10 filmų kaip kitoks vyras, kurį privalote pamatyti

„Kitoks žmogus“ pasineria į sudėtingus tapatybės, savęs suvokimo ir persekiojančio praeities gniaužtų sluoksnius. Režisierius Aaronas Schimbergas, o pagrindinį vaidmenį atlieka Sebastianas Stanas psichologinė drama seka vyrą, kuriam atliekama veido rekonstrukcijos operacija, tačiau jis yra apsėstas aktoriaus, vaizduojančio jį scenos spektaklyje, paremtame jo gyvenimu. Baisi filmo atmosfera ir aštrus susvetimėjimo tyrinėjimas paverčia jį nepamirštamu potyriu, kuris išlieka dar ilgai po titrų pasislinkimo. Jei jus privertė nerimą kelianti psichologinė įtampa ir charakterio nulemtas pasakojimas apie „ Kitoks vyras “, yra daugybė filmų, siūlančių panašias temas. Nuo sulaužytų tapatybių tyrinėjimo iki tamsių kampelių žmogaus apsėdimas , šie filmai užfiksuoja tą patį intensyvumą, kartu papildydami savo unikalų sukimąsi. Šiame sąraše pateikiami filmai, panašūs į „Kitoks žmogus“, kuriuose susilieja psichologinės dramos, tapatybės krizių ir persekiojančios savirefleksijos elementai.

10. Akys be veido (1960)

Georges'o Franju „Akys be veido“ yra persekiojantis ir poetiškas kaltės, apsėdimo ir tamsaus atpirkimo ieškojimas. Filme pasakojama apie daktarą Génnessier, puikų, bet moraliai susikompromitavusį chirurgą, kurį kankino kažkada švytinčios dukters Christiane subjaurojimas po jo sukeltos automobilio avarijos. Apimtas kaltės jausmo ir noro atkurti jos grožį, jis pagrobia jaunas moteris, padedamas savo ištikimos padėjėjos Luizės. Savo nuošaliame dvare jis atlieka groteskiškus eksperimentus, chirurginiu būdu pašalindamas savo aukų veidus, desperatiškai bandydamas įskiepyti juos ant Christiane.

Adaptuotas iš Jeano Redono to paties pavadinimo romano, Franju filmas yra šiurpinantis kūno mišinys siaubo ir psichologinė drama. Filme pagrįsta, tačiau nerimą kelianti prielaida prisiliečia prie visuotinės tapatybės baimės ir žmogaus tobulumo trapumo. Svajingi vaizdai, klaikios chirurginės sekos ir siaubingai aistringa Christiane kaukė pakelia jį į anapusinį lygį. Kaip ir „Kitoks žmogus“, „Akys be veido“ nagrinėja subjaurojimo, savęs suvokimo ir apsėdimo temas. Abu filmai tyrinėja, kaip fizinė transformacija arba jos siekimas: atskleidžia gilesnius emocinius randus, todėl Franju klasika tampa puikiu Schimbergo psichologinės odisėjos palydovu.

9. Beast (2017 m.)

Režisierius Michaelas Pearce'as, „Žvėris“ yra provokuojantis ir atmosferinis personažų tyrimas, kuris privilioja žiūrovus į iškreiptų troškimų, paslėptų paslapčių ir emocinių neramumų pasaulį. Filmo centre – Moll (Jessie Buckley), jauna moteris, gyvenanti slegiančioje savo šeimos valdžioje, kuri romantiškai užmezga ryšį su Paskaliu (Johnny Flynn), paslaptingu ir galbūt pavojingu žmogumi, turinčiu tamsią praeitį. Kai jiedu susipina į intensyvius, nepastovius santykius, Molo emocinės kovos ir jos noras išsivaduoti iš praeities susiduria su persekiojančiomis, neišspręstomis Paskalį supančiomis paslaptimis. Tai, kas prasideda kaip iš pažiūros paprastas romanas, netrukus virsta nervinga paslaptimi, o tiesa apie Pascalio personažą pamažu išaiškinama nenuspėjamai ir nerimą keliančiais būdais.

