną švelnią akimirką sugadina subtiliai niūri paletė ir klaikus žingsniavimas, kuris kiekvieną sceną nukreipia į barzdaskutės kraštą, kai kažkas vyksta siaubingai neteisingai. Perklausa yra hipnotizuojantis to be galo susižavėjimo kupino japoniško komforto ir žanro filmų kūrimo viršūnė: atskleisdamas jo krištolo aiškumo mįslę, pasieksi transcendentiškai šokiruojantį efektą. Matyti yra tikėti.

17. Bėgo (1985)

Garsiausia Kurosawa Shakespeare'o adaptacija - jei tokia, kuri, mano galva, atiduoda per daug dirvožemio savo įkvėpimui. „Kingas Learas“ yra nepriekaištingas kūrinys, tačiau ekrane jis atsilieka nuo vangaus šlifavimo, kurio nepavyksta atgauti stulbinančio pojūčio, kuris yra pirmosios 85 minutės. Nuo pat pradžių iki neaprėpiamai gilios apgulties sekos Bėgo yra šedevras: Kino meniškumo riekė, neprilygstama Kurosawa daugiau nei įspūdingam kūriniui, ir neabejotinas „Top 10“ apavas. Tačiau po šio meistriškai sukaupto kaupimo ir atsipirkimo Kurosawa tęsia pasaką apie karalių Learą taip, kad jis sklandytų nepaisant tobulai suvaidintos piktadarės Lady Kaede pastangų, nuobodžiai ir lygiai. Tai tikra gėda Bėgo iššvaisto tiek daug galimybių, mano nuomone, dėl ištikimybės, bet bent jau pirmosios pusės kaitrinė liepsna dega pakankamai ryškiai, kad užsitikrintų vietą 20 geriausiųjų.

16. Princesė Mononoke (1997)

Hayo Miyazaki tamsiosios fantazijos viliojimas niekada nebuvo toks sudėtingas. Bet koks filmas su pranešimu paprastai nesugeba jo perduoti rafinuotai ir taip taikliai pasakė Orsonas Wellesas: „Tai gali būti parašyta ant smeigtuko galvos“. Buku ir akivaizdus pranešimas Princesė Mononoke , tačiau širdyje skamba šiek tiek teisingiau, nei galvoje. Miyazaki kruopščiai sukonstruota takoskyra tarp vyrų ir pabaisų kelia įdomų palyginimą su tuo, kaip senovės žmonės matė mūsų pasaulį, ir kaip neišvengiamas jų civilizacijų žlugimas vieną dieną gali atspindėti mūsų pačių. Jos simbolių mistika ir mistika yra pagrindas, leidžiantis Mononoke peržengti tradiciškai nykių žinučių filmo spąstus - be žodžio praslysti visur esančiame eilutėje, kiekvienas veiksmas padovanoja jam gravitas ir tuo sustiprindamas kino efektą to, kas rodoma ekrane. Čia demonstruojami tarpusavio santykiai kalba apie gilų Hayo Miyazaki, kaip filmo kūrėjo, talentą ir kad jo darbas yra daugiau nei akinantis kūrybiškumas.

15. Rudens popietė (1962)

Manau, kad galėčiau pakomentuoti Rudens popietė , būtų švaistyti kvapą, kurį jau praleidau nagrinėdamas filmą, kurį Ozu sukūrė per dešimtmetį prieš tai, kai jis čia perdarė savo paskutinį filmą. Rudens popietė yra lygiai taip pat elegiškas, subtilus ir melancholiškas, kuris sugeba išplėtoti keletą pirmame filme išdėstytų koncepcijų ir jas išplėsti. Tai atsitraukia nuo kai kurių originalo elementų, kad būtų galima sutelkti dėmesį į kitas idėjas, o tai suteikia retą galimybę dideliam menininkui įjungti tą patį gylį toje pačioje formoje. Ozu praleido visą savo karjerą kurdamas labai panašius filmus, tačiau kiekvieną kartą sugebėdamas išgauti naujas žmonių sąveikos sritis ir kurti kai kuriuos geriausius kada nors sukurtus filmus. Palikęs tokį garbingą palikimą, vyras galėjo baigti savo bėgimą bet kokiu būdu. Rudens popietė yra tobulas artimas jo tviskančiam kūriniui.