Filmas labai remiasi psichologinio trilerio žanru, jo lėtas pasakojimas ir stulbinantys pasirodymai perkelia emocinės filmo kelionės svorį. Buckley, kaip Moll, pasirodymas yra neeilinis, fiksuojantis moters, įstrigusios tarp meilės, kaltės ir tapatybės, sudėtingumą. Kaip ir kitoks žmogus, „Žvėris“ nagrinėja transformacijos – tiek fizinės, tiek psichologinės – ir traumos poveikį savęs suvokimui. Abiejuose filmuose dėmesys sutelkiamas į labai neramius personažus, naršančius savo vidinių kovų labirinte, parodydami, kaip meilė gali susipainioti su manipuliacijomis ir manija. Visceralinis filmo „Žvėris“ intensyvumas atspindi emocinę sumaištį filme „Kitoks žmogus“, todėl tai tinkama rekomendacija tiems, kurie ieško panašiai nerimą keliančių tapatybės ir santykių tyrinėjimo.

8. Kregždė (2019 m.)

„Kregždė“ yra iškalbingas ir persekiojantis moterų priespaudos, traumų ir fizinio emocinio skausmo pasireiškimo tyrinėjimas. Carlo Mirabella-Daviso režisierius seka Hunter (Haley Bennett), iš pažiūros tobulą priemiesčio namų šeimininkę, kuri ima priverstinai ryti nevalgomus daiktus – toks veiksmas suteikia jai jausmą, kad ji gali kontroliuoti kitaip slegiantį ir slegiantį gyvenimą. Hunter padėtis yra ne tik jos vartojami daiktai, bet ir jos kovos siekiant susigrąžinti valią gyvenime, kurį diktuoja visuomenės lūkesčiai ir kontroliuojanti, įžeidžianti santuoka, simbolis. Kai ji tampa vis labiau izoliuota dėl savo keisto elgesio, Swallow giliai įsigilina į emocinius randus, kuriuos paliko jos vyras (Austinas Stowellas) ir toksišką jos šeimos dinamiką, atskleisdama atšiaurią gyvenimo realybę, kuri nuolat stebima.

Kregždės vaizduojamas psichologinis ir fizinis sužalojimas rezonuoja su autentiškumu, fiksuodamas moters, įstrigusios paauksuotame narve, neviltį. Hunter kelionė vaizduojama stulbinančiai jautriai, nes jos prievartos yra šauksmas dėl laisvės iš pasaulio, kuris slopina jos dvasią. Bennetto pasirodymas užburia – jautrus, stiprus ir pažeidžiamas vienu metu – todėl Hunterio vidinė kova tampa apčiuopiama. Lygiai taip pat, kaip „Kitoks vyras“ vaizduoja savęs tapatybės ir kovos už autonomiją sudėtingumą, „Kregždė“ nušviečia kraštutinumus, į kuriuos moteris eis, kad atgautų savo gyvenimo ir kūno kontrolę. Abiejuose filmuose nagrinėjamos transformacijos temos, kai pagrindiniai veikėjai siekia išsivadavimo pasaulyje, kuris juos apibrėžė ribojančiais ir žalojančiais būdais. Dėl emocinio intensyvumo ir katarsio filme „Swallow“ jis yra puikus palydovas žiūrovams, kuriuos traukia „Kitoks žmogus“, nes abu filmai meistriškai sprendžia žmogaus troškimą išsivaduoti iš visuomenės lūkesčių ir asmeninių traumų grandinių.

7. „Challed For Life“ (2018 m.)

„Chained for Life“ – niūriai introspektyvus ir eksperimentinis filmas, tyrinėjantis tapatybės klodus ir fizinių deformacijų išnaudojimą kine. Aarono Schimbergo filme pagrindinis dėmesys skiriamas Rosenthaliui (Adam Pearson), subjaurotam aktoriui, vaidinančiam mažo biudžeto siaubo filme, kuriame jis vaidina personažą, įkūnijantį visuomenės baimes dėl „bjauraus“ ir siaubingo. Rosenthaliui stengiantis prisiminti savo eilutes ir naršyti dažnai nuodingoje kino pramonės aplinkoje, jis svajoja apie paprastesnį, labiau socialiai priimtiną padavėjo gyvenimą – vaidmenį, kuris jam atrodo toks pat nepasiekiamas kaip ir kinematografinės svajonės.

Filmas ištrina ribas tarp tikrovės ir fantastikos, siūlydamas sąmoningą meditaciją apie fizinių anomalijų ir su jomis susijusių visuomenės stigmų vaizdavimą. Jame kritikuojama, kaip filmų kūrėjai dažnai išnaudoja iškraipymus, siekdami šokiruoti arba piktadarius vaidmenis, kuriuos simbolizuoja fone kabo „bjaurusis“ monstro personažas, laukiantis, kol bus vėl panaudotas. Tai darydama „Chained for Life“ atskleidžia žalingą, redukcinį objektyvą, per kurį populiariojoje kultūroje dažnai žiūrima į žmones, turinčius fizinių skirtumų.

„Chained For Life“ pateikia aštrų komentarą apie žmonių, turinčių matomą negalią, nužmoginimą ir kitoniškumą. Panašiai kaip „Kitoks žmogus“, kuriame nagrinėjamos savęs tapatybės ir transformacijos temos, „Chained for Life“ išskaidomos vidinės ir išorinės gyvenimo pasaulyje, kuris jus apibrėžia jūsų išvaizda, kova. Filme tyrinėjama įtampa tarp asmeninio troškimo ir visuomenės lūkesčių atspindi vidinius konfliktus, matomus filme „Kitoks žmogus“, kur pagrindinis veikėjas turi susidurti su tuo, kaip kiti suvokia jo išvaizdą. Abiejuose filmuose kalbama apie tapatybės atgavimą nuo kitų žvilgsnių, todėl „Chained for Life“ yra patrauklus ir verčiantis susimąstyti „Kitokio žmogaus“ atitikmuo.

6. Oda, kurioje gyvenu (2011 m.)

Pedro Almodóvaro filmas „Oda, kurioje gyvenu“ yra šiurpinantis ir kruopščiai sukurtas psichologinis trileris, nukeliantis žiūrovus į šiurpią kelionę į tamsias apsėdimo, tapatybės ir keršto užkaborius. Filme Antonio Banderas vaidina daktarą Robertą Ledgardą, žinomą plastikos chirurgą, kuris, sielvarto ir kontrolės poreikio vedamas, atlieka eksperimentinį odos persodinimą moteriai, vardu Vera (Elena Anaya), kuri paslaptingomis aplinkybėmis yra uždaryta savo dvare. Naratyvui besiskleidžiant, išryškėja iškreiptas ir nerimą keliantis Ledgardo eksperimentų pobūdis, priversdamas žiūrovus susidurti su nepatogiomis tiesomis apie žmogaus troškimą, manipuliavimą ir transformaciją.

Aiškus, metodiškas tempas ir aštraus emocinio intensyvumo akimirkos „Oda, kurioje gyvenu“ nustumia savo publiką į diskomforto gelmes, o išvados užgniaužia kvapą. Almodóvaro režisūra yra tiesiog nuostabi, nes jis meistriškai manipuliuoja istorijos paslaptimis, atskleisdamas jas tinkamu momentu, kad padidintų poveikį. Nenutrūkstamas fizinių ir psichologinių traumų vaizdavimas filme reikalauja aktyvaus žiūrovo įsitraukimo, apdovanojant jį tamsia pasitenkinimo patirtimi, kuri atsisako pasiūlyti lengvų atsakymų.