14. Kraujo sostas (1957)

Meistriška adaptacija, jei kada nors buvo , Kraujo sostas paima neprilygstamą Šekspyro „Macbeth“ ir suklastoja savarankišką meninį tekstą. Toshiro Mifune kontroliuojamas, niokojančiai žmogaus nusileidimas į žmogžudišką išprotėjimą išlieka vienu geriausių vyro vaidmenų, o pats Kurosawa savo filmą pažymi išskirtiniais vaizdais, kurie beveik neatitinka režisieriaus, atsiribojusio nuo centralizuotos ikonoklastinės praktikos. Vis dėlto tai yra Kraujo sostas todėl jis toks masyvus. Toks įtraukiantis ir antgamtiškas. Klimatinės atakos metu matoma viena geriausių kada nors filmo pateiktų personažo išvadų ir ji cementuojama kaip meno kūrinys, kuris kažkaip visiškai aplenkia savo tėvų pjesės impozantišką šešėlį.

13. Tokijo istorija (1953)

Kalbant apie 5-ojo dešimtmečio orientyrus, yra keletas filmų, kurie taip neišvengiamai palaiko jūsų, kaip kino kūrėjo, siekius, Tokijo istorija . Blizganti nepriekaištingos Yasujirō Ozu filmografijos viršūnė, visada geriausiu atveju, tai filmas, kuriame nuginklavimo požiūriu paprasta kino kalba siekiama auskarų, intymių efektų. Publika susėda su veikėjais - ramūs važinėtojai į šeimą, pamažu žeminančią vyresnę kartą paleidžiantys iš savo gyvenimo. Ozu visiems savo personažams leidžia balsą, sukuria elegantiškas ir paveikias apreiškimo akimirkas ir per vieną 136 minutes juda fotoaparatu. Nėra objektyvaus „didžiausio“ ar net „puikaus“ ​​filmo, bet tiems, kurie renkasi žiūrėti pagal tokias svetaines, turiu pridurti, kad Tokijo istorija yra pats geriausiai įvertintas „Puvusių pomidorų“ kūrinys su neįtikėtinu 9,7 balo vidurkiu. Pakanka pasakyti, kad tai kantrus, reflektyvus žvilgsnis į gyvenimą ir amžių palietė daugelį neišmatuojamai ir garantuoja, kad kiekvienas, skaitantis šį sąrašą, turėtų tai sau leisti.

12. Gaisrai lygumoje (1959)

Iš Kon Ichikawa, neabejotinai įtaigiausiai humanistinės pokario japonų kino figūros, Gaisrai lygumoje pasakoja pasakojimą apie vieną žmogų, pralaimėjusį pralaimėtoje kovoje Antrojo pasaulinio karo įkarštyje. Tai filmas, drąsus savo vienišumu - vaizduojantis karo laikų situacijas laisvame kraštovaizdyje, kuriame nėra gyvenimo ir knibždėte knibžda tuštumos, kiekviename kampe yra dar viena Odisėjo figūra, skirta arba palydėti, arba sunaikinti mūsų atgyvenusį herojų. Kaip ir kalbant apie epinę Homero poemą, Ichikawa suvokimas apie didesnį paveikslą sukuria tankų emocinį pasaulį, kuriame mūsų herojus yra galvosūkis, kurį perkelia ir motyvuoja toli nuo priekinių linijų esantys generolai. Tai filmas, trykštantis savo izoliacijoje, praleidęs namus ir išgyvenimo teroro vedamas į amoralius veiksmus. Praėjusio amžiaus 5-ajame dešimtmetyje meistriškas, tačiau nepaprastai svarbios pramonės atstovės darbas.