„Oda, kurioje gyvenu“ įkvėpta 1995 m. išleisto Thierry Jonquet romano „Tarantula“. Panašiai kaip „Kitoks žmogus“, filme nagrinėjamos tapatybės, kūno autonomijos ir transformacijos temos. Abiejuose filmuose, nors ir skirtingais metodais, tiriama psichologinė fizinių pokyčių žala: „Oda, kurioje gyvenu“ naudojant medicininius eksperimentus, o „Kitoks žmogus“ daugiausia dėmesio skiria veido persodinimo transformacinei galiai. Abu jie taip pat gilinasi į emocinį savęs suvokimo sudėtingumą ir skausmingas tapatybės paieškas pasaulyje, kuris dažnai apibrėžia asmenis pagal jų išvaizdą.

5. Siena (2018 m.)

Ali Abbasi vadovaujamas „Border“ yra užburiantis ir neįprastas filmas, kuriame tamsi fantazija susilieja su intymia, pagrįsta žmogiška drama. Remiantis Johno Ajvide Lindqvisto, to paties autoriaus, kuris sukūrė serialą „Let the Right One In“, apysaką „Gräns“, filmas pasakoja apie Tiną (Eva Melander), nepaprastą uoslę turinčią pasienio sargę, kuri atranda nepažįstamąjį (Eero). Milonoff), kuri dalijasi savo ypatingais fiziniais bruožais ir sugebėjimais. Gilėjant jų ryšiui, filmas virsta persekiojančiu tapatybės, priklausymo ir buvimo kitokiu susvetimėjimo tyrinėjimu konformiškumą vertinančioje visuomenėje. Mišinys iš fantazijos elementai o neapdorotas, emocingas pasakojimas paverčia Borderį trikdančiu ir giliai empatišku, sukurdamas keistą ir tikrą pasaulį.

„Border“ išsiskiria nepaprastu gebėjimu įžeminti savo antgamtinius elementus labai reliatyvioje ir apčiuopiamoje realybėje. Filme užfiksuotos įprastos detalės – lipni juosta ant šaldytuvo, kasdieniškos sąveikos – kartu pristatomi jo keistai antgamtiški elementai, sukuriamas tikrumo jausmas, kuris pritraukia žiūrovus. Protezai, muzika ir pasirodymai dar labiau sustiprina unikalią filmo atmosferą. Kaip ir „Kitoks žmogus“, „Border“ naudoja fizinės transformacijos ir gyvenimo nepažįstamame kūne susvetimėjimo temas, kad išnagrinėtų gilius tapatybės ir savasties klausimus. Abiejuose filmuose gilinamasi į išvaizdos transformuojančią galią, tačiau „Kitoks žmogus“ tai sprendžia per veido rekonstrukcijos objektyvą, o „Border“ naudoja savo pagrindinio veikėjo keistus, nežmogiškus bruožus, kad kvestionuotų visuomenės suvokimą apie grožį ir priėmimą.

4. Troškulio gatvė (2017 m.)

„Thirst Street“ yra gundantis psichodramos ir tamsios komedijos mišinys, kuris pasineria į apsėstą, tapatybę ir kliedesį. Ryškiame Paryžiaus fone Nathano Silverio režisierius seka Džiną (Lindsay Burdge), amerikietę skrydžio palydovę, kuri per persėdimą užmezga nelemtą romaną su barmenu iš Paryžiaus (Damien Bonnard). Tai, kas prasideda kaip aistringas polėkis, greitai išsiskleidžia, kai Džina įstrigo spirale besitęsiančiame apgaulės, nelaimingos meilės ir save naikinančios apsėdimo tinkle. Filmą skatina meistriškas Burdge'o pasirodymas, demonstruojantis įspūdingą veidų vaidybos spektrą – fiksuojant vidinį moters, pamažu prarandančios realybės jausmą, sumaištį.

Seano Price'o Williamso kinematografija prideda dar vieną vizualinio intensyvumo sluoksnį savo drąsiu kadravimu ir spalvų schemomis, kurios papildo filmo emocinį nepastovumą. Ryškus kontrastas tarp romantizuoto Džinos požiūrio į santykius ir šaltos realybės, su kuria ji susiduria, atspindi „Kitokio žmogaus“ temas, kurios taip pat tiria psichologinius sudėtingumus, kylančius keičiantis tapatybei. Abiejuose filmuose kalbama apie įtampą tarp savęs suvokimo ir to, kaip mus mato kiti, tačiau „Kitoks žmogus“ daugiausia dėmesio skiria fiziniams ir emociniams pokyčiams, kuriuos sukelia naujas veidas, o „Troškulio gatvė“ gilinasi į chaosą, sukeltą neatsakomo troškimo. emocinė neviltis.

3. „Under The Skin“ (2013 m.)

' Po oda “ yra vaizdinio pasakojimo meistriškumo klasė, pranokstanti tipišką mokslinė fantastika Žanras, siūlantis intensyviai atmosferinę ir persekiojančią patirtį. Režisieriaus Jonathano Glazerio filmas yra Michelio Faberio romano, taip pat pavadinto „Po oda“, ekranizacija, kuri panardina žiūrovą į klaikią svetimos būtybės (Scarlett Johansson) kelionę, kai ji randa kelią per šaltą, atskirtą žmogų. pasaulis. Filmas perima knygos prielaidą ir iš naujo įsivaizduoja ją į negausų, minimalistinį pasakojimą, kuris tiek apie izoliacijos ir stebėjimo jausmą, tiek apie jo pagrindinio veikėjo svetimą prigimtį.

Filmas puikiai sugretina siurrealistines akimirkas su socialinio realizmo niūrumu, fiksuodamas įprastas, dažnai apleistas žmogaus patirtis Škotijoje. Glazeris naudoja spalvas, formą ir tekstūrą tokiu tikslumu, kad kiekvienas kadras atrodo kruopščiai surežisuotas, kad sužadintų žmogaus egzistencijos neapibrėžtumą ir nerimą keliantį ateivių buvimo pobūdį. Johansson ateivio personažo atvaizdas užburia: jos neišraiškingas, hipnotizuojantis elgesys prideda papildomą susvetimėjimo sluoksnį, kuris kartu žavi ir kelia nerimą. Lyginant „Po oda“ su „Kitokiu žmogumi“, abu filmai nagrinėja tapatybės, susvetimėjimo ir manipuliavimo žmogaus patirtimi temas. Nors „Po oda“ yra šalta, nejaučiama išorinė jėga, „Kitoks“ žmogus gilinasi į žmogaus psichiką, ieškodamas savęs transformacijos. Abiejuose filmuose pagrindinis dėmesys skiriamas nepatogiam stebėjimo ir stebimo pobūdžiui, giliai žvelgiant į veikėjų santykius su aplinka ir kūnu.

2. „Holy Motors“ (2012 m.)

„Holy Motors“ – tai siurrealistinis tapatybės, transformacijos ir nepastovios žmogaus patirties tyrinėjimas. Filmas pasakoja apie paslaptingą personažą poną Oskarą (Denisas Lavantas), kuris per vieną dieną pereina į kelis vaidmenis. Kiekvienas „gyvenimas“, kurį jis prisiima, yra drastiškai skirtingas ir vis dėlto susijęs su visa apimančia spektaklio tema. Jis yra šalta, beveik be emocijų figūra, kuri iš žudiko tampa elgeta ir tampa siaubinga būtybe ir tampa šeimos žmogumi – kiekvieną tapatybę papildo savo ritualų, susitikimų ir emocinių akcijų rinkinys. Šioje nuolatinėje transformacijoje „Holy Motors“ kvestionuoja pačią tapatybės prigimtį ir vaidybos meną, ištrindami ribas tarp spektaklio ir tikrovės. Filmo struktūra yra sąmoningai nenuosekli, atspindinti fragmentišką, trumpalaikį pagrindinio veikėjo egzistavimo pobūdį. Susipynusios istorijos remiasi absurdu, tamsiu humoru ir persekiojančiomis akimirkomis – visa tai apipinta unikaliu Carax vizualiniu stiliumi. Lavanto pasirodymas yra neeilinis, nes jis sklandžiai keičiasi tarp personažų su fiziškumu ir intensyvumu, kuris jaučiasi beveik anapusinis.