11. Samurajų maištas (1967)

Pagrindinė Masakai Kobayashi dramos stiprybė yra ta, kad jis leidžia jai virti beveik dėl kaltės. Jo kruopščios kompozicijos ir nepriekaištingai suplanuoti veiksmai vis tvirčiau rutuliojasi aplink centrinį konfliktą - sausą kiekvieną kvėpavimo kambario centimetrą, kol belieka tik veikti - būtinybė veikti - pagrindinė vertybė nuolat veikiantiems jo veikėjų moralės idealams. Į Samurajų maištas , pats veiksmas yra po ranka net perskaičius pavadinimą, tačiau vyras groja juo kiekvieną sekundę - smulkiomis žvilgsniais link pirmojo traukiamo kardo, kol galiausiai išsprendė karčią, žiaurią ir galiausiai kruviną aferą, kuri tęsiasi negailestingai. griežtumas Kobayashi taip gerai įgyvendinamas: nepalyginamas sugebėjimas sukonstruoti galutinį savo veikėjų neišvengiamumą ir įsijausti į juos kiekviename žingsnyje. Būtent Samurajų maište šis atrankinis humanizmas pasiekia labiausiai žadinančias aukštumas ir vedasi į vieno didžiausių Japonijos menininkų karjeros kulminaciją.

10. Erotas + žudynės (1969)

Iš visų „Naujosios bangos“ režisierių, kurie yra psichoseksualumo sinonimai, nė vienas neprilygo jaudinančiai užtikrintam velniško Yoshishige Yoshida kūrybos labirintui. Ošima ir Imamura, priešingai, vien tik įtikinamai vertina tuos pačius dalykus, vienas įtikinamiau už kitus, ir tik Kijai pavyksta perverti savo egzistencinio apmąstymo esmę tokiais stulbinančiais kinematografiniais bravurais. Ne, kur yra šis užburiantis psichoseksualaus pasakojimo ir jo sukeltos estetikos įvaldymas Erotas + žudynės , Yoshidos epinė 215 minučių avangardinė parabolė, nesuprantama regėjimo, garso ir apčiuopiamo prisilietimo euforija ...

9. Mano kaimynas Totoro (1988)

Žvilgančiu vaikystės magija, „Mano kaimynas Totoro“ yra be galo džiaugsmingas filmas. Aš tik ką pagaliau atradau būdamas 18 metų, bet neįtikėtinas grožis ir sugebėjimas stebėtis mane dar kartą pakvietė į jaunesnį, o gal tiesiog mažiau cinišką. Dažnai didelė žmogaus patirties našta reikalauja reikalauti eskapizmo arba trokšti nuolatinio realizmo, tačiau tai, ką Totoro daro, iškelia jį aukščiau nei bet kuri kita kada nors sukurta animacinė funkcija, visiškai ignoruoja savo auditorijos norus ir pateikia istoriją, kuri vietoj to leidžia jums ateiti tai viliojanti savo vešliu vizualiniu dizainu, atšokusiais personažais ir paslėptų gamtos lobių atradimu greta savo vedlių. Užuot kreipęsis į vaiką, kuris kažkada buvome, Totoro leidžia sau pasinaudoti platesniu nuotykių ir vilties jausmu, investuotu į gilesnę mūsų planetos paslaptį. Atlygis už tokį tikėjimą yra žvilgantis Japanimation deimantas: švytintis, visuotinai judantis ir absoliučiai esmingiausias.

8. Kito veidas (1966)

Kraupiai epochinė šiuolaikinio gyvenimo diagnozė per tyliai treniruotus tamsios fantazijos kryžkeles „Kito veidas“ tyrinėja subjauroto žmogaus patirtį po to, kai jo stebuklingas naujas veidas pradeda užgožti seną asmenybę. Teshigaharos darbas visada yra pakankamai niuansuotas, kad būtų rodomas ištiestos rankos atstumu, o tyliai graibstydamasis po griaučių pirštais, o 1966 m. Meistriškumas arčiausiai atskleidžia tikrąją jo prigimtį: grėsmingas režisieriaus kompozicijas ir ryškius siaubo vaizdus atneša tiesiai į metropoliją ir žvilgsnį į miesto bedugnė su ta pačia atokia vizija, kuri po dešimtmečio taip ryškiai atgaivino Travisą Bickle'ą „Taksi vairuotojo“ gyvenime. Kūrinys, skirtas konkuruoti „Personai“ ir „užtemti sekundes“ tais pačiais metais už iššūkį keliančią noro, asmenybės ir tapatybės provokaciją - „Kito veidas“ yra gyvybiškai svarbus kinas: Teshigaharos metodo ir kūrinio triumfas, taip griežtai suvyniotas į savo nepriekaištingą idėjų ir atmosferos būtų nusikalstama atskleisti daugiau savo paslapčių. Pasižiūrėk pats…

7. Rashomonas (1950)

Vienas iš mano asmeninių vartų į pasaulio kiną, Akira Kurosawa Rashomonas tapo tokia neatsiejama kino kultūra, kad buvo pradėta kalboje apibūdinti psichologinį poveikį, kurį jos veikėjai turi: Kiekvienas iš jų pateikia prieštaringus liudijimus kraupaus išprievartavimo / nužudymo byloje. Kurosawa gyvybingumas yra visiškai rodomas, tokios novatoriškos fotoaparato technikos, kaip šaudymas tiesiai į saulę ir uždengimas ją per žalumyną, kad kiekviena miško scena būtų tokia pat abstrakti kaip ir jos kolegos teisme. Ginkluojantis paprastumas Rashomono nenugalimas siužeto kabliukas suteikia galimybę komentuoti žmogaus tiesą, moralę ir turtingą kino patirtį, kurioje garsieji Kurosawa demonstruoja įnirtingą kardą. Rashomoną supančiame dialoge yra mažai ką pridurti, išskyrus tai, kad jis ir toliau jaučiasi dešimtmečiais anksčiau laiko. Galima tik įsivaizduoti sensaciją, kai pamatysite šį kelią dar 1950 m.

6. Harakiri (1962)

Harakiri yra maždaug tiek pat stipri, kiek gaunasi filmai. Režisierius Masakai Kobayashi, pradėdamas maždaug taip paveikiančiu kadrą, kaip galima įsivaizduoti, sukuria reiškinį, kuris išlieka vienu iš visų laikų labiausiai giriamų filmų: Nepaisant to, ką turėjau pirmiausia, reitingas tarp geriausiai įvertintų filmų daugumoje vartotojų svetainių. daroma prielaida, kad mažėja patrauklumas. Tai yra kruopščiai kantrus, apsukriai įkvėptas japonų garbės kodekso tyrinėjimas - vis dar gaji žaizda po karo 1962 m., Prie kurios Kobayashi priartėja ne tik kaip prie kraštiečio, bet ir kaip prie žmogaus. Kiekvienas kraujo lašas išsiliejo Harakiri kalba apie kankinančią menininko neapykantą mirčiai ir smurtui: beveik taip, tarsi jam skaudu būtų pateikti tokį žiaurumą ekrane. Šiandieniniame pasaulyje tokia tvirtai žmogiška kryptis yra dieviška - ji yra pagrindinė filmo pabaigos akmuo. Be visų dalyvaujančių žmonių atsidavimo, Harakiri būtų buvę pamiršta kaip dar viena gudri drama, griežtai sukurta, bet šiaip kukli. Harakiri šiandien sėdi čia, nes „Masakai Kobayashi“ rūpi labiau, nei galėtum įsivaizduoti, ir aš manau, kad ji savo ryškia, palaiminga elegancija yra tarp didžiausių 1960-ųjų filmų.

5. Septyni samurajus (1954)

Labiausiai įvertintas filmas, kada nors pasirodęs iš Japonijos, „Septyni samurajus“ sudegino neišdildomą žymę ant laikmenos ir vis dar turi šaknis šių dienų veiksmo kine. Kurosawa lietaus skandinta daugiakamerių kulminacija ne visai užtemdo Rano pilies apgulties pranašišką gausumą, tačiau ji ir toliau informuoja apie tai, kaip mes supjaustome veiksmų sekas, net jei šiuolaikiniai redaktoriai gali nepastebėti, kad tai daro įtaką. Toli virš savo patvarios kultūrinės galios slypi įtikinamas Seveno Samurajaus apibūdinimas: sukurti visą turtingų figūrų pasaulį, kuriam nepaprastai padeda kruopštus Kurosawa metodo išplėtimas net iki mažiausios dalies, kad jo vizija apie feodalinę Japoniją būtų kuo labiau įtraukianti. Šis iš esmės sukurtas meistriško veiksmo ir šviesaus pasakojimo tiglis lemia pagrindinį kino kūrinį, kuris paveikia, įelektrina ir galiausiai mums palieka tokią drąsią ir galingą filmo pabaigą, kokią aš kada nors mačiau. Nusipelnyta kuokštė ant tarptautinio kino panteono.

4. Blyški gėlė (1964)

Jei ne tik du žodžiai būtų išsklaidyti didžiųjų japonų filmų sąraše, Masahiro Shinoda vardas nebūtų įsiliejęs per dešimt pėdų nuo šio sąrašo. Turint omenyje jo indėlį į puikų japonų kiną, dėl kurio yra gėda, ir manyti, kad tokio meistriškumo beveik neišvengė moksliniai tyrimai, tai pasakyti ką nors iš daugybės filmų maldauja iš naujo atrasti. Pagirtas išleidus ir tyliai išleistas „Criterion“ kolekcijos, Blyški gėlė yra vienas didžiausių visų laikų kriminalinių filmų. Tiesiog stebint lošėją ir jo naują meilę, patekusią į nevilties degradacijos ir užsidegimo spiralę - tai tebėra vienas iš drąsiausiai tamsių, reginčių kūrinių, norint išvengti Japonijos naujosios bangos lūpų: kadruoti vieną iki galo ir tai suteikia tokį pat transcendentinį kino efektą, kaip ir bet kuris mažiau ekstremalus Ozu ar Kurosawa darbas. Šinoda niekada nebus laikomas vienu iš didžiųjų, bent jau plačiosios visuomenės, bet aš bent jau tikiuosi, kad žmonės yra priversti atrasti jo kiną iš šio nusikalstamo tobulumo tiglio: toks žalias ir nesuvaržytas darbas, kaip pernelyg stimuliuojami perdėtos kontrkultūros šurmulys ir tuo pačiu metu giliai subtilūs ir kontroliuojami kaip bet kuris mano matytas filmas. Jo kruopštus, stebuklingas ir nesąmoningai nepastebėtas. Ištaisykite tai.

3. Moteris kopose (1964)

Jei Kiju Yoshida ir jo Erotas + žudynės yra aukšto meno psichoseksualumo čempionas - tada Hiroshi Teshigaharos Moteris kopose yra mitinis palyginimu. Perkeltas iš seniai bendradarbiaujančio Kōbō Abe švenčiamo šaltinio romano, beveik kenkėjiškas Teshigaharos metodas čia užjaučiamas labiausiai ir kankinančiai. Neryškios represuotos žmonijos šviesos šviečia per besikeičiančius smėlius, kurie supa mūsų du vargus protagonistus - žmones, priverstus į pačią pirminę būseną, kad išgyventų susikaupę. Iš tikrųjų Moteris kopose , atsparumas yra pateikimas. Niekas nėra šventas. Niekur nėra saugu nuo žiaurių beveik niekur nedalyvaujančių kaimo gyventojų akių, kurie pasmerkia mūsų herojus į jų pragarišką duobę. Tai puiki koncepcija, nepriekaištingai kinematografiškai atlikta Hiroshi Teshigaharos, taip pat sukuriant, mano manymu, efektyviausią legendinio kompozitoriaus Toru Takemitsu partitūrą. Sutelkę tris neįtikėtinai pasitikinčius menininkus ta pačia gysla kaip De Niro, Scorsese ir Schraderis Taksi vairuotojas - Moteris kopose yra savas, lygiomis dalimis žmogus ir neišvengiamai bauginantis žvėris. Siaubingas, esminis meno kūrinys.

2. Vėlyvas pavasaris (1949)

Vėlyvas pavasaris yra šiuolaikinės monotonijos apreiškimas: demonų egzorcizmas, reikalaujantis šios vietos ir laiko, turi būti ne tik užrakintas, bet ir paslėptas, tarsi jų nebūtų. Nors skausmingas noras išreikšti šiuos siaubus niekada nėra visiškai atlaisvintas, galime aptikti kiekvieno akies kampe, tarp kiekvienos eilutės žodžių ir dažnai tyliai ūžia kiekvieno kambario centre. Taigi pasauliui, taip paviršutiniškai prisotintam dantytų šypsenų ir švelnių melodijų, Ozu Vėlyvas pavasaris taip pat tvyro visiškos nevilties atmosfera: baimė, kad mūsų nepriims - kad kiekviena išraiška gali sukelti pralaimėjimą, todėl mes geriausiai vadiname trasą neatšaukiama, o ne rizikuojame ir stovime trasos viduryje. Jo grįžtamasis kartų susirėmimų pavyzdys yra jo šerdis Vėlyvas pavasaris kruopščiai tvarkė dramą, bet manau, kad čia daugiau nei bet kurie kiti jo darbai (ar galbūt bet kuris filmas, kurį sukūrė aplinkiniai dešimtmečiai): Ozu pavyko rasti tobulą pabaigą. Pasiekti aiškų savo temų ir savo personažų jausmų apibendrinimą nėra lengva. Juolab, kad reikia surasti tokią akimirką, kokia yra ypatingai tranki, kaip gimė čia, todėl siūlau visiems dramatiško rašymo, režisūros, gamybos ar tiesiog cinephilic palūkanos Vėlyvas pavasaris tiesiai jų stebėjimo sąrašo viršuje. Patikėk manimi: tai pakels tave.

1. Aukšta ir žema (1963)

„High & Low“ yra iš esmės neįmanoma kino teatro veikla. Jis tęsiasi po sunkiai suvokiamu elementu, kurio branduolys yra toks konfliktuotas, kad, atrodo, nėra ko rasti. Iš paviršiaus trūksta niuansuotos, bet vis dėlto didžiulės septynių samurajų galios, taip pat lėtai degančio pragaro, kuris vėlyvo pavasario pabaigoje siautėja žudančia tyla. Tiesą sakant, „High & Low“ derina abu dalykus: taip preliminariai vaikšto tarp kasdienių žmonių, bijodamas patirti daugiau ligų, išsigimimų ir priklausomybės - daugiau godumo, pavydo ir negailestingo amoralumo, kuris be galo trykšta už kiekvieno gatvės kampo. Tai filmas, bauginantis to, ką jis mato žmogaus būsenoje, o tai taip aiškiai skaudina Kurosawą įdėti į ekraną, ir būtent jo kintanti kūrybinės savęs slopinimo srovė užtikrina jos garbingą svarbą. „High & Low“ įžūlumas sutampa su visišku beviltišku, banaliu žiaurumu, kuris slypi mūsų širdyse - iki to, koks negražus ir pribloškiantis visas pasaulis yra bedvasės savitarnos prisotinimas. Galbūt už tai, kad pagaliau atsigręžėme ir atpažįstame, tampame geresniais žmonėmis. Geba suprasti, kad bijoti yra gerai, jei tik sutinki su nepaaiškinamu. Nesumokėta. Galų gale vienintelis paguodas, kurį kada nors gali rasti, yra atleidimas. Jei ketinate žiūrėti bet kurį filmą iš šio sąrašo, padarykite tai.

Copyright © Visos Teisės Saugomos | cm-ob.pt