Palyginti su „Kitokiu žmogumi“, abu filmai nagrinėja išradimo siekį ir performatyvius tapatybės aspektus. Filme „Kitoks žmogus“ pagrindinį vaidmenį atlieka pagrindinio veikėjo fizinis virsmas ir naujo savęs ieškojimas, o „Holy Motors“ pristato nuolatinį, beveik egzistencinį vaidmenų, kuriuos personažas priima visą dieną, sklandumą. Abu filmai dalijasi meditacija apie žmogaus poreikį pabėgti nuo buvusio savęs apribojimų, tačiau „Kitoks žmogus“ daugiau dėmesio skiria psichologinei ir fizinei transformacijos naštai, o „Šventieji varikliai“ mėgaujasi beveik absurdišku išsivadavimu, atsirandančiu atsikračius. viena tapatybė kitai.

1. Žmogus dramblys (1980 m.)

„Žmogus dramblys“ yra širdį veriantis žmogaus orumo, tapatybės ir visuomenės elgesio su tais, kurie neatitinka normų, tyrinėjimas. Remiantis tikra Josepho Merricko, žinomo kaip Johnas Merrickas, istorija, filme pasakojama apie žmogaus, turinčio sunkias deformacijas, gyvenimą XIX amžiaus Londone. Džozefą, žiauriai išnaudojamą kaip šou, išgelbėja daktaras Frederikas Trevesas (Anthony Hopkinsas), kuris yra gailestingas chirurgas. Istorijai vystantis Davido Lyncho režisūroje, Merrickas atskleidžiamas kaip daug daugiau nei groteskiška išorė, kurią jam priskiria visuomenė. Po fizinėmis deformacijomis slypi žmogus, turintis puikų intelektą, jautrumą ir, svarbiausia, gilų žmogiško ryšio troškimą.

Meistriška Lyncho režisūra užtikrina, kad filme bus išvengta melodramos, kuri lengvai galėjo užgožti tokią temą. Vietoj to, filmas yra niūrus ir intymus portretas žmogaus, kuris stengiasi būti matomas tokiu, koks jis iš tikrųjų yra, o ne tokiu, koks jis atrodo. Filmo kinematografija, stulbinančiai užfiksuota juodai balta, pabrėžia ryškų kontrastą tarp Merricko išorinės išvaizdos ir jo vidinio žmogiškumo. Johno Hurto Merricko atvaizdas yra neeilinis, nes jis atgaivina personažą, kuris, nors ir yra fiziškai izoliuotas, perpildytas emocinio gylio ir sudėtingumo.

Palyginus su „Kitokiu žmogumi“, „Žmogus dramblys“ yra aštri meditacija apie skausmą ir pažeidžiamumą, būdingą fizinei transformacijai tiek išorėje, tiek viduje. „Kitoks žmogus“ tyrinėja psichologinę savęs išradimo kelionę per transformacinę procedūrą, o „Žmogus dramblys“ sutelkia dėmesį į tai, kaip visuomenės fizinės išvaizdos suvokimas gali trukdyti užmegzti ryšį su kitais. Abu filmai stipriai klausia, ar įmanoma pažvelgti už paviršiaus ir iš tikrųjų suprasti žmogų tokį, koks jis yra. Filme „Kitoks žmogus“ pagrindinio veikėjo kova už tapatybę kyla iš jo priėmimo ir išorinio patvirtinimo ieškojimo, o filme „Žmogus dramblys“ Merricko kelionė yra beviltiškas bandymas būti vertinamas kaip daugiau nei jo išoriniai deformacijos, susirasti draugystę. , ir būti priimtam dėl jo sielos, o ne dėl kūno. Jei jums patiko „Kitoks žmogus“, jums patiks „Žmogus dramblys“ dėl jo sudėtingumo ir emocijų